Музыка россии XIX века

голоса и фортепиано на стихи А.С. Пушкина, А.К. Толстого, других русских поэтов.

Большое внимание Римский-Корсаков уделял совершенствованию композиторского мастерства. Он серьёзно изучал теорию музыки, гармонии и искусства инструментовки; в 70-х гг. занимался по программе, специально составленной для него П. И. Чайковским (в то время профессором Московской консерватории). В результате упорной работы Римский-Корсаков стал одним из самых профессионально подготовленных русских музыкантов.

В 1871 г. Н.А. Римского-Корсакова пригласили преподавать в Петербургскую консерваторию. В числе его учеников — многие выдающиеся русские композиторы. Как дирижёр Римский-Корсаков с 1874 г. руководил симфоническими оркестрами, а позднее — оперными спектаклями.

ПЕТР ИЛЬИЧ ЧАЙКОВСКИЙ

(1840—1893)

Творчество Петра Ильича Чайковского — яркая страница в истории не только отечественного, но и зарубежного музыкального искусства. На образном и идейном уровне его сочинения развивают традиции европейского романтизма. Стремление же композитора к отточенным и гармоничным формам свидетельствует о глубинной близости его музыки к наследию венских классиков. П.И. Чайковский родился в городе Воткинск (ныне Пермская область) в семье горного инженера. В 1859 г. он получил диплом Училища правоведения в Петербурге и затем некоторое время служил в Министерстве юстиции. Одновременно с работой в министерстве Чайковский начал серьёзно заниматься музыкой, а в 1865 г. окончил Петербургскую консерваторию по классу композиции у А.Г. Рубинштейна. В 1866—1878 гг. он был профессором Московской консерватории и воспитал немало прекрасных музыкантов, в частности С.И. Танеева. П.И. Чайковский обращался почти ко всем музыкальным жанрам и формам. В области симфонической музыки он разрабатывал программную симфоническую поэму (композитор называл её «фантазия» или «увертюра-фантазия») и «классическую» четырёхчастную симфонию. В качестве программ Чайковский использо-

вал литературные сюжеты. Он обращался к наиболее популярным у европейских романтиков авторам: Шекспиру (увертюры-фантазии «Ромео и Джульетта», 1869 г., и «Гамлет», 1888 г.; фантазия «Буря», 1873 г.), Данте (фантазия «Франческа да Римини», 1876 г.), Байрону (программная симфония «Манфред», 1885 г.). В музыке увертюр-фантазий точно угадывается сюжет литературного источника, но эти сочинения нельзя назвать иллюстрациями к тексту. В каждом представлен лаконичный и эмоционально насыщенный музыкальный образ известного произведения, но создан он с позиций человека второй половины XIX в. В таких музыкальных «портретах» видны и личное отношение автора к тексту, и национальная природа его дарования (многие темы построены на характерной только для русской музыки системе интонаций).

В творческом наследии композитора — шесть симфоний (не считая программной симфонии «Манфред»). В первых трёх (1866, 1872, 1875 гг.) чувствуется влияние «Могучей кучки» (стремление к эпической масштабности, цитирование народных песен). Четвёртая (1877 г.),

Пётр Ильич Чайковский.



Дом П.И. Чайковского в Клину.

Пятая (1888 г.) и Шестая (1893 г.) симфонии представляют собой динамичное трагическое повествование, в котором безукоризненная чёткость форм сочетается с эмоциональной глубиной. Во второй (лирической) части этих произведений в полной мере проявилась уникальная способность Чайковского писать в мажорных тональностях темы, исполненные трагизма (до него такая особенность была свойственна лишь музыке Моцарта). Самое драматичное место Четвёртой симфонии — финал, где образ искусственного, «надрывного» веселья автор мастерски создаёт через обработку народной песни «Во поле берёзонька стояла». В Пятой симфонии трагической кульминацией становится кода финала — торжественный мажорный марш, а в Шестой, посвящённой размышлениям о смерти (в первой части цитируется церковное погребальное песнопение «Со святыми упокой»), образ торжествующего зла олицетворяет энергичное, стремительное скерцо (третья часть).

Чайковский стал первооткрывателем жанра инструментального концерта в русской музыке. Самые известные сочинения — Первый фортепианный концерт (1875 г.), концерт для скрипки (1878 г.) и Вариации на тему рококо (1876 г.) — масштабная пьеса для виолончели

133



Автограф партитуры Первого концерта.

с оркестром, которая воспринимается исполнителями как концерт. Музыка этих произведений полна света, радостной энергии и внутреннего благородства. Солирующий инструмент и оркестр выступают как два равноправных начала, дополняющие друг друга (это сближает стиль концертов с симфониями); обязательная для жанра виртуозность сольной партии — не самоцель, а выразительная краска в создании образа.

Одно из центральных мест в творчестве композитора принадлежит опере. Поиск собственного пути в оперной музыке был для Чайковского сложен и мучителен. Так, партитуру второй оперы «Ундина» (1869 г.) он уничтожил, а комическое произведение «Кузнец Вакула» (1874 г.) долго и тщательно переделывал и во второй редакции даже дал ему другое название — «Черевички» (1885 г.). Всего Чайковский создал десять опер, две из которых — «Евгений Онегин» (1878 г.) и «Пиковая дама» (1890 г.) считаются лучшими образцами лирико-психологической музыкальной драмы в русской музыке.

Опера «Евгений Онегин» написана по одноимённому роману в стихах А. С. Пушкина. Чайковский не ставил задачу охватить все проблемы романа. Подзаголовок оперы — «лирические сцены» — говорит о стремлении показать, прежде всего, мир чувств персонажей. Центральное место в опере занимают герои, жизнь которых основана на любви, — Татьяна Ларина и Владимир Ленский. В характеристике Ленского нет и тени иронии, столь часто проскальзывающей у Пушкина. Основа его партии — ариозо «Я люблю Вас, Ольга» (первая картина первого действия) и большая ария «Куда, куда вы удалились» (вторая картина второго действия). Музыка, построенная на протяжённых лирических темах, полна такой эмоциональной силы, что порой абсолютно меняет восприятие текста. Например, слабые и высокопарные стихи «Куда, куда вы удалились», которые в романе Ленский посвящает Ольге (Пушкин комментирует их довольно ядовито: «Так он писал темно и вяло»), в опере звучат очень искренне, проникновенно.

В партии Татьяны психологически выразительна каждая фраза. Даже в сцене бала у Лариных, где героиня находится на втором плане, её короткие реплики полны тонких музыкальных нюансов. Кульминация в развитии образа — сцена письма к Онегину (вторая картина первого



Евгений Онегин. Татьяна Ларина. Эскизы костюмов к опере «Евгений Онегин». Постановка Театра музыкальной драмы, Санкт-Петербург. 1912 г.

*Ариозо (от ит. arioso — «наподобие арии», «напевно») — небольшая ария, нередко лирического характера.

действия). Это большой монолог, основанный на сочетании декламации с напевными темами. Музыка передаёт душевное смятение Татьяны: решимость внезапно сменяется сомнениями, любовь — тоской, но форма монолога сохраняет логическую ясность и чёткость. Образ Онегина менее интересен. Неспособность к серьёзному чувству перечёркивает в глазах композитора его достоинства. Партия героя приятна для слуха, выигрышна для певца, но написана так, словно автор нарочито стремился заключить её в узкие рамки амплуа героя-любовника. Даже в финале оперы (когда Онегин полюбил Татьяну) он не имеет самостоятельных тем: ариозо из третьего действия и реплики в заключительном дуэте — повторение основных эпизодов сцены письма.

Опера «Пиковая дама» также создана по одноимённой повести А. С. Пушкина. Литературный сюжет композитор серьёзно изменил. Главный женский персонаж — Лиза из бедной воспитанницы-приживалки превратилась во внучку и наследницу старой графини. Героя оперы, Германна, Чайковский заставил полюбить Лизу: узнать тайну трёх карт и разбогатеть ему нужно для того, чтобы получить возможность сделать девушке предложение. Однако постепенно жажда богатства превращается у Германна в навязчивую идею, которая лишает его рассудка. Действие оперы перенесено в XVIII столетие, в эпоху Екатерины II, но герои мыслят и чувствуют, как люди конца XIX в.

Музыка точно воссоздаёт атмосферу екатерининского времени. В сцене бала (второе действие) дан изысканный вставной номер — пастораль «Искренность пастушки»; графиня, засыпая, напевает арию из оперы французского композитора Андре Эрнеста Модеста Гретри (1741—1813) «Ричард Львиное Сердце»; дуэт Лизы и её подруги Полины (первое действие) тонко имитирует бытовой романс конца XVIII в. Но главная задача музыки — раскрыть внутренний мир главных героев.

Предчувствием трагедии наполнены самые светлые по сюжету лирические сцены. Даже лёгкая по настроению французская ария графини, исполняемая низким женским голосом, звучит зловеще. Основной трагический «нерв» оперы — партия Германна. Композитор смог психологически точно передать состояние ума и души героя — как мечта о деньгах незаметно для него самого губит чувство к Лизе. Показывая Германна уже почти потерявшим рассудок, Чайковский использует образы, известные по его поздним симфониям: финальная ария «Что



Графиня (слева). Лиза. Эскизы костюмов к опере «Пиковая дама». Постановка Большого театра, Москва. 1931 г.



Игорный зал. Эскиз декораций к опере «Пиковая дама». Постановка Белорусского театра оперы и балета, Минск. 1949 г.

135



М.М. Плисецкая в роли Одетты в балете «Лебединое озеро». Большой театр, Москва.

наша жизнь? Игра!» (третье действие) построена на интонациях торжественного марша, звучащего в мажорной тональности.

П.И. Чайковский изменил отношение к музыкальному содержанию балета. Уровень балетной музыки в XIX в. был невысоким. От композитора требовалось лишь сочинить красивые мелодии — всё внимание публики было сосредоточено на виртуозности танцовщиков. Несмотря на сказочные сюжеты и традиционно благополучные развязки балетов Чайковского — «Лебединого озера» (1876 г.), «Спящей красавицы» (1889 г.) и «Щелкунчика» (1892 г.), в музыке немало подлинного трагизма. В драматургии спектаклей она играет столь же важную роль, как и хореография. В развитии музыкальных тем композитор нередко использует приёмы, которые применял в симфониях.

Значительное место в творчестве Чайковского занимают романсы (написано более ста). Романсы композитора — маленькие драматические пьесы, и, даже если в тексте нет повествовательного сюжета, слушатель может наблюдать, как от начала к

СЕРГЕЙ ИВАНОВИЧ ТАНЕЕВ

(1856—1915)

Творческий облик Сергея Ивановича Танеева — композитора, пианиста, педагога и учёного-музыковеда — привлекает интеллектуальной мощью, благородством и горячей любовью к музыке. В 1875 г. Танеев окончил Московскую консерваторию (по классу фортепиано у Н.Г. Рубинштейна, по классу композиции у П.И. Чайковского), и вся его дальнейшая жизнь и деятельность была связана с этим учебным заведением. Сначала он стал профессором, а затем и директором консерватории.

Педагогику и активную исполнительскую деятельность Танееву удавалось совмещать с научными исследованиями. Он занимался полифонической музыкой Возрождения и барокко, творчеством Бетховена, народным искусством. Свой главный труд — книгу «Подвижной контрапункт строгого письма» (1906 г.) — Танеев писал семнадцать лет. В этой работе впервые в России серьёзно анализируются традиции полифонии строгого стиля.

В композиторском творчестве Танеев стремился обдумать каждый шаг, рационально «сконструировать» произведение. Он мечтал укоренить в сознании русских композиторов приёмы полифонии — только такие формы, считал Танеев, могут придать музыке глубину. Ярче всего эта идея проявилась в двух кантатах: «Иоанн Дамаскин» (1884 г.) на текст поэмы Алексея Константиновича Толстого и «По прочтении псалма» (1915 г.) на стихи философа Алексея Степановича Хомякова. Музыка кантат пронизана светом; чувствуется высокий профессионализм автора в использовании полифонии. Кроме названных сочинений С. И. Танеев создал четыре симфонии (1874—1898 гг.), оперную трилогию «Орестея» (1895 г.) по трагедии Эсхила, хоровые, инструментальные и камерно-вокальные произведения.



Сергей Иванович Танеев.

136

концу произведения меняется душевное состояние героя. Один романс Чайковского по глубине и масштабности содержания может быть равен целому вокальному циклу европейских романтиков. И сейчас романсы «День ли царит», «Благословляю вас, леса», «Я ли в поле да не травушка была» и многие другие входят в репертуар известных оперных певцов.

Чайковский — первый русский композитор, получивший широкое признание за рубежом. Его гастроли (он выступал и как дирижёр) проходили в странах Европы, а в 1891 г. — в США. В Гамбурге под управлением выдающегося дирижёра Густава Малера была поставлена опера «Евгений Онегин». Незадолго до смерти П. И. Чайковский был избран членом-корреспондентом французской Академии изящных искусств (1892 г.) и почётным доктором Кембриджского университета в Великобритании (1893 г.).



Сцена из балета «Лебединое озеро». Большой театр, Москва.

ЗАРУБЕЖНАЯ МУЗЫКА КОНЦА XIX — НАЧАЛА XX ВЕКА

На рубеже XIX—XX столетий в европейской культуре сосуществовали разные художественные направления. Одни развивали традиции XIX в., другие возникли в результате творческих поисков современных мастеров. Самым значительным явлением музыкального искусства стал поздний романтизм. Его представителей отличал повышенный интерес к симфонической музыке и грандиозным масштабам сочинений. Для своих произведений композиторы создавали сложные философские программы.

В последней трети XIX столетия появилось новое направление — импрессионизм (фр. impressionisme, от impression — «впечатление»), первоначально во французской живописи. Музыканты-импрессионисты стремились передать тонкие и сложные ощущения, добивались изысканности и утончённости звучания. Именно поэтому им был близок литературный символизм (70-е гг. XIX в. — 10-е гг. XX в.), зародившийся также во Франции. Символисты исследовали сферы неизведанные и таинственные, пытались познать «идеальный мир», скрытый под покровом действительности. Композиторы-импрессионисты нередко обращались к поэзии и драматургии символизма.

Усложнение языка и форм музыки, проявившееся сначала в позднем романтизме, а затем и в других течениях, вызвало к жизни неоклассицизм (первая часть слова — «нео» в переводе с греческого означает «новый»). Он появился в европейской музыке в первой четверти XX столетия. Композиторы

137

стремились вернуться к ясности гармоний, простоте мелодий и форм, красоте и доступности музыкального языка. Они обращались к полифонии, возрождали клавесинную музыку XVIII в. Возник интерес к старинным концертным жанрам — сюите, кончерто гроссо и др.

РИХАРД ШТРАУС (1864—1949)

«Последний из великого рода полнокровных немецких музыкантов» — так охарактеризовал Рихарда Штрауса австрийский писатель Стефан Цвейг. Родился композитор в Мюнхене в семье музыканта (его отец, известный виртуоз, играл на валторне). Уже в шесть лет он пробовал сочинять — писал танцы и песни. Образцом для подражания в то время для Штрауса было творчество Моцарта и Бетховена. Позже, уже в гимназии, он увлёкся романтической музыкой.

Произведения Шопена, Шумана, Мендельсона оказали серьёзное влияние на стиль композитора.

Навыки дирижирования Штраус получил в любительском оркестре. В конце 80-х гг. он познакомился с музыкой Рихарда Вагнера (дирижировал его операми в Веймаре). Под влиянием немецкого композитора Штраус обратился к опере. Первое сочинение подобного рода — «Гунтрам» (1893 г.). Это романтическое произведение; его музыкальный язык несложен, мелодии красивы и напевны.

С 1900 г. опера стала ведущим жанром в творчестве Рихарда Штра-

СИМФОНИЧЕСКИЕ ПОЭМЫ РИХАРДА ШТРАУСА

Жанр программной симфонической поэмы, созданный Ференцем Листом, получил блестящее развитие в творчестве Рихарда Штрауса. В своих произведениях композитор обращался к образам известных литературных персонажей: Макбету (из трагедии Уильяма Шекспира «Макбет»), Дон Жуану (из поэмы «Дон Жуан» австрийского поэта Николаса Ленау), Тилю Уленшпигелю (герою книги-эпопеи «Легенда об Уленшпигеле...» бельгийского писателя Шарля Де Костера) и др. Каждая поэма — это одновременно и портрет героя, и красочное повествование о событиях его жизни. Музыку отличает монументальность и виртуозное звучание симфонического оркестра. Штраус нередко вводил дополнительные инструменты в группы духовых и ударных. Оркестровые партии обычно сложны и по трудности исполнения не уступают сольным; особое внимание автор уделял струнным инструментам.

Яркий пример оркестрового стиля Штрауса — поэма «Дон Жуан» (1889 г.). Произведение написано в сонатной форме. Главная партия создаёт образ энергичного, сильного человека; побочная рисует обольстителя, покорителя женских сердец. Темы развиваются стремительно; лирические эпизоды отступают на второй план перед вихрем пассажей группы струнных инструментов.

Не меньшее значение Штраус придавал инструментам-солистам. Некоторые поэмы по жанру близки к инструментальному концерту. К произведениям такого рода относится, прежде всего, поэма «Дон Кихот» (имеет подзаголовок «Фантастические вариации на рыцарскую тему», 1897 г.) по роману испанского писателя Мигеля де Сервантеса Сааведры. Сочинение построено на диалоге двух солирующих инструментов — виолончели (Дон Кихот) и альта (Санчо Панса). Благодаря разнообразию тембрового звучания виолончели перед слушателем возникает психологически тонкий портрет главного героя, в котором благородство и мужество соседствуют с наивностью, делающей его порой смешным. В финале же, рассказывающем о смерти Дон Кихота, голос инструмента обретает настоящий трагизм. Партия альта — комическое начало поэмы: в ней есть и добродушие, и едкая насмешка. Великолепие сольных партий не затмевает, однако, звучания всего оркестра: музыка изобилует изобразительными эффектами (особенно в эпизоде битвы Дон Кихота с ветряными мельницами).

Поэму «Жизнь героя» (1898 г.) можно назвать одночастной симфонией. На сей раз программой произведения стала собственная жизнь композитора, Штраус размышляет над своим творчеством и взаимоотношениями с публикой. Поэма разделена на несколько частей, которые исполняются без перерыва; у каждой есть название: «Герой», «Противники героя», «Подруга героя» и т. п. Рассказывая о себе, автор использует героические интонации, зато для своих противников не жалеет сатирических красок; в предпоследней части «Труды героя» много цитат из ранних сочинений композитора. Красочность и мощь звучания оркестра (в нём расширен состав духовых) сочетаются с захватывающей виртуозностью сольных партий, особенно скрипки.

уса. «Саломея» (1905 г.; по пьесе английского писателя Оскара Уайльда) и «Электра» (1908 г.; по трагедии австрийского писателя Хуго Гофмансталя) предвосхищают музыкальный экспрессионизм (см. статью «Новая венская школа»). Обострённая выразительность и напряжённость музыки, болезненно нервные образы героинь, сложные вокальные партии и трагическое содержание — таковы основные черты этих сочинений Штрауса.

Опера «Кавалер розы» (1910 г.) обозначила перелом в творчестве композитора. С неё начался возврат к «классическим» традициям. Французский писатель Ромен Роллан оценил это произведение как торжество музыки, неведомое людям со времён божественного Моцарта. Штраус использовал в сочинении мелодии венского вальса.


Ирод. Эскиз костюма к опере «Саломея». Постановка Оперного театра Зимина, Москва. 1913 г.

В том же стиле композитор писал оперы до конца своей жизни. Такие произведения Штрауса, как «Ариадна на Наксосе» (1912 г.), «Молчаливая женщина» (1935 г.), «Дафна» (1937 г.), отличает простота и ясность музыкального языка, в них автор использовал бытовые танцевальные жанры.

Творческая деятельность Рихарда Штрауса продолжалась более семидесяти лет. Начинал композитор как поздний романтик, затем пришёл к экспрессионизму и, наконец, обратился к неоклассицизму.



Саломея. Эскиз костюма к опере «Саломея». Постановка Оперного театра Зимина, Москва. 1913 г.

ГУСТАВ МАЛЕР

(1860—1911)

Австрийский композитор и дирижёр Густав Малер — один из последних представителей романтизма в музыке. Его отличает обострённый интерес к внутреннему миру героев, стремление понять и передать противоречия между личностью и обществом, показать трагедию мыслящего человека. Исследователи считают, что в произведениях Малера позднеромантические черты сочетаются с чертами экспрессионизма. Творчество композитора представлено, прежде всего, симфониями и песнями.

Густав Малер родился в деревне Калиште в Чехии, которая была в то время провинцией Австрии. Он окончил гимназию, а музыке учился у частных педагогов. В пятнадцать лет Малер поступил в Венскую консерваторию, по окончании которой в течение 1880—1888 гг. работал дирижёром в оперных театрах Австрии и Германии. В 1888—1891 гг. он занимал пост директора Королевской оперы в Будапеште, а в 1891 — 1897 гг. был первым дирижёром одного из лучших оперных театров Германии — Гамбургской оперы. Именно в этот период Малер завоевал европейскую славу выдающегося дирижёра.

139



Густав Малер.

В 80-х гг. началась его композиторская деятельность. Первый цикл из шести песен «Песни странствующего подмастерья» (1883—1885 гг.; слова автора) для голоса и симфонического оркестра — типичное романтическое произведение, в котором Малер продолжил традиции вокальных циклов Франца Шуберта. Автор развивает популярный у романтиков сюжет: гонимый судьбой молодой человек страдает от безответной любви и ищет утешения на лоне природы.

В Первой симфонии (1888 г.) сложился стиль «песенного симфонизма», когда музыкальный материал рождается из песен. Это сочинение тесно связано с «Песнями странствующего подмастерья» — автор использует мотивы цикла; как и «странствующий подмастерье», герой симфонии после разочарований и душевных тревог обретает веру в будущее в общении с природой.

За Первой симфонией последовали Вторая (1894 г.), Третья (1896 г.) и Четвёртая (1900 г.), составившие цикл, в котором Первая симфония является прологом. Произведения объединяет песенное начало. Во Второй, Третьей и Четвёртой симфониях песня прямо вводится в музыку в виде вокальных сольных и хоровых номеров. Словесные тексты Малер взял из популярного в Германии сборника старинных немецких народных песен «Волшебный рог мальчика». Тематически симфонии различаются. Например, Третью можно

МАКС РЕГЕР

(1873—1916)

В творчестве немецкого композитора и дирижёра Макса Регера соединились черты позднего романтизма и неоклассицизма. Регер писал для органа, оркестра, фортепиано, скрипки, альта, камерных ансамблей. Он стремился осмыслить наследие XVIII в., особенно опыт Иоганна Себастьяна Баха, и в своих произведениях обращался к музыкальным образам ушедшей эпохи. Однако, будучи человеком рубежа XIX—XX столетий, Регер насыщал музыку оригинальными гармониями и необычными тембрами.

Одно из самых интересных сочинений композитора для органа — Фантазия и фуга на тему BACH. Основу его составляет короткая тема из четырёх звуков, латинские обозначения которых дают фамилию Бах. Название выбрано не случайно. В этом произведении Регер следует традициям органной музыки великого немецкого мастера: импровизация, свойственная фантазии, сочетается с одухотворённой строгостью фуги. Пример подобного сочинения для оркестра — Вариации и фуга на тему Моцарта (1914 г.). Композитор воссоздаёт моцартовские образы, но, так же как в Фантазии и фуге на тему BACH, использует современный музыкальный язык.

Творчество Макса Регера вызывало противоречивое отношение современников. Обращение к художественным традициям прошлого многим было непонятно и воспринималось как проявление несамостоятельности мышления. Однако мастера первой половины XX в., тяготевшие к неоклассицизму, серьёзно изучали опыт этого композитора.



Макс Регер.