История и теория искусства учебный словарь
жүктеу/скачать 0.76 Mb.
|
- Бұл бет үшін навигация:
- Ротонда
- Русский стиль, псевдорусский стиль
- Руст
- Складень
- Социалистический реализм
- «Союз русских художников»
- Среднеазиатская школа миниатюры
- Средокрестие
Романтизм (от франц. romantisme) - идейное и художественное движение в европейской и американской культуре конца XVIII - первой половины XIX вв. Зародившийся в качестве реакции на рационализм и механицизм эстетики классицизма и философии Просвещения, утвердившийся в эпоху революционной ломки феодального общества, прежнего, казавшегося незыблемым миропорядка, романтизм стал одним из наиболее сложных и внутренне противоречивых явлений в истории культуры. Разочарование в идеалах Просвещения, в результатах Великой французской революции, отрицание утилитаризма современной действительности, принципов буржуазного практицизма, жертвой которых становилась человеческая индивидуальность, пессимистический взгляд на перспективы общественного развития, умонастроения «мировой скорби» сочетались в романтизме со стремлением к гармонии миропорядка, духовной целостности личности, с тяготением к «бесконечному», с поисками новых, абсолютных и безусловных идеалов. Острый разлад между идеалами и гнетущей реальностью вызывал в сознании многих романтиков болезненно-фаталистическое или проникнутое негодованием чувство двоемирия, горькую усмешку над несоответствием мечты и действительности, возведенную в литературе и искусстве в принцип «романтической иронии». Романтизм захватил все сферы духовной культуры: литературу, музыку, театр, философию, эстетику, филологию и другие гуманитарные науки, пластические искусства. Но романтизм почти не имел государственных форм своего выражения (поэтому он не затронул существенным образом архитектуру, повлияв в основном на садово-парковую архитектуру, на создание малых форм и на направление так называемой псевдоготики). Развиваясь во многих странах, романтизм повсюду приобрел яркое национальное своеобразие, обусловленное собственными историческими условиями и национальными традициями. Ротонда (от лат. rotundus - круглый) - центрическое сооружение, круглая в плане постройка (храм, мавзолей, павильон, зал), обычно увенчанная куполом. Русские сезоны - выступления русской оперы и балета, организованные в 1907 г. известным театральным деятелем С. П. Дягилевым. Начались в Париже симфоническими концертами, носившими название «Исторические русские концерты», в которых выступали Н. А. Римский-Корсаков, С. В. Рахманинов, А. К. Глазунов, Ф. И. Шаляпин и др. В 1908-1909 гг. были показаны оперы «Борис Годунов» М. П. Мусоргского, «Псковитянка» Н. А. Римского-Корсакова и др. С 1909 г. ежегодно в Париже, а с 1910-го - в Берлине, Брюсселе, Монте-Карло, Лондоне, Будапеште и других европейских городах гастролировала балетная труппа, сформированная из артистов Мариинского и Большого театров (А. П. Павлова, Е. В. Гельцер, В. Ф. Нижинский и др.). Балетмейстер первых сезонов М. М. Фокин показал в новых редакциях «Павильон Армиды» Н. Н. Черепнина, «Сильфиды» на музыку Ф. Шопена, поставил новые балеты «Жар-птица» и «Петрушка» Н. Ф. Стравинского, «Шехерезада» Н. А. Римского-Корсакова и др. Высокий уровень исполнительской культуры, богатство русской музыки сделали «Русские сезоны» заметным явлением, имевшим большое значение в популяризации русского искусства за рубежом. Оформляли спектакли «Русских сезонов» художники А. Н. Бенуа, Л. С. Бакст, А. Я. Головин, В. А. Серов, Н. К. Рерих, Н. С. Гончарова, чье мастерство оказало влияние на развитие мирового театрально-декорационного искусства первой половины XX в. Сезоны продолжались до 1913 г. Роспись декоративная - орнаментальные и сюжетные композиции, создаваемые средствами живописи на различных частях архитектурных сооружений, а также на изделиях декоративно-прикладного искусства. Важной областью росписи декоративной является архитектурная роспись декоративная, подчиненная задачам украшения фасадов и интерьеров зданий. Архитектурная роспись декоративная выполняется непосредственно на стене, своде и т. д. или же на холсте, который затем укрепляется на поверхности стен (панно) и перекрытий (плафон). Для росписи декоративной применяются фреска, темпера, клеевая живопись, реже масляная живопись, с конца XIX века также силикатная живопись. В росписи декоративной классицизма второй половины XVIII - начала XIX вв. была широко распространена гризайль. Другой областью росписи декоративной является роспись изделий из керамики (майолика, фарфор, фаянс), дерева, металла (эмали), стекла, а также роспись тканей. В народном искусстве - часто самостоятельная отрасль творчества или местных промыслов (городецкая роспись, хохломская роспись, батик, лаки). Русский стиль, псевдорусский стиль - в русской архитектуре и декоративном искусстве XVIII-XX вв. один из исторических стилей: направление, стремившееся освоить и приблизить к современности наследие средневекового русского искусства и зодчества XI-XVII вв. Руст - тёсаный камень, лицевая сторона которого оставлена грубо околотой. Рустовка подражает природной фактуре камня, создает впечатление особой прочности и тяжести стены. Рустика (от лат. rusticus - простой, грубый) - рельефная кладка или облицовка стен камнями с грубо отёсанной или выпуклой лицевой поверхностью (так называемыми рустами). Оживляя плоскость стены богатой игрой светотени, рустика создает впечатление мощи, массивности здания. При отделке фасада штукатуркой рустика имитируется разбивкой стены на прямоугольники или полосы. С Салон - название периодических, первоначально официальных выставок современного искусства во Франции. Устраивались в Париже с XVII века. С 1699 года размещались в Лувре, сначала в Большой галерее, а в 1737-1848 гг. в так называемом Квадратном салоне, от которого и происходит название «салон»; затем устраивались в Большом дворце Елисейских полей. Жюри салона начиная с эпохи империи Наполеона I (1804-1815 гг.), как правило, поддерживало рутинное академическое искусство, часто рассчитанное на обывательские вкусы. В тех же случаях, когда на выставку попадали произведения прогрессивных мастеров, салоны превращались в арену борьбы передового и официально-академического направлений. Со второй половины XIX века получила распространение такая форма протеста против официальной художественной политики жюри, как устройство самостоятельных выставок, противопоставлявшихся салону (например, «Реализм» - выставка Г. Курбе, 1855 г., «Салон отверженных» - выставка будущих импрессионистов, 1863 г.). В 1881 году салоны перестали быть государственным мероприятием и перешли в ведение Общества французских художников, с тех пор ежегодно устраивающего «Весенний салон». Салонное искусство - нарицательное обозначение внешней красивости и банальности, бессодержательности или ложной многозначительности произведений изобразительного искусства, спекулятивной имитации подлинных художественных ценностей. Термин получил распространение со второй половины XIX века и первоначально относился к искусству, пользовавшемуся поддержкой у жюри парижского Салона, признанием в верхах общества, а также официальным одобрением со стороны властей. Вбирая различные оттенки смысла (внешнюю развлекательность, поверхностная манерная эффектность исполнения, принимаемая за художественность и изысканность, светская броскость и легковесность; артистический кружок буржуа-мецената, преимущественно дилетанта; художественное начинание, преследующее прежде всего коммерческие цели, и т. д.), которые со временем получали все более негативную окраску, термин «салонное искусство» стал означать соответствие художественной продукции невзыскательным вкусам, ее зависимость от модных поветрий и подражаний. Непременные признаки салонного искусства - эклектизм творческого метода и формальных средств, тяготение к «интригующим» эффектам, стилистическое непостоянство исполнителей при их профессиональной мастеровитости - выводят это явление за пределы какой-либо эпохи, какого-либо стиля. Родившись на почве академизма XIX века, получив питательную среду в натурализме и часто смыкаясь с ним, салонное искусство дает вульгарную и в тоже время претендующую на утонченность версию любого из последующих направлений изобразительного искусства. Светотень - градации светлого и темного, распределение различных по яркости цветов или оттенков одного цвета, позволяющее воспринимать изображаемый предмет объемным, окруженным световоздушной средой. Градации светотени (от наибольшей яркости до глубокой тени) зависят от характера освещения, специфики объемной формы предметов, его фактуры и состояния атмосферы. К возможностям светотени прибегали уже античные живописцы. Светонь и ее теория разрабатывались мастерами Возрождения (Леонардо да Винчи), и с этого времени светотень широко использовалась художниками как одно из средств, определяющих выразительность художественного произведения. «Свободный стиль» - краснофигурный стиль росписи древнегреческой керамики периода классики середины V в. до н. э., отличавшийся свободой передачи движений и ракурсов изображаемых фигур. Наиболее известный мастер «свободного стиля» - Полигнот. Севильская школа - одна из основных художественных школ Испании XV-XVII вв. Стремление к чувственно-достоверной передаче реальной действительности, сказавшееся уже в живописи севильской школы XV- начала XVI вв. (А. Фернандес и др.), ярко проявилось в конце XVI - 1-й половине XVII вв. (Ф. Эррера Старший, Х. де Роэлас, Ф. Пачеко). Характерные черты севильской школы - глубокий демократизм образов, конкретность художественного языка - способствовали расцвету испанского реалистического искусства XVII века. С Севильей было связано творчество Д. Веласкеса (до 1623 года), Ф. Сурбарана, Б. Э. Мурильо. Сепия (от греч. sepia - каракатица) - светло-коричневое красящее вещество. Натуральная сепия изготовлялась из так называемого чернильного мешка морского моллюска - сепии. С XX века приготовляется искусственным путем. Сепией называется также вид графической техники, распространенной в Европе с середины XVIII века (Ж. О. Фрагонар во Франции и др.). Сецессион (от лат. secessio - отход, отделение) - название ряда европейских (главным образом австрийских и немецких) художественных обществ конца XIX - начала XX вв., представлявших новые течения в искусстве и возникших как оппозиция академизму. «Мюнхенский сецессион» объединял преимущественно представителей немецкой разновидности стиля «модерн». Одним из главных его мастеров с 1893 года был архитектор, график и дизайнер П. Беренес. «Берлинский сецессион» включал в основном представителей немецкого импрессионизма. В 1906 общество распалось на «Новый Берлинский сецессион» и «Свободный сецессион». «Венский сецессион» объединял представителей австрийского стиля «модерн», получившего название «сецессионстиль» (живописцы Г.Климт, Э. Шиле, архитекторы О. Вагнер, Й. М. Ольбрих, Й. Хофман). Отличительной особенностью «сецессионстиля» в целом было тяготение к изысканной декоративности, прихотливой и вместе с тем рационально-упорядоченной прямолинейной орнаментике (в архитектуре - в сочетании с простыми геометрическими формами построек). Творчеству архитекторов «Венского сецессиона» были свойственны поиски рациональных конструктивных решений. Деятельность «Венского сецессиона» способствовала утверждению как позитивных сторон искусства «модерн» (в архитектуре, книжной графике), так и некоторых свойственных ему упадочнических тенденций. Сиенская школа – одна из главных школ живописи Италии. Сложилась в XIII веке (Гвидо да Сиена и др.). Исходила из традиций итало-византийской иконописи и готической книжной миниатюры. В период расцвета (XIII - первая половина XIV вв.) её мастера (Дуччо ди Буонинсенья, Симоне Мартини, Липпо Мемми), отчасти воспринявшие воздействие Джотто, создавали произведения, отличающиеся одухотворенным лиризмом образов, эмоциональной насыщенностью мягкого локального колорита, утонченностью линейного ритма. Наиболее последовательно искания Джотто были осмыслены братьями Пьеро и Амброджо Лоренцетти. Их произведения при готической условности композиции отмечены непосредственностью наблюдений, смелым введением реального ландшафта, бытовых сцен и деталей, портретных образов, попытками пластической лепки объемов. В XV веке важнейшими чертами сиенской школы, основывавшейся главным образом на традициях треченто, оставались утонченный декоративизм, лирическая созерцательность образного строя, вносящая в произведения многих сиенских мастеров (Сассетта, Джованни ди Паоло) атмосферу сказочности. Силуэт - одноцветное контурное изображение на фоне другого цвета. Названо по фамилии Этьена де Силуэт, министра при французском короле Людовике ХV (XVII век), на которого художник нарисовал карикатуру, она была сделана необычно - как тень. В силуэте фигуры людей и предметов рисуются сплошным чёрным пятном. В таком рисунке невозможно показать черты лица человека или какие-нибудь детали предметов, поэтому очертания предметов должны быть очень выразительными. Силуэты можно не только рисовать, но и вырезывать ножницами из бумаги. Выразительный силуэт может иметь также и предмет или его часть (или их изображение, например, в живописи), выделяющийся на контрастирующем фоне. Символизм (от греч. symbolon - знак, символ) - направление в европейской художественной культуре конца XIX - начала XX вв. Возникший как реакция на господство в гуманитарной сфере норм буржуазного «здравомыслия» (в философии, эстетике - позитивизма, в искусстве - натурализма), символизм прежде всего оформился во французской литературе конца 1860-1870-е гг., позднее получил распространение в Бельгии, Германии, Австрии, Норвегии, России. Эстетические принципы символизма во многом восходили к идеям романтизма, а также к некоторым доктринам идеалистической философии А. Шопенгауэра, Э. Гартмана, отчасти Ф. Ницше, к творчеству и теоритизированию немецкого композитора Р. Вагнера. Живой реальности символизм противополагал мир видений и грёз. Универсальным инструментом постижения тайн бытия и индивидуального сознания считался символ, порожденный поэтическим прозрением и выражающий потусторонний, скрытый от обыденного сознания смысл явлений. Художник-творец рассматривался как посредник между реальным и сверхчувствительным, везде находящий «знаки» мировой гармонии, пророчески угадывающий признаки будущего как в современных явлениях, так и в событиях прошлого. «Синий всадник» (нем. Blauer Reiter) - объединение близких к экспрессионизму художников, существовавшее в 1911-1914 гг. в Мюнхене. Основано В. В. Кандинским и Ф. Марком; в деятельности «Синего всадника» участвовали немцы А. Макке, Г. Мюнтер и др., русские А. Г. Явленский, М. В. Верёвкина, братья Д. Д. и В. Д. Бурлюки, швейцарец П. Клее, француз Р. Делоне и другие художники. Некоторые из мастеров «Синего всадника» вскоре обратились к абстрактному искусству (Кандинский), другие продолжали сохранять изобразительную основу своих произведений. В 1920-е гг. отдельные представители «Синего всадника» сыграли значительную роль в деятельности «Баухауза» (Кандинский, П. Клее и другие). Синтез искусств - органичное соединение разных искусств или видов искусств в художественное целое, которое эстетически организует материальную и духовную среду бытия человека. Понятие "синтез искусств" подразумевает создание качественно нового художественного явления, не сводимого к простой сумме составляющих его компонентов. Их идейно-мировоззренческое, образное и композиционное единство, общее участие в художественной организации пространства и времени, согласованность масштабов, пропорций, ритма порождают в искусстве качества, способные активизировать его восприятие, сообщать многоплановость, многогранность развитию художественной идеи, оказывать на человека многостороннее эмоциональное воздействие. В истории искусства известны разнообразные формы синтеза. Архитектура и монументальное искусство постоянно тяготеют к объединению, к архитектурно-художественному синтезу, в котором живопись и скульптура, выполняя и собственные задачи, расширяют и истолковывают архитектурный образ. В этом пространственно-пластическом синтезе обычно участвуют декоративно-прикладное искусство, а также и станковые художественные произведения (картины, статуи и т. п.). Складень - складная икона из двух (диптих), трёх (триптих) или нескольких (полиптих) частей. Скульптура (от лат. sculpo - высекаю, вырезаю) - ваяние, пластика, вид изобразительного искусства, основанный на принципе объемного, физически 3-мерного изображения. Как правило, объект изображения в скульптуре - человек, реже - животное (анималистический жанр), еще реже - природа (пейзаж) и вещи (натюрморт). Постановка фигуры в пространстве, передача ее движения, позы, жеста, светотеневая моделировка, усиливающая рельефность формы, фактура лепки или обработка материала, архитектонической организации объема, зрительный эффект его массы, весовых отношений, выбор пропорций, специфические в каждом случае характер силуэта являются главными выразительными средствами скульптуры. Объёмная скульптурная форма строится в реальном пространстве по законам гармонии, ритма, равновесия, взаимодействия с окружающей архитектурной или природной средой на основе анатомических (скульптурных особенностей той или иной модели. Различают две основные разновидности скульптуры: круглую (статуя, скульптурная группа, статуэтка, торс, бюст и т. д.), которая свободно размещается в пространстве и обычно требует кругового обзора, и рельеф, где изображение располагается на плоскости, образующей его фон. По содержанию и функциям скульптура делится на монументальную, монументально-декоративную, станковую и так называемую скульптуру малых форм. Слепок - точная копия произведения скульптуры, прикладного и других видов искусства, имеющего объемный характер. Слепок получают путем снятия с оригинала формы, твердой (гипс) или мягкой (восковой, пластилиновой и т. д.), и заливки в неё гипса, синтетической массы и т. п. Используется в музейных экспозициях, в качестве учебного пособия, в реставрации. Собор - главный храм города или монастыря, где совершает богослужение высшее духовное лицо (патриарх, архиепископ и др.). Архитектура собора обычно отличается монументальностью форм, отражает основные тенденции господствующего архитектурного стиля (например, собор Парижской богоматери, соборы святого Петра в Риме, святого Павла в Лондоне, Софийский собор в Киеве, Софийский собор в Новгороде). В городе бывает несколько соборов. Соц-арт - направление в отечественном неофициальном искусстве 1970-х - начала 1990-х гг. Художники соц-арта использовали для своих работ стилистику, язык и завоевания соцреализма. Однако, как правило, в произведениях художников-соцартистов присутствуют юмор, ирония и саркастичное отношение к идеологическим пропагандистским клише, в изобилии растворенным в массовом сознании советских людей. Соединяя в своих работах псевдосерьезность и стилистику, взятые от соцреализма, с юмористическим или абсурдным сюжетом, соц-артисты добивались не только зрительской улыбки, но и разрушения социалистической мифологии. К художникам этого жанра традиционно относятся: В. Комар и А. Меламид, А. Косолапов, Г. Брускин и др. Социалистический реализм - творческий метод литературы и искусства, представляющий собой эстетическое выражение социалистически осознанной концепции мира и человека, обусловленной эпохой борьбы за установление и созидание социалистического общества... - так писали в о социалистическом реализме в недавнем прошлом. Это был творческий метод, основное художественное направление в СССР. Концепцией этого направления было провозглашено правдивое отображение действительности в ее революционном развитии. Считалось, что развивая гуманистические и реалистические традиции предшествующего искусства на основе социалистического содержания, социалистический реализм представляет собой новый тип художественного сознания. В подтверждение приводились установки теоретиков марксизма-ленинизма. Это означало, что в задачу художника входило изображение советского образа жизни, трудового энтузиазма, революционной борьбы за «светлое будущее». Метод соцреализма был строго предписан художникам во всех сферах искусства, что создало жесткие рамки, вызвало опалу многих художников. Тем не менее, многими художниками в СССР были созданы яркие и своеобразные произведения общечеловеческого значения. Советский период в истории стран бывшего СССР, советский период искусства, искусство социалистического реализма, еще подлежат детальному исследованию, оценке временем. «Союз русских художников» - основан в 1903 бывшими передвижниками и членами «Мира искусства», организовавшими 2 совместные выставки «36 художников» (1901-1902 гг.). Первоначально включал московских (А. Е. Архипов, А. М. Васнецов, С. В. Иванов, К. А. Коровин, С. В. Малютин, А. А. Рылов, К. Ф. Юон и др.) и петербургских (А. Н. Бенуа, М. В. Добужинский, К. А. Сомов и др.) живописцев. Программа Союза русских художников, окончательно определившаяся после выхода из него петербургских художников, характеризуется демократической направленностью, интересом к русской природе и самобытности народной жизни, декоративностью живописной манеры, иногда тяготением к импрессионизму. Союз русских художников организовал 18 выставок в Москве, Петербурге, Киеве, Казани. Некоторые бывшие члены Союза русских художников позже вошли в АХРР. Существовал до 1923 года. Среднеазиатская школа миниатюры - одна из средневековых школ миниатюрной живописи. На рубеже XIV-XV вв. в Самарканде работали миниатюристы во главе с багдадским художником Абд аль-Хай. Произведениям XV века (иллюстрации к «Хамсе» Низами 1446-1447 гг., астрономическому трактату около 1437 года, «Шахнаме» Фирдоуси) присущи тонкость рисунка, яркость колорита, стилистическая близость гератской школе, но в отличие от нее - лапидарность и выделение тюркских аксессуаров. В первой половине XVI века в Бухаре, Самарканде, Шахрухии одни художники разрабатывали местный стиль (Махмуд Музахиб), другие - традиции Бехзада; во второй половине XVI века создавались произведения экспрессивного (Мухаммед Мурад Самарканди), парадно-гедонистического (Абдулла) и жанрового характера. Разнообразие творческих манер присуще миниатюре XVII века (Мухаммед Муким, Мухаммед Шариф, Мухаммед Дервиш ас-Самарканди и др.), в которой иногда ощутимо влияние могольской школы. К XVIII веку традиции среднеазиатской школы почти угасают; работают лишь отдельные художники (Ахмед Келля и др.). Средокрестие - пересечение центрального нефа крестово-купольного храма с трансептом. Сталактиты, мукарны - в архитектуре Ближнего и Среднего Востока декоративные выступы призматической формы, расположенные нависающими друг над другом рядами на сводах ниш, тромпах, полукуполах и так далее. Напоминают сталактиты в пещерах. Станковое искусство - термин, которым обозначаются произведения живописи, скульптуры и графики, имеющие самостоятельный характер и значение (в отличие, например, от произведений монументального искусства, прикладной и книжной графики и других, специально предназначенных для каких-либо сооружений, изданий или изделий и образующих с ними нерасторжимое единство). Идейно-художественное значение произведений станкового искусства не изменяется в зависимости от места, где они находятся, хотя их художественное звучание и зависит от условий экспонирования. Термин «станковое искусство» произошел от «станка», на котором создаются многие произведения искусства (в живописи, например, им является мольберт). Станковое искусство получило широкое развитие начиная с эпохи Возрождения, с распадом универсальных комплексов средневековой художественной культуры и формированием многих видов светского искусства, рассчитанных на более интимное и непосредственное восприятие. Станковые формы искусства получили особенно широкое распространение в конце XVIII-XX вв., когда в эпоху бурных социальных движений они приобрели большое общественное звучание. Статуя (от лат. statua) - один из основных видов скульптуры, свободно стоящее объёмное изображение человеческой фигуры или животного (реже какого-либо фантастического существа). Обычно помещается на постаменте. Так называемая конная статуя изображает всадника. Небольшие скульптуры, служащие для украшения интерьеров, называются статуэтками. жүктеу/скачать 0.76 Mb. Достарыңызбен бөлісу:
|