Фигура международного масштаба. Не собирлся быть художником, учился на юриста. Но страстью была музыка и изо

Франти́шек Ку́пка

Купка родился в семье ремесленника. В 1888—1891 годах учился в пражской Академии художеств, создавая в то время картины на исторические и патриотические темы (. В 1891 году переехал в Вену, где поступил в Академию изобразительного искусства, сконцентрировавшись на создании полотен на символические и аллегорические сюжеты (Серебро, Начало жизни 1895 г.). В тот же период началось его увлечение теософией и восточной философией. С 1895 года Купка жил в Париже, недолго посещал частную академию художеств «Académie Julian», затем учился в Школе изящных искусств (École des Beaux-Arts).

Зарабатывал на жизнь рисунками моделей одежды, с 1900 активно работал как карикатурист и иллюстратор в парижских журналах и анархистской прессе (под псевдонимом Поль Реньяр). Выразил свои взгляды на современную историю в циклах сатирических рисунков «Мир», «Деньги», «Проституция» (1902-1904). Оформил своими иллюстрациями целый ряд книг, в том числе многотомный труд Реклю «Человек и земля». В 1906 году поселился в парижском пригороде Пюто, в том же году впервые выставлялся в Осеннем салоне (Salon d'Automne).

Купка был глубоко впечатлён первым «Манифестом футуризма» Филиппо Маринетти, опубликованном в 1909 году в газете «Фигаро». Картиной 1909 года «Клавиши пианино, или Озеро» (Национальная галерея в Праге) отмечен перелом в стиле Купки. В работах 1908—1911 годов — влияние фовизма и пуантилизма (Большая Ню, 1910). Полотна, созданные в 1910—1911 годах, стали более близки к абстрактному искусству, отражая его теории о движении, цвете, отношении музыки и живописи (орфизм). (Мадам Купка в Вертикалях, 1911 г.) В 1911 году он посетил собрания кубистов из группы «Пюто». В 1912 году принял участие выставке кубизма «Золотое сечение» в Салоне независимых (Salon des Indépendants), хотя в то время ещё не идентифицировал себя полностью с кубизмом.

Разлагает форму почти до абстрактной (штудии амфоры, 1911 г.). С другой стороны, критика именовала стиль Купки также и «музыкализмом», тем более что он любил давать своим произведениям названия типа «ноктюрн» или «фуга». В сравнении с Делоне его творчество обычно выделяется более строгой разметкой цветовых зон; добиваясь оптической иллюзии движения, он либо располагает их вертикально или диагонально в виде полос (серия «Вертикальные планы», 1910—1913), либо компонует концентрически, в том числе спиралевидно (серия «Диски», 1911—1912) – называет свои диски по математикам (ньютона, и др.). Иногда цвета Купки плавно переходят друг в друга, словно сама их шкала рождается у нас на глазах из некоей «космической» пустоты.

Амфора, элементы, 1913 г. Это целая серия графических работ в одном цвете.

Организация графических элементов, 1913 г. Тоже серия.

В 1919 году стал профессором пражской Академии художеств, обучая студентов, проходивших практику в Париже. В 1919—1938 годах Купку финансово поддерживал его близкий друг, коллекционер живописи и промышленник Джиндрич Волдес, собравший значительную коллекцию работ художника. В 1920-е гг. Изучает свойства линии и цвета (В синем, 1925 г., вокруг точки, 1923 г.).

Во второй половине 1920-х гг. В его творчестве появляются механизированные элементы (Смешная машина, 1928 г. Музыка, 1829 г.)

В 1931 году Купка вместе с другими представителями искусства основал группу «Abstraction-Création» («Абстракция-Творчество»). В 1936 году его работы демонстрировались на выставке «Кубизм и абстрактное искусство» в Музее современного искусства в Нью-Йорке, а также на выставке картин другого известного чешского художника Альфонса Мухи в галерее «Жё-де-Пом» (Париж). Ретроспективная выставка картин Купки состоялась в 1946 году в галерее «Манэс» (Прага). В том же году участвовал в Салоне новых реальностей (Salon des réalités nouvelles), где продолжал регулярно выставлять свои творения до конца жизни. В начале 1950-х годов приобрёл широкое признание, проводил несколько персональных выставок в Нью-Йорке. Последние годы жизни Купка провёл в Пюто, где умер в 1957 году.

Особый стиль разработал Робер Делоне. Название стиля — «орфизм»; его дал Аполлинер. Это искусство должно было напоминать о древнем Орфее. Делоне выступил против старого, ортодоксального кубизма, считая, что у него нет цвета. Он соединил мощные декоративные ритмы кубизма с цветностью фовизма. Это и было творчество Орфея, если под мифологическими камнями понимать кубизм, а под дикими зверями — фовизм. Аполлинер называл «орфизмом» «живопись абстрактную, обогащенную музыкой и чувственными ассоциациями, искусство дионисийской радости». Художники-орфисты (создатель и теоретик направления Р. Делоне, Ф. Купка, Ф. Пикабия, М. Дюшан), пытаясь выразить динамику движения и музыкальность ритмов с помощью "закономерностей" взаимопроникновения основных цветов спектра и взаимопересечения криволинейных поверхностей, очень скоро перешли к абстрактному формотворчеству.

Официальное "крещение" орфизма произошло на Салоне независимых в 1913. Так критик Роже Аллар писал в своем отчете о Салоне: "...заметим для будущих историков что в 1913 родилась новая школа орфизм..." ("La Cote" Париж 19 марта 1913). Ему вторил другой критик Андре Варно: "Салон 1913 был отмечен рождением новой школы орфической школы" ("Comoedia" Париж 18 марта 1913). Наконец Гийом Аполлинер подкрепил это утверждение воскликнув не без гордости: "Это орфизм. Вот впервые проявилось это направление которое было мною предсказано». Действительно термин этот был изобретен Аполлинером и впервые публично заявлен во время лекции посвященной современной живописи и прочитанной в октябре 1912. Термин "орфизм" впервые появился в статье Аполлинера "Die moderne Malerei" напечатанной в феврале 1913 в журнале Der Sturm (? 148-149).

Свое понимание декоративно-динамических возможностей колорита, систему его оптимальных контрастов художник изложил в эссе О цвете (1912), которое стало манифестом орфизма. Серия "Окна" созданная зимой 1912-1913 настолько вдохновила Аполлинера что он написал одну из самых красивых своих поэм ("Окна": "Du rouge au vert tout ie jaune se meurt...") которая была напечатана в каталоге выставки Делоне в гал. "Штурм" в Берлине (январь 1913).

В 1912 г. Делоне пишет «Циркулярные формы», давая на холсте динамику колористических секторов, своеобразные симультанные диски-пульсации, словно вращающиеся вокруг своего центра. Это круговые формы, народившиеся из наблюдений о концентрически-круговой природе светового излучения и цветового спектра. В самом цикле видно движение от изобразительного (есть еще форма Эйфелевой башни на заднем плане) к абстрактному. Характерно, что он поддерживал связи с Кандинским, Марком, Макке. Да и само название его стиля возникло в связи с открытием его выставки в берлинской галерее «Штурм».

В 1920-е годы Делоне вернулся к фигуративному искусству, продолжив, в частности, серию «эйфелевых башен» и написав немало выразительных портретов (Ф.Супо, 1922, Центр Ж.Помпиду, Париж). Затем, на рубеже следующего десятилетия, вновь обратился к абстракции (цикл картин Бесконечные ритмы – с 1933 – горизонтально-удлиненных композиций, гораздо более сдержанных по цветовой гамме). Совместно с женой создал ряд больших панно для железнодорожного и авиационного павильонов Всемирной выставки в Париже (1937). С началом Второй мировой войны переехал в Овернь.

Умер Делоне в Монпелье 25 октября 1941.

АБСТРАКЦИОНИЗМ (лат. abstractio – удаление, отвлечение) – беспредметное, нефигуративное искусство – форма изобразительной деятельности, не ставящая своей целью имитацию или отображение визуально воспринимаемой реальности. Абстрактная живопись, графика, скульптура исключают ассоциации с узнаваемыми предметами.

Истоки абстрактной живописи и время создания первой абстрактной картины не установлены. С уверенностью можно говорить только о том, что между 1910 и 1915 годами многие европейские художники пробовали себя в беспредметных, нефигуративных композициях (в живописи, рисунке, скульптуре). Среди них: Р.Делоне, М.Ф.Ларионов, Ф.Пикабиа, Ф.Купка, П.Клее, Ф.Марк, А.Г.Явленский, У.Бочиони, Ф.Маринетти и др. Самые оригинальные и известные – В.В.Кандинский, П.Мондриан, К.С.Малевич. «Изобретателем» абстракции обычно называют Кандинского, имея в виду его акварели 1910–1912 и его теоретические работы, которые объективно свидетельствуют о самодостаточности искусства, указывают на его способность своими собственными средствами создавать некую новую реальность. И в практике, и в теории Кандинский был наиболее решительным и последовательным из тех, кто в это время подошел к черте, отделяющей фигуративность от абстракции. Невыясненный вопрос о том, кто первым пересек эту черту, не имеет принципиального значения, так как в первые годы XX в. новейшие течения европейского искусства вплотную приблизились к этой границе, причем все указывало на то, что она будет опрокинута.

Абстракция вопреки бытующим представлениям не является стилистической категорией. Эта специфическая форма изобразительного творчества распадается на несколько направлений. Геометрическая абстракция, лирическая абстракция, жестикуляционная абстракция, аналитическая абстракция и более частные течения, такие, как супрематизм, аранформель, нюажизм и т.д.

Стили абстрактного искусства складываются из тех же стилеобразующих элементов, что и стили фигуративного. Об это свидетельствует, в частности, тот факт, что монохромная живопись – холст, закрашенный одним тоном, – находится в таком же нейтральном отношении к стилю, как абсолютно натуралистическое фигуративное изображение. Абстрактная живопись – это особый вид изобразительной деятельности, функции которой сравнивают с функциями музыки в аудиопространстве.

Ускоряющаяся смена эстетических установок в искусстве берет начало в революционных преобразованиях в культуре, науке и технике XX в. В искусстве новые тенденции становятся заметны уже в первой половине XIX в. у Р.О.Бонингтона и особенно У.Тернера, чьи картины Солнце, восходящее в тумане… (1806), Музыкальный вечер (1829–1839) Дождь, пар, скорость, 1848 г. Хотя абстрагирование характерно еще для древних народов (клее изучал каменный век)

С 1905 по 1910 в западноевропейском искусстве происходит последовательная «деконструкция» классической изобразительной системы, радикальная смена эстетических установок.

Первая абстрактная картина была выполнена в 1883 г. художник А. Альфонс показывает на выставке работу «Девушки под снегом» — чистая бумага, прикрепленная к картонному планшету. Однако о ней надолго забыли. Традиционно абстрактное искусство начинается с 1910 г.— с появлением первых неизобразительных акварелей В. Кандинского — и имеет более длительное бытие, чем предполагалось ранее. отказ от всяческой «фигуративности» является логическим завершением предшествующего опыта авангардизма

Важно, что абстрактное искусство не имеет определенной стилистики, оно целиком индивидуально.

В термине «абстрактное искусство» (на наш взгляд, более удачном, чем термины «абстракционизм» и «абстрактивизм») заключается глубокая двойственность, когда есть намек и на искусство, и на некую альтернативу. Если абстрактное искусство рассматривать именно как искусство, то перед нами программный формализм: вариации на тему «снятых» качеств возможного художественного произведения, когда использованы «фактура», «ритм», «композиция», «конструкция», «колорит» и т. п. Такие «снятые», отстраненные качества и являются, как может показаться, «абстракцией» от искусства. У произведения абстрактного искусства предполагается любая Интерпретация (что происходит отнюдь не от полисемантичности). Такой широты интерпретации не встретить ни у какого «изма». Принципиальное отсутствие семантического поля уже не может объясняться хоть в какой-то степени «снятием» образности искусства, с ее концепционной, символической и гносеологической развернутостью.

Если живопись, так же как другие искусства, – это не столько демонстрация мастерства – создание произведения, сколько способ самовыражения, тогда абстрактное искусство надо признать наиболее продвинутой ступенью изобразительной деятельности. Это «восхождение» демонстрирует творческая эволюция пионера абстракционизма – Кандинского, которая проходит ряд этапов, включая академический рисунок и реалистическую пейзажную живопись, прежде чем выйти в свободное пространство цвета и линии. Абстрактная композиция – это тот последний, молекулярный, уровень, на котором живопись еще остается живописью. Дальше – распад.

Абстрактное искусство – самый доступный и благородный способ запечатлеть личное бытие, причем в форме, подобной факсимильному оттиску. В то же время это прямая реализация свободы.

Кубизм шел к отвлечению от реального мотива изображения и в некоторых своих выводах порождал геометрическую линию этого направления (К. Малевич, П. Мондриан и др.).

Экспрессионизм в начале 1910 г. легко вышел к «чистой живописи» (Ф. Марк и В. Кандинский).

Дадаизм проявился в абстрактных мотивах у X. Арпа, К. Швиттерса, М. Рея, сюрреализм — у X. Миро, О. Домингеса, Р. Матта,

поп-арт — у Д. Джонса,

концептуальное искусство — у М. Гертца, М. Рэмсдена.

Причем во всех других своих проявлениях эти движения были далеки от абстрактного искусства, и кубизм, например, имел собственную стилистическую эволюцию.

В США подъем абстракционизма начинается уже в середине 1940-х. Первыми заметными фигурами в это время, кроме ученика П.Мондриана Дж.Поллока, были Б.Диллер, М.Тобей, Б.У.Томлин, А.Горки. Среди тех, чье творчество позднее оказало влияние на европейскую живопись, – Б.Ньюмен, М.Ротко, Ф.Клин, Р.Раушенберг, У.Кунинг, А.Рейнхардт.