Буддизм, ислам, христианство

• 
  белое – начало, рождение, глубочайшее молчание;
  
• 
  черное – конец, печаль, смерть;
  
• 
  желтое – беспокойство, наглое и навязчивое воздействие;
  
• 
  синее – углубленность, зов к бесконечности, пробуждение желания к чистоте и сверхчувственности;
  
• 
  зеленое – самодовольное спокойствие;
  
• 
  красное – беспокойство, кипение, негодование.
  

Таким образом, приведя к мощному обновлению всего художественного языка, “авангардизм” придал особую масштабность утопическим надеждам на возможность переустройства общества посредством искусства, тем более что расцвет его совпал с волной войн и потрясений начала ХХ века.

Романтика, по словам К. Г. Паустовского, “не дает нам успокоиться и показывает всегда новые, сверкающие дали, иную жизнь, она тревожит и заставляет страстно желать этой жизни”.

Романтизм возникает в странах Западной Европы на рубеже XVIII–XIX веков как реакция на последствия Великой французской революции (1789–1794г.г.). Разочарование вызвал новый буржуазный общественный строй. Власть золота, перед которым не имели силы духовные человеческие ценности, породила сомнение в возможности преобразовать мир на разумных началах. Идеал справедливого мира стал казаться неосуществимым. На этом настроении и складывается романтизм - выражение неудовлетворенности действительностью, которое определило новый характер искусства во всех его видах и жанрах.

В целом западноевропейский романтизм существует как литературное направление до 30-х годов XIX века, когда на смену ему приходит критический реализм.

Характерной чертой романтизма является крайняя неудовлетворенность действительностью, противопоставление ей прекрасной мечты. Внутренний мир человека, его чувства, творческую фантазию романтики провозгласили подлинными ценностями, в противоположность ценностям материальным.

Отличительной особенностью романтического творчества является ярко выраженное отношение автора ко всему, что изображается в произведении.

Романтиков властно влекли к себе фантастика, народные предания, фольклор. Их манили дальние страны и минувшие исторические эпохи, прекрасный и величественный мир природы.

Излюбленные жанры романтической литературы – фантастические повести и драмы, волшебные сказки, где действуют чудесные силы, добрые и злые волшебники.

Романтические герои всегда в конфликте с обществом. Они – изгнанники, странники. Одинокие, разочарованные, герои бросают вызов несправедливому обществу и превращаются в бунтарей, мятежников.

Романтики видоизменили и обновили старые жанры, создали новые – такие, как исторический роман, лиро-эпическая поэма, фантастическая повесть-сказка. Они открыли бесценные сокровища народного искусства, сблизили литературу с фольклором.

Первые романтические произведения появились в России в самом начале XIX в. В 1820-е годы романтизм стал главным событием литературной жизни, литературной борьбы, центром оживленной и шумной журнально-критической полемики.

Русский романтизм возник в иных условиях, чем западноевропейский. В России он сформировался в эпоху, когда стране ещё только предстояло вступить в полосу буржуазных преобразований. В нем сказалось разочарование передовых русских людей в существующих крепостнических порядках, неясность их представления о путях исторического развития страны. С другой же стороны, в русском романтизме выразилось начавшееся пробуждение общенациональных сил, стремительный рост общественного и личного самосознания.

Вполне естественно, что русский романтизм отличался от западноевропейского.

Во-первых, романтические настроения и художественные формы представлены как бы в смягченном варианте.

Во-вторых, для русского романтизма характерна связь с другими литературными направлениями.

С романтизмом связаны в русской литературе имена величайших ее представителей – А.С. Пушкина, М.Ю. Лермонтова и Н.В. Гоголя, выдающихся лириков Е.А. Баратынского, В.А. Жуковского, Ф.И. Тютчева.

Романтической мечтой русской живописи стала Италия. Именно там создали свои лучшие полотна А.А. Иванов, К.П. Брюллов, О.А. Кипренский, Сильв.Ф. Щедрин.

К.П. Брюллова интересовало далёкое прошлое этой страны. Результатом его творческих исканий стала картина “Последний день Помпеи”. Любовью к прекрасной итальянке Ане-Марии Фалькуччи была озарена жизнь О.А. Кипренского. Сильв. Ф. Щедрин, названный искусствоведами “итальянцем из России”, запечатлел в своих картинах прекрасную природу Италии – море, скалы, пещеры, гроты, создав в русской живописи жанр романтического пейзажа.

В музыке романтизм сформировался в 20-е годы XIX века. Для творчества композиторов – романтиков характерно обращение к жанрам, связанным с литературой (опера, песня), использование более свободных, по сравнению с их предшественниками, форм.

Произведения А.А. Алябьева, А.Н. Скрябина пронизаны яркой эмоциональностью и лиризмом. Композиторы стремились передать всё богатство внутреннего мира человека.

В развитии русского романтизма обычно выделяют три главных периода.

1801–1815г.г. – период зарождения романтического направления в России. В это время романтизм тесно связан с классицизмом и – главное – с сентиментализмом, внутри которого он, по сути дела, и развивается. Родоначальниками русского романтизма принято считать

Так как на первом этапе своего развития романтизм был очень близок к сентиментализму, рассмотрим черты сентиментализма и романтизма в балладе В.А. Жуковского “Светлана”

Баллада Жуковского “Светлана” связана с русскими обычаями и поверьями, песенно-сказочной традицией. Предмет баллады – гадания девушки в крещенский вечер. Образ Светланы – первый в русской поэзии художественно убедительный, психологически правдивый образ русской девушки. Она то молчалива и грустна, тоскуя по безвестно исчезнувшему жениху, то пуглива и робка во время гадания, то рассеянна и встревожена, не зная, что её ждёт – это типично для сентиментализма. Романтизм баллады – в условном пейзаже, необычном происшествии, в указании на то, что главное и вечное – в каком-то ином мире, а земная жизнь кратковременна. С образом Светланы автор связывает мысль о торжестве любви над смертью. В. А. Жуковский приобрёл славу оригинального писателя именно как создатель баллад.

Картину Брюллова можно считать своеобразной иллюстрацией к балладе. Художник передал очарование юности, воспроизвел привлекательный и изящный девичий мир. Перед зрителями именно “милая Светлана”, которая грустит о женихе. Колорит картины созвучен цветовой гамме баллады. Комната, изображенная на полотне, темная, а в балладе “темна даль” дороги, “темно в зеркале” во время гадания. В обоих произведениях особым символом является свеча. Именно огонек свечи способен победить злые силы, дать покой, веру в счастье.

1816-1825г.г. – время интенсивного развития романтизма. Теперь романтизм выступает как самостоятельное направление и становится центральным событием литературной жизни. Важнейшим явлением этого периода стала деятельность писателей – декабристов и творчество ряда замечательных лириков: Д.В. Давыдова, П.А. Вяземского, Е.А. Баратынского. Но центральной фигурой русского романтизма был, конечно, А.С. Пушкин.
Яркий представитель русской романтической школы, Айвазовский создавал свои произведения по воображению. Художник говорил, что сюжет картины слагается у него в памяти как сюжет стихотворения у поэта.

И.К.Айвазовский в соавторстве с И.Е.Репиным создает портрет знаменитого поэта “Прощание А.С.Пушкина с морем”. Когда смотришь на это полотно, возникает ощущение, что слышишь слова Пушкина: “Прощай, свободная стихия!”

Как и великого поэта, Айвазовского влекла морская стихия, поэтому во многих полотнах главной темой является тема противоборства человеческого духа с беспощадной силой бушующего моря:

Смиренный парус рыбарей,

(“К морю”)

Таковы полотна “Море”, “Буря на Черном море”, “На Черном море начинает разыгрываться буря”, “Девятый вал”. Но как стихи А.С.Пушкина проникнуты верой в лучшее, так и полотна И.К.Айвазовского содержат детали, символизирующие надежду (образы солнечного луча, берега присутствуют в картинах, изображающих кораблекрушение).

Природа и человек – главные темы творчества Гоголя, Куинджи и Римского-Корсакова. Картины А. И. Куинджи, посвященные Украине, появились спустя много лет после выхода произведений Н. В. Гоголя. От работ художника веяло забытой романтикой, зритель словно возвращался в ту Малороссию, которую показывал в своих произведениях Гоголь.

Украинское село изображено на картине А. И. Куинджи “Вечер на Украине”, построенной на контрасте света и тени. Пространство погружается во мрак, белые хаты, потонувшие в садах, освещаются последними солнечными лучами. Возникает ощущение, что именно в этом селе, расположенном на пригорке, и происходило действие гоголевских повестей.

Романтизм “Вечеров…” жизнен, своеобразно объективен. Н. В. Гоголь поэтизирует ценности, действительно существующие. Его привлекает все сильное, яркое, заключающее избыток жизненных сил, он раскрывает красоту народной жизни в границах романтической художественной системы.

Н. В. Гоголь показывает жизнь, преображенную народной фантазией. Создавая радостный мир мечты, он нередко обращается к “нестрашной”, комической фантастике, так часто встречающейся в народных сказках. Черти и ведьмы в “Вечерах… ” перенимают ухватки, манеру поведения обыкновенных людей, вернее, комедийных персонажей. “Черт … не на шутку разнежился у Солохи: целовал ей руку с такими ужимками, как заседатель у поповны”.

Только в двух повестях (“Вечер накануне Ивана Купалы” и “Страшная месть”) фантастическое приобретает зловещий характер.

В “Вечерах… ” Гоголь довел до совершенства романтическое искусство перевода обыкновенного в необыкновенное, превращения действительности в сновидение, в сказку. В “Майской ночи”: “Непреодолимый сон быстро стал смыкать ему зеницы… “Нет, эдак я засну еще здесь!”- говорил он, подымаясь на ноги и протирая глаза. Оглянулся: ночь казалась перед ним еще блистательнее…”– и далее реальное все более “отступает”, и развертывается чудесный сон Левка.

Изображенная в повестях украинская природа поражает буйной яркостью красок, каким-то неистовым размахом и мощью, захватывая нас, читателей, радостным изумлением писателя перед красотой мира.

Для Н. А. Римского-Корсакова Н. В. Гоголь был одним из самых любимых писателей. Его острый, порою причудливый юмор, полные жизни, необыкновенно сочные бытовые сценки и типы, элемент фантастики, дивные, окутанные светлой романтической дымкой картины природы, наконец, превосходный, живописный язык – все это неотразимо притягивало композитора.

И потому так завораживает слушателя своей красотой музыкальный пейзаж “Украинская ночь” из оперы “Майская ночь”. Могучая природа живет, дышит, поет свою заветную песню.

Природа гармонична, а человеческому обществу далеко до идеала. И поэтому к художественному опыту романтизма не раз обращаются творческие личности на протяжении не только XIX ,но и XХ века.

№9

Импрессионизм в живописи и музыке
Все художники до XIX века и первой половины XIX века, несмотря на принадлежность к различным школам, имели одну общую черту: они создавали свои картины в стенах мастерской, предпочитая нейтральное освещение и широко используя асфальтово-коричневый цвет. По этой причине картины нередко имели приглушённый колорит.

Вдруг в 60-е годы в Париже объявились нахальные молодые люди, которые таскали с собой на этюды довольно большие холсты и писали на них чистыми красками прямо из тюбика. Причём клали рядом, например: красный и зелёный или жёлтый и фиолетовый, называя эти пары дополнительными цветами. От этих контрастов, краски, положенные крупными раздельными мазками, казались нестерпимо яркими, а предметы, которые новые художники не стремились обводить линейным контуром, теряли точность очертаний и растворялись в окружающей среде. С целью усилить это растворение новые живописцы искали особые природные эффекты: они любили дымку, туман, дождь; любовались тем, как играют пятнышки света на фигурах людей в кружевной тени деревьев. Первое, что объединяло молодых художников, было желание писать под открытым небом. Причём писать не подготовительные этюды, как это ранее делали пейзажисты, а сами картины. Они собирались в парижском кафе Гербуа, (это место, где не просто закусывали: это колыбель новой французской культуры), они были молоды, никому не известны; иногда по отдельности выставлялись в Салоне и отмечались критикой в лучшем случае сочувственно, а публика откровенно смеялась.

Эти художники объединились, восставая своим творчеством и совершенно новым методом против традиций и канонов классической живописи. В 1874 году, собранные вместе на первой групповой выставке, их произведения вызвали настоящий шок. Это была выставка независимых художников, независимых от академии, от официального искусства, от устаревших традиций, критики, мещанской публики. Вот имена этих новых художников: Клод Моне, Камилл Писсарро, Эдгар Дега, Альфред Сислей, Огюст Ренуар, Поль Сезанн, Берта Моризо. Клод Моне показал среди других полотен картину «Впечатление. Восход солнца». Впечатление – по-французски impression: отсюда и пошло название импрессионисты, то есть «впечатлисты». Это слово пустил в оборот журналист Луи Леруа, в шутку, но сами художники его приняли, так как оно действительно выражало суть их подхода к натуре.

Импрессионисты считали, что задача искусства – верно отражать впечатления от окружающего мира – живого и вечно меняющегося. Жизнь представляет собой череду неповторимых мгновений. Именно поэтому задача художника – отражать действительность в её непрестанной изменчивости. Предметы и существа нужно изображать не такими, какие они есть, а так, как они выглядят в данный момент. А выглядеть они могут различно из-за расстояния или угла зрения, из-за изменений воздушной среды, времени дня, освещения. Чтобы верно отразить свои впечатления, художник должен работать не в мастерской, а на природе, то есть на пленэре. А чтобы верно передать быстрые в окружающем пейзаже, нужно писать быстро и закончить картину за несколько часов или даже минут, а не как в былые времена – за несколько недель или месяцев. Поскольку окружающая действительность предстаёт перед художником в новом освещении, постольку схваченное им мгновение – это документ минуты.

Новое направление, так ярко проявившее себя в живописи, оказало влияние и на другие виды искусств: поэзию и музыку. Музыкальный импрессионизм наиболее полное воплощение получил в творчестве двух французских композиторов: Клода Дебюсси и Мориса Равеля. Также как и в живописи, музыкальный импрессионизм складывался в обстановке непрекращающейся борьбы между традиционным и новым. Он утверждался в противовес к устаревшим, но цепко удерживающимся, «академическим» традициям музыкального искусства Франции начала XX века. Молодые Дебюсси и Равель в полной мере ощутили это на себе. Их первые творческие опыты встретили такое же недоброжелательное отношение со стороны руководства Парижской консерватории и Академии изящных искусств, как и картины художников-импрессионистов. Негативными были отзывы на такие произведения Дебюсси как симфоническая ода «Зулейма», симфоническая сюита «Весна», кантата «Дева-избранница». Композитор обвинялся в умышленном желании «сделать что-либо странное, непонятное, невыполнимое», в «преувеличенном чувстве музыкального колорита». Неодобрение консерваторской профессуры вызвала фортепианная пьеса Равеля «Игра воды», и он не получает Римскую премию в 1903 году. А в 1905 году жюри его просто не допустило к конкурсу. Явная несправедливость решения жюри вызвала резкий протест значительной части музыкальной общественности Парижа. Возникло даже, так называемое, «дело» Равеля, которое широко обсуждалось в прессе. Дебюсси и Равелю пришлось пробивать себе дорогу в искусстве в одиночестве, ибо у них почти не было единомышленников и соратников. Весь их жизненный и творческий путь был полон поисков и смелых экспериментов в области музыкальных жанров и средств музыкального языка.

Музыкальный импрессионизм вырос на почве национальных традиций французского искусства. Красочность, декоративность, интерес к народному искусству, к античной культуре, большая роль программности всегда были характерны французской музыке. Все это ярко проявилось в творчестве Дебюсси и Равеля. Но самое непосредственное и плодотворное влияние на новое направление в музыке, конечно, оказал живописный импрессионизм.

В творчестве художников и композиторов импрессионистов обнаруживается много общего. Прежде всего – это родственная тематика. Ведущей темой становится «пейзаж».

В центре внимания живописцев - городской пейзаж, где город привлекает художников во взаимодействии с общими природными процессами, нюансами атмосферы. В картине «Бульвар капуцинок в Париже» К. Моне композиция построена на контрасте непрерывного движения пешеходов и статичных форм домов и стволов деревьев; на контрасте теплого и холодного колорита; на выразительном временном контрасте – две застывшие фигуры как бы выключены из быстротекущего времени. Изображение дано смазанным и неуловимым, возникает ощущение наложения на один кадр нескольких изображений, снятых с одной точки. Мелькание, мерцание, движение. Нет предметов. Есть жизнь города (ещё художник 1 половины XIX века, Делакруа, говорил, что хочет написать не саблю, а блеск сабли).

Большое внимание уделяли художники и образам природы. Но у них такой пейзаж, в котором сам предмет отступает на второй план, и главным героем картины становится изменчивый и непостоянный свет. Клод Моне ввёл в практику работу над сериями полотен, изображающих один и тот же мотив при разном освещении. Каждая картина серии неповторима, потому, что её преображает меняющийся свет.

Необычное отношение к пейзажу и у композиторов-импрессионистов.

Никто из композиторов прошлого не воплощал такого разнообразия и богатства сюжетов, связанных с картинами природы. Причем, Дебюсси и Равеля в образах природы привлекает, прежде всего то, что движется: дождь, вода, облака, ветер, туман и тому подобное. Например, такие пьесы Дебюсси: «Ветер на равнине», «Сады под дождем», «Туманы», «Паруса», «Что видел западный ветер», «Вереск», «Игра воды» Равеля. Звучит пьеса Дебюсси «Сады под дождем».

В подобных произведениях ярко проявились некоторые приемы звукоизобразительности, характерные именно для музыки импрессионистов. Их можно обозначить как «бег волн» («Игра воды» Равеля, «Паруса» Дебюсси), «листопад» («Мертвые листья» Дебюсси), «мерцание света» («Лунный свет» Дебюсси), «дыхание ночи» («Прелюдия ночи» Равеля, «Ароматы ночи» Дебюсси), «шелест листвы» и «дуновение ветра» («Ветер на равнине» Дебюсси).

Однако, рисуя картины природы, композиторы не стремились к чисто изобразительному решению образа. Для них было важно передать определенное настроение, ощущение, свое отношение к данному поэтическому образу. Отсюда особый доверительный, интимный тон высказывания. Каждая пейзажная зарисовка имеет определенную эмоциональную окраску – то спокойного, мечтательного созерцания, то величавого раздумья. Суровое, а иногда и мрачное настроение может мгновенно смениться опьяняющей радостью. Очень точно сказал об этом И. В. Нестьев: «Чарующие звуковые пейзажи Дебюсси – картины моря, леса, дождя, ночных облаков – всегда проникнуты символикой настроения, «тайной невыразимого», в них слышится то любовная истома, то нотки горестной отрешенности, то ослепительная радость бытия».

Наряду с «лирическим пейзажем» не менее типичной для импрессионистов темой стал «лирический портрет». В таких пьесах композиторам удается несколькими точными штрихами создать вполне реальный, жизненный музыкальный образ. Например, музыкальные портреты: полная юмора, с чертами гротеска пьеса «Генерал Лявин-эксцентрик». Или светлая, с оттенком печали пьеса «Девушка с волосами цвета льна».

У художников-импрессионистов мы часто встречаем портрет, где представлены натурщицы, барышни из предместьев, модистки, танцующие в маленьких кафе Монмартра, балерины, художники, жокеи, мелкие буржуа, посетители кафе. Образ современницы, обаятельной парижанки был центральным в творчестве Огюста Ренуара. В портрете Жанны Самари блестящие голубые глаза и красные губы притягивают взгляд. Яркий цветовой аккорд изумрудного и розового звучит привлекательно. В самом портретировании импрессионистов привлекает не физиономическое описание лица и углублённое психологическое раскрытие характера, а тот индивидуальный неповторимый аспект личности, раскрывающийся через беглый взгляд, наклон головы, особую пластику, манеру держаться.

Привлекает их и бытовой жанр – публика в кафе, лодочники на лодочных станциях, компания в парке на пикнике, регаты, купания, прогулки – всё это мир без особых событий, а главные события происходят в природе. Колдовские эффекты водной поверхности: зыбь воды, её переливы, блеск отражения, рисунок облаков и колыхание листвы – вот истинная страсть импрессионистов. И только Эдгар Дега нашёл в бытовом жанре то, что могло пленить импрессионистов: реальность современного города он показывает, применяя приёмы будущего кинематографа – кадрирование, показ фрагментов, наезд камеры, неожиданные ракурсы. Он пишет «Сидя у самых ног танцовщицы, я увидел бы её голову, окружённую подвесками люстры». В его зарисовках можно видеть кафе с многократными отражениями в зеркалах, различного рода дым – дым курильщика, дым паровоза, дым фабричных труб. Работая в технике пастели, он добивается необычных цветовых эффектов. Звучный декоративный аккорд синего и оранжевого в «Голубых танцовщицах» кажется самосветящимся.

Композиторы-импрессионисты тоже обращаются к жанрово-бытовым сюжетам. В жанрово-бытовых зарисовках Дебюсси использует бытовые музыкальные жанры, танцы разных эпох и народов. Например, народные испанские танцы в пьесах «Прерванная серенада», «Ворота Альгамбры».

задачи картинно-живописным, художественным.

Общие черты в творчестве художников и композиторов-импрессионистов обнаруживаются не только в области содержания, тематики, но и художественного метода.

Необычный взгляд на окружающий мир определил технику живописи импрессионистов. Пленэр – главный ключ к их методу. Они не прошли мимо главных научных открытий в оптике о разложении цвета. Цвет предмета есть впечатление человека, которое меняется постоянно от освещения. Импрессионисты накладывали на холст краски только тех цветов, которые присутствуют в солнечном спектре, без нейтральных тонов светотени и без предварительного смешивания этих красок на палитре. Они наносили краску мелкими раздельными мазками, которые на расстоянии вызывают впечатление вибрации, контуры предметов при этом теряют чёткость очертаний.

Импрессионисты обновили не только светоцветовой строй живописи, но и композиционные приёмы. Академия учила строить композицию наподобие театральной сцены – прямо перед собой, в горизонтальных линиях, при этом строго соблюдать законы линейной перспективы. У импрессионистов мы видим самые разнообразные точки созерцания – сверху, издали, изнутри и другие. В противоположность канонам академического искусства, которое включало обязательное помещение главных действующих лиц в центр картины, трёхплановость пространства, использование исторических сюжетов, импрессионисты выдвинули новые принципы восприятия и отражения окружающего мира. Они перестали разделять предметы на главные и второстепенные. Они изгнали из картин повествовательность. Импрессионисты сосредоточились на изучении природы света, внимательном наблюдении за определённо окрашенным светом. Импрессионисты впервые вышли в сферу едва заметных обычному глазу превращений реальности, которые протекают так быстро, что могут быть отмечены только натренированным глазом и совершаются в темпе, несравненно превышающем темп создания картины. Эффект растянутого мгновения – «рапид» - применён за 25 лет до открытия кинематографа.

Со времён античности в мировой эстетике господствовала теория подражания в искусстве, импрессионисты утвердили новую концепцию, согласно которой художник должен воплощать на своих полотнах не объективный окружающий его мир, а своё субъективное впечатление от этого мира. Многие направления в искусстве последующего, XX века, появились, благодаря новым методам импрессионизма.

№ 10