Понятие искусства. Специфика искусства как способа художественного освоения действительности

жүктеу/скачать 0.64 Mb.

бет	8/8
Дата	29.06.2016
өлшемі	0.64 Mb.
	#164756

1 2 3 4 5 6 7 8

^{Искусство московской Руси}

^{Московский период был эпохой развития единой русской культуры, что сказалось и на характере искусства. Особенностью развития искусства этого времени является отсутствие стадии Ренессанса. Переход к искусству нового времени принял драматическую форму выбора пути. Это затронуло все сферы жизни. В искусстве проявилось появлением светских мотивов, новых жанров и образов. Окончательный выбор был сделан в петровское время.}

^{Русское искусство XVIII в.}

^{Ведущим художественным стилем первой половины XVIII в. в России становится барокко – стиль абсолютизма, воплощающий великолепие и мощь Российского самодержавия. Русское барокко отличалось оптимистическим пафосом, позитивным настроем. Главное в нём – строительство дворцов новой столицы государства – Петербурга. За короткий исторический отрезок времени были построены крепости – верфи Адмиралтейства, Зимний дворец Петра I. Уже к концу 1720-х гг. определился облик Петербурга. В 1737 г. была учреждена Комиссия о Санкт – Петербургском строении, её архитектурную часть возглавил П.М.Еропкин. Был составлен генеральный план столицы.}

^{Расцвет русской архитектуры середины XVIII в. связан со стилем барокко и творчеством архитектора Франческо Бартоломео Растрелли (1700 – 1771 гг.). Его шедевр Воскресенский собор Смольного монастыря, Петергоф, Большой каскад, Екатерининский дворец.}

^{Влияние Растрелли ощущается в работах русских архитекторов этого времени, одним из которых был С.И.Чевакинский (1709/13 – ок. 1780 гг.), построившего Никольский Морской собор. Середина XVIII в. была временем высшего расцвета барокко, но с 1760 г. на смену ему приходит классицизм. Были построены Малый и Большой Эрмитаж, Эрмитажный театр (архитектор Кваренги). В это же время А.Ринальди (ок.1710 – 1794 гг.) построил Мраморный дворец. Отделка интерьеров этого дворца выполнена в стиле барокко.}

^{Живопись первой половины XVIII в.}

^{В это время произошло приобщение русской живописи к европейскому и мировому опыту, о чём свидетельствует появление таких жанров как батальный, исторический, портретный, пейзаж и бытовой. Ведущее место стали занимать картины на светские темы, выполненные маслом. Самым распространённым жанром был портрет. Одним из выдающихся художников этого периода является Иван Никитич Никитин (1680 – 1742 гг.), наиболее известны его картины “Портрет Петра I” и “Портрет Канцлера Г.И. Головкина”. Первым русским художником, умевшим писать картины на мифологические и исторические сюжеты, был Андрей Матвеевич Матвеев (не позднее 1702 – 1739 гг.). Он оставил замечательный двойной автопортрет с женой. Крестьянская тема была раскрыта в творчестве Ивана Петровича Аргунова (1729 – 1802 гг.) – “Портрет неизвестной крестьянки в русском костюме”.}

^{Вторая половина XVIII в. в архитектуре прошла под знаком классицизма.}

^{Ведущими мастерами были Василий Иванович Баженов (1737/38 – 1799 гг.), свои главные произведения создал в Москве: разработал проект реконструкции Кремля и центра Москвы, последний из проектов воплотить не успел. Дом П.Е.Пашкова – сооружение, расположенное на откосе холма и обращённое главным фасадом к Кремлю.}

^{Матвей Фёдорович Казаков (1738 – 1812 гг.). Разработал проект Сената в Московском Кремле, здание Московского университета, построил много жилых домов.}

^{Иван Егорович Старов (1745 – 1808 гг.). Создал Троицкий собор Александро – Невской лавры и Таврический дворец.}

^{В 90 – х г. в Петербурге работал Джакомо Кваренги. Ему принадлежит проект здания Академии наук на набережной Невы, отделка комнат Зимнего дворца. Его крупнейшее создание – Александровский дворец в Царском селе.}

^{Одновременно с классицизмом в русской архитектуре сосуществовали псевдоготика, стили “шинуазри”, “тюркери”, что было связано с увлечением общества экзотикой Востока.}

^{Скульптура второй половины XVIII в.}

^{Переживает небывалый расцвет, освобождаясь от соподчинения зодчеству. На первый план выходит человеческая фигура. Ведущим мастером скульптурного портрета был Фёдор Шубин (1740 – 1805 гг.) – земляк М.В.Ломоносова, выходец из крестьянской семьи. Шубин долгие годы отдал учению, в том числе и в Италии, был почётным членом Болонской Академии художеств. В России его избирают академиком за исполнение скульптурного портрета Екатерины II в 1774 г. Среди его работ – портреты всех выдающихся людей екатерининской эпохи.}

^{Портретная живопись второй половины XVIII в. достигает своего расцвета в творчестве нескольких выдающихся художников.}

^{Фёдор Степанович Рокотов (1732 – 1808 гг.) – выходец из семьи крепостных, в конце 50 – х гг. ему было поручено написать портрет великого князя Петра Фёдоровича. Он работал в Петербурге и в Москве. Его портреты отличаются особой поэтичностью, душевные движения не раскрываются, художник лишь намекает на то, в каком душевном состоянии находится изображаемый им человек – портрет В.Н.Суровцевой. Самая знаменитая работа Рокотова – портрет Струйской, которому Николай Заболоцкий посвятил известное стихотворение:}

^{...Её глаза – как два тумана,}

^{Полуулыбка, полуплач,}

^{Её глаза – как два обмана,}

^{Покрытых мглою неудач.}

^{Дмитрий Григорьевич Левицкий (1735 – 1822 гг.) – выходец с Украины. Особенностью манеры Левицкого было то, что он добивался ясности в раскрытии характера и состояния портретируемого. К высшим достижениям художника относится серия из семи портретов – “Смолянки”. Одновременно с ними художник создаёт портреты Демидова и Дени Дидро. В первом из них он использует приёмы парадного портрета, добавляя к ним бытовые мотивы. Портрет Дидро считается лучшим изображением знаменитого философа. Дидро увёз его с собой в Париж вместе с портретом Нарышкиной, который сейчас находится в Лувре. Одним из шедевров Левицкого стал портрет отца художника.}

^{Владимир Лукич Боровиковский (1754 - 1825 гг.) – вышел из среды казачества. В Петербурге вошёл в кружок самых передовых людей своего времени. Работал в жанре портрета, в том числе и портретной миниатюры. Лучшей из миниатюр стал выполненный на кости портрет Капниста. В 1794 г. Боровиковский написал знаменитый портрет Екатерины II, гуляющей в парке с любимой собачкой. В 1797 г. художник пишет свой шедевр – портрет Лопухиной, которому поэт Яков Полонский посвятил “Экспромт к портрету Лопухиной”.}

^{Реформы Петра способствовали расцвету светской музыки. В обществе распространились новые формы музицирования и новые жанры. В домашних концертах пели любовные канты в сопровождении арфы, гитары, клавесина. На ассамблеях танцевали аллеманду, гавот, менуэт, сарабанду – танцы, пришедшие с Запада. По указу Петра I были созданы духовые оркестры. В честь побед русского оружия исполнялись виватные канты. В помещичьих усадьбах были популярны роговые оркестры, состоявшие не менее чем из 50-ти музыкантов. Русские композиторы перенимали опыт великих европейских мастеров. Наиболее талантливыми представителями русской композиторской школы были Д.С.Бортнянский (1751 - 1825 гг.) и М.С.Березовский (1745 – 1777 гг.). Многие дворяне создавали не только оркестры, но и крепостные театры.}

^{В XVIII в. русское искусство приобрело отчётливо выраженный светский характер и развивалось в русле европейского искусства Нового времени.}

^{Искусство XIX в.}

^{Развивалось в исторических условиях, способствовавших формированию чувства собственного достоинства у дворян, образованных по европейским стандартам и воспитанных в духе патриотизма. Очень скоро круг образованных людей пополнился представителями разночинцев – складывалась интеллигенция, то есть социальная база “потребителей” искусства стала значительно шире. Среди художников, напротив, появились профессионалы – выходцы из дворян. К ним относился, в частности, А.С.Пушкин, который писал: “Не продаётся вдохновенье, но можно рукопись продать”. Дворянский быт и образ жизни были украшены искусством: произведения живописи, скульптуры, мелкой пластики, иконы – всё это было повседневным элементом жизни; музыкальное искусство широко культивировалось любителями, балы представляли собой действо, подчинённое строгой композиции, основу которой составляли танцы. В структуру бала обязательно входили полонез, вальс, мазурка и котильон.}

^{Важнейшим видом искусства в России XIX в. в России стала литература, которая была уникальным явлением культуры, выполняя миссию социальных наук. В ней развивались те же литературные направления, что и в Европе: романтизм и реализм.}

^{Живопись}

^{В живописи начала XIX в. утверждение романтизма происходило одновременно с отмиранием классицизма. Классический идеал осуществлялся лишь в исторической живописи. В портрете утвердилась концепция романтизма.}

^{Алексей Гаврилович Венецианов (1789-1847 гг.) – стал основоположником народного бытового жанра, художник опоэтизировал русскую природу и крестьян. Почти всю жизнь жил и работал в Тверской губернии в собственном имении Сафоново, где открыл художественную школу. Картины художника - “На пашне”, ”Весна”.}

^{Василий Андреевич Тропинин (1776-1857 гг.) по рождению был крепостным крестьянином. Вольную получил только в 1823 г. после долгих просьб общественности – “Портрет сына художника”.}

^{Орест Адамович Кипренский (1781-1836 гг.) в своей живописи воплотил саму идею романтической эпохи. Самая знаменитая его картина – “Портрет Е.В.Давыдова”, брата известного поэта и героя Отечественной войны Дениса Давыдова.}

^{Карл Павлович Брюллов (1799 – 1852 гг.) – один из самых прославленных и знаменитых художников своего времени. Самая известная картина – “Последний день Помпеи”, о которой Евгений Баратынский писал:}

^{Принёс он мирные трофеи}

^{С собой в отеческую сень.}

^{И был “последний день Помпеи”}

^{Для русской кисти первый день.}

^{После завершения своего шедевра Брюллов работал в основном жанре портрета.}

^{Сильвестр Феодосиевич Щедрин (1791 – 1830 гг.) – впервые стал объединять разные планы картины общей световоздушной средой - “Веранда на берегу моря”.}

^{Александр Андреевич Иванов (1806 – 1858 гг.) был убеждён, что искусство может возвысить человека, сделать его лучше. Над главным произведением своей жизни, картиной “Явление Христа народу”, он работал 20 лет. Верно и прекрасно сказал о художнике Н.В.Гоголь: “Иванов не только не ищет житейских выгод, но даже просто ничего не ищет; потому что уже давно умер для всего остального мира, кроме своей работы”.}

^{Павел Андреевич Федотов (1815 – 1852 гг.). Небольшие жанровые полотна художника составили полную картину, энциклопедию русской жизни, настолько они наполнены точными деталями и мельчайшими подробностями - “Сватовство майора”.}

^{Василий Григорьевич Перов (1834 – 1882 гг.). Посвятил своё искусство “малым мира сего”. Его картины наполнены обличительным пафосом и состраданием. Наиболее известна “Тройка. Ученики-мастеровые везут воду”.}

^{В 1863 г. 14 выпускников Академии художеств отказались писать диплом на предложенную тему и вышли из Академии, создав независимую Артель художников. Во главе Артели встал Иван Николаевич Крамской (1837 – 1887 гг.). Крамской был замечательным портретистом, но художник мечтал посвятить себя живописи, связанной с серьёзными этическими проблемами. Эту свою мечту он воплотил в картине ”Христос в пустыне”.}

^{В 1870 г. по инициативе художника Григория Григорьевича Мясоедова (1834 – 1911 гг.) возникло Товарищество передвижных выставок. С Товариществом было связано творчество большинства русских художников – реалистов. Душой и идеологом Товарищества стал Крамской. Всего Товарищество организовало 48 выставок, последняя из которых состоялась в 1923 г. Большую роль в деятельности Товарищества играл критик Стасов.}

^{Иван Константинович Айвазовский (1817 – 1900 гг.) был замечательным художником – маринистом.}

^{Николай Николаевич Ге (1831 – 1834 гг.) – многие свои работы посвятил евангелевским сюжетам, поскольку они давали возможность вывести некую формулу ”страдания и сострадания” – “Что есть истина” (“Христос и Пилат”).}

^{Иван Иванович Шишкин (1832 – 1898 гг.), Исаак Ильич Левитан (1860 – 1900 гг.), Алексей Кондратьевич Саврасов (1830 – 1897 гг.), Василий Дмитриевич Поленов (1844 – 1927 гг.) были замечательными художниками – пейзажистами, каждый из которых, по - своему, воспел красоту родной природы, изображая не только сельский, но и городской пейзаж.}

^{Василий Иванович Суриков (1848 – 1916 гг.) передавал в своих картинах ключевые события русской истории - “Переход Суворова через Альпы”, “Боярыня Морозова”.}

^{Василий Васильевич Верещагин (1842 – 1904 гг.) с эпическим бесстрастием запечатлел трагические эпизоды войн, художник оставил великолепные картины, посвящённые Средней Азии, философски осмыслил войну - ”Апофеоз войны”. Его знаменитая картина ”Стена плача” не была допущена в Россию.}

^{Илья Ефимович Репин (1844 – 1930 гг.) был замечательным художником – реалистом, который работал в разных жанрах и в каждом оставил прекрасные произведения. Самую шумную известность ему принесла картина “Бурлаки на Волге”, которую восприняли как социальный вызов, но самого художника интересовали, прежде всего, характеры бурлаков.}

^{Начало XX в. ознаменовано творчеством таких художников, как Виктор Михайлович Васнецов (1848 – 1926 гг.), который черпал своё вдохновение в фольклорных образах.}

^{Михаил Васильевич Нестеров (1862 – 1942 гг.) называл свою живопись “опоэтизированным реализмом” – “Богатыри”.}

^{Валентин Александрович Серов (1865 – 1911 гг.) прекрасный портретист и новатор. Наиболее известная его картина “Девочка с персиками”.}

^{Константин Алексеевич Коровин (1861 – 1938 гг.). Для художника главным было богатство колористических эффектов. Его считают первым русским импрессионистом – “Хористка”.}

^{Михаил Александрович Врубель (1856 – 1910 гг.) работал в разных областях изобразительного искусства. В своей зрелой живописной манере он дробит форму, поэтому его картины отчасти напоминают мозаику. Его судьба была трагической – “Демон сидящий”.}

^{В 1892 г. в истории русской культуры произошло очень важное событие: Павел Михайлович Третьяков подарил городу Москве своё собрание русской живописи. В последней трети XIX в., начиная с 1870 г., под Москвой, в усадьбе Абрамцево, образовалось художественное общество, в которое вошли Коровин, Серов, Врубель. Хозяином имения стал меценат Савва Иванович Мамонтов. В Абрамцеве была создана первая русская частная опера, в которой начинали свою карьеру замечательные певцы (Ф.И. Шаляпин), а спектакли оформляли вышеназванные художники.}

^{Архитектура}

^{Начало XIX в. отмечено небывалым размахом градостроительства. Это время синтеза архитектуры, скульптуры, декоративной живописи и прикладного искусства. Главными сооружениями становятся административные и гражданские здания. Ведущий архитектурный стиль – классицизм, который часто называют русским ампиром. Ведущими архитекторами были К.Росси (1775 – 1849 гг.), О.Бове (1784 – 1834 гг.), А.Воронихин (1759 – 1814 гг.), А.Захаров (1761 – 1811 гг.). В Петербурге наиболее монументальным произведением стал Исаакиевский собор – скульптор О.Р. де Монферран (1786 – 1858 гг.). Собор построен в стиле классицизма с элементами барокко и ренессанса. Над оформлением интерьера работали Брюллов, Бруни, Шебуев. Святыней собора была икона нерукотворного Образа Спасителя, принадлежавшая Петру I.}

^{Скульптура}

^{Расцвет скульптуры был связан с общественно – политическим подъёмом в России. Крупнейшим мастером, представителем классицизма был Иван Петрович Мартос (1754 – 1835 гг.). Выдающимся произведением скульптора стал памятник Минину и Пожарскому в Москве. В Петербурге он создал монументальный горельеф для Казанского собора “Источение Моисеем воды в пустыне”. На Марсовом поле в Петербурге в 1801 г. был установлен памятник Александру Суворову скульптора М.Козловского. К этому же периоду относится творчество И.И.Теребенева (1780 – 1815 гг.), Б.И.Орловского (1796 – 1837 гг.) – создал памятники Кутузову и Барклаю де Толли. В малых формах работал Ф.П.Толстой – делал работы из гипса, фарфора, бронзы, чугуна. Тематика его работ связана с войной 1812 гг., а также изображались сцены из “Одиссеи “Гомера.}

^{Музыка и театр}

^{Всё более заметную роль в жизни России играло театральное искусство. В 1824 г. в результате раздела Петровского театра в Москве появились Малый театр и Большой театр. В Петербурге в 1832 г. открылся Александрийский театр. Яркие страницы в театральном искусстве оставили П.С.Молчанов (1800 – 1848 гг.), М.С.Щепкин (1788 – 1863 гг.), М.Н.Ермолова (1853 – 1928 гг.), П.А. Стрепетова (1850 – 1903 гг.). С 50 – х гг. русский драматический театр неразрывно связан с именем А.Н.Островского (1823 – 1886 гг.). В музыке первой половины XIX в. наиболее популярным стал жанр романса. Некоторые из романсов считались народными песнями: “Вдоль по улице метелица метёт” А.Варламова (1801 – 1848 гг.) и др. Самыми известными композиторами, работавшими в жанре романса, были, кроме Варламова, А.Верстовский(1799 – 1862 гг.), А.Алябьев (1787 – 1851 гг.), А Гурилёв (1803 – 1856 гг.). Возникновение национальной школы русской музыки связано с именем М.Глинки (1804 – 1857 гг.) - “Жизнь за царя”. Демократизация музыкального искусства связана с именем А.Даргомыжского. В 1859 г. А.Рубинштейн (1829 – 1894 гг.) возглавил Русское музыкальное общество, а в 1862 г. он же создал первую в России консерваторию. Тогда же была организована бесплатная музыкальная школа. В 1866 г. открылась консерватория в Москве, её возглавил Н.Рубинштейн. В это же время формировались основные принципы русской музыкальной критики в работах А.Серова, В.Стасова, А. Лароша. М. Балакирев (1836 - 1910 гг.) объединил вокруг себя Ц.Кюи, М.Мусоргского, Н.Римского – Корсакова и А.Бородина – так возникло объединение композиторов “Могучая кучка”. Название принадлежит Стасову.}

^{Наивысшего расцвета русская музыка достигла в творчестве П.И.Чайковского (1840-1893 гг.). Композитор был непревзойдённым симфонистом, реформатором балета, он создал и новый тип оперы, работал и в малых жанрах. В конце XIX – начале XX в. новые тенденции в музыкальное искусство принесли А. Глазунов, С. Танеев, А. Лядов, В. Калинников. Гениальным композитором новой эпохи стал С.В. Рахманинов.}

^{В начале XX в. русское искусство в европейских странах почти не знали. В 1906 г. Бенуа и Дягелев привезли в Париж “кусочек” русской культуры. Они организовали выставку более чем из 700 произведений – от древнерусских икон до живописи авангарда. Продолжением этой выставки стали сезоны “Русского балета” в Париже. До начала Первой мировой войны Дягелев и его друзья показали в Париже 22 балета и 10 опер. Дягелев открыл публике Стравинского, представив его балеты “Жар-птица”, “Петрушка”, “Весна священная”. Исполнительское искусство было представлено танцорами В.Нежинским, А.Павловой и И.Рубинштейн. Хореографом-новатором выступал Фокин. Спектакли оформляли художники Бакст, Бенуа, Рерих, Коровин, Добужинский.}

^{Мирискусникам удалось, по словам Дягелева, “возвеличить русское искусство на Западе”. Объединение “Мир искусства” существовало с 1898 г. по 1924 г. Деятельность была очень многогранной. В него входили многие яркие представители разных видов искусства.}

^{Приложение:}

^{Музыка как вид искусства родилась из народного творчества, истоки которого уходят в доисторическую древность. Слово “музыка” - производное от “муза”, то есть “мыслящая”. Этимологическая связь между словами не случайна, она выявляет родственность творчества и вдохновения.}

^{Понимание музыки как языка чувств и в настоящее время доминирует и при восприятии музыкальных произведений, и в попытках теоретического и критического исследования. Для постижения музыки как искусства, древнейшего и сложнейшего из всех искусств, необходимо владеть хотя бы минимальными знаниями о ней.}

^{Профессиональные композиторы считают музыкальный фольклор одним из важнейших источников творчества. Кроме того, музыка может черпать свой материал и из других “звучащих сфер” - звуков природы, городских шумов. Однако звукоподражание является не основным, а подчинённым элементом в арсенале талантливых композиторов, сами звукоподражания не носят “буквального” характера, в произведении они всегда переосмыслены, носят условный характер.}

^{Особенностью музыки как вида искусства является не звукоподражательная, а звуковыразительная, интонационная природа. Интонация (от лат. intonio – громко произношу) свойственна, прежде всего, человеческой речи. Понижение и повышение голоса, усиление или ослабление громкости, ускорение или замедление темпа, прерывистость или плавность речи подчёркивают эмоционально-смысловой подтекст, уточняют понятийное значение слов. Именно по интонации можно судить об отношении говорящего к произносимым им словам. И всё же главный смысл речи передаётся словами.}

^{В музыке интонация непосредственно и исчерпывающе передаёт всю полноту эмоционального состояния. Музыка способна выразить всю гамму сложнейших человеческих чувств и состояний, передать динамику переживаний. Энергия и значимость музыкальной интонации обусловлены:}

^{- высокой степенью организованности музыкальных звуков в их высотных и временных отношениях;}

^{- богатством тембровых и динамических ресурсов;}

^{- богатством и разнообразием музыкальных форм, а также разнообразием принципов формообразования, выработанных в процессе исторического развития. Названные признаки характерны для музыки как таковой. Национальное своеобразие музыки придаёт то, что музыкальная интонация, поскольку она тесно связана с речью, передаёт особенности интонации данного народа, то есть, в строе музыкальных интонаций каждого народа можно услышать много общего с интонационным строем его речи. Звучание эмоционально окрашенной речи является одним из основных источников музыки.}

^{Композитор в своём творческом процессе обращается ко всем важным для него источникам; он выражает себя, свою личность: но его собственная личность – это продукт общественного сознания, т.к. он связан с определённой страной, эпохой, с прошлым и настоящим своего народа, с человечеством. Даже самое оригинальное творчество, самые неожиданные и своеобразные художественные образы – это синтез социального и личностного. Поэтому очень важно, что именно освоено композитором в человеческой культуре, в какой степени освоено и что представляет собой сам композитор с точки зрения его культурного кругозора, культурного уровня.}

^{Композитор реализует свой замысел в произведении, но до слушателя замысел автора доносит исполнитель его произведения. Роль исполнителя не сводится к бесстрастному озвучиванию нотного текста. Исполнитель – это не посредник между композитором и слушателями. Он (исполнитель) интерпретирует произведение, но его задача заключается не в том, чтобы использовать произведение композитора в качестве повода предъявить себя, своё субъективное восприятие данного произведения. Исполнитель должен стремиться к равновесию между содержанием произведения и своим внутренним миром. Исполнитель стремится передать объективное содержание произведения, проникнуть в сущность замысла композитора.}

^{Слушатель музыки заинтересован в исполнителе, но исполнитель заинтересован в слушателе. Восприятие искусства – процесс очень сложный. Это тоже творчество. Восприятие музыки – процесс особо сложный, т.к. музыка непереводима на язык понятий, поток музыкальных образов живёт и наполняется конкретным содержанием только в восприятии слушателя.}

^{Содержательность музыкальных образов прямо пропорциональна содержательности и душевному содержанию личности слушателя.}

^{Музыкальное произведение, оставаясь в пределах своей образной сферы, вызывает в восприятии каждого слушателя особый, субъективный мир переживаний.}

^{Звучащее произведение, вызывая особые индивидуальные переживания, способно и объединять всех слушающих тем наиболее существенным и важным, что составляет неизменное качество содержания музыки. Именно поэтому музыка способна оказывать на людей мощное эстетическое и этическое воздействие.}

^{Музыкальное искусство исторически изменяется, развивается. Начиная с эпохи античности наряду с музыкой, как видом искусства, развивается и теория музыки, которая обобщает наблюдения и исследования музыки как феномена, изучает её закономерности, как с позиции различных аспектов, так и на различных уровнях.}

^{Среди важнейших аспектов теории музыки следует выделить изучение интонационной и жанровой природы музыки. Основу понимания природы музыкального искусства составляет теория музыкального звука.}

^{Звук как физическое явление. Музыкальный звук.}

^{Звук – есть следствие вибрации, колебательных движений тела. Звук состоит из элементарных тонов различной частоты, которые образуются вследствие того, что тело, например струна, колеблется не только всей своей длиной, но и каждой половиной, третьей, четвертью, пятой, шестой частью общей длины. Колебания частей струны рождают обертоны, поглощаемые основным тоном. Шкала простых тонов, дающая сложный звук, называется частотным спектром и образует тембр, то есть окраску звука.}

^{Человеческое ухо воспринимает воздействие звуковых колебаний по их элементам, на основе которых в коре головного мозга моделируется звуковой образ. Всё многообразие природных звуков и вообще всех звуков, существующих в окружающем мире и воспринимаемых человеческим ухом, делится на три основные категории:}

^{- тоны – звуки, обладающие определённой высотой;}

^{- звоны – звуки, высота которых не фокусирована;}

^{- шумы – неинтонируемые звуки, лишённые точной высоты.}

^{Всё множество звуков, используемых в музыке, ограничено интервалом:}

^{- высотой от 16 до 4000, 4500 Гц;}

^{- громкостью, не превышающей болевого порога;}

^{- протяжённостью, не короче 0, 015 – 0, 020 сек и т.д.}

^{Наиболее важную роль в музыке играют звуки, обладающие точной высотой или музыкальные звуки.}

^{Спектр музыкальных звуков обладает определённым качеством.}

^{Частота первого элементарного звука – основного тона такого звука тождественна частоте колебаний сложного звука, а элементарные тоны, лежащие выше первого, находятся в простом кратном отношении к его частоте и акустически гармонично сливаются с ним. Они называются гармониками.}

^{Гармоники, расположенные в высотном порядке, образуют натуральный звукоряд.}

^{Музыкальный строй}

^{Музыкальный строй – система высотных соотношений звуков, лежащая в основе данной музыкальной культуры.}

^{Первые музыкальные строи возникли в Египте, Месопотамии, в Малой Азии.}

^{Формирование строёв связано с развитием музыкальных инструментов, требующих настройки, например, кифары.}

^{Одной из древнейших музыкальных систем является пентатоника.}

^{Одна из наиболее ранних известных нам попыток изучения закономерностей музыкального строя принадлежит Пифагору (IV в. до н.э.). Известный греческий философ и математик исследовал сформировавшуюся к тому времени на основе слухового опыта и художественной практики музыкальную систему древнегреческих ладов.}

^{В Древней Греции преобладало одноголосие, поэтому Пифагор создал мелодический строй. Его строй сохранял своё значение до тех пор, пока развивающееся многоголосие не потребовало консонирования терций и секст в гармоническом, то есть одновременном сочетании. Это стало необходимым для настройки органов и клавесинов. В пифагорейском строе гармонические терции и сексты звучали фальшиво и резко.}

^{Возможность использовать большие терции в качестве консонансов стремился доказать в середине XVI в. крупнейший итальянский музыкальный теоретик эпохи Возрождения Джозеффо Царлино. Он создал новый музыкальный строй – чистый или натуральный строй, который представлял собой очередную попытку преодолеть затруднения, созданные пифагорейским мелодическим строем для гармонического склада мышления. Натуральный строй сыграл важную роль в формировании октавных – мажорного и минорного ладов. Однако и натуральный строй не был лишён недостатков.}

^{К началу XVII в. формируется равномерно-темперированный строй. Первоначально он применяется на лютневых, а к концу века – на клавишных инструментах. Теоретическое обоснование этот строй получил на рубеже XVII - XVIII вв. у немецкого органиста Андреаса Веркмейстера.}

^{Равномерно-темперированный строй (от лат. temperatio – соразмерность, правильное звучание) – это такой строй, в котором октава охватывает 12 ступеней, звуков, находящихся между собой в равных высотных отношениях. Наименьшее расстояние между звуками – полутон, то есть октава состоит из 12 полутонов или 6 тонов.}

^{В этом строе сглаживаются противоречия пифагорейского и натурального строев, и разрешается проблема энгармонизма (энгармонизм от греч. en – в; harmonia – созвучие), то есть достигается возможность отождествления звуков с различным названием, например, до-диез и ре-бемоль. Благодаря энгармонизму на органе, клавесине, рояле два с разными названиями, но тождественные по высоте звука извлекаются нажатием одной и той же клавиши. С XVIII в. по настоящее время в музыке сохраняется темперированный строй. Его жизнеспособность была доказана И.С. Бахом, создавшим “Хорошо темперированный клавир” - два тома из 24 прелюдий и фуг в каждом, причём во всех тональностях. Этот строй даёт неограниченные возможности для ансамблевого исполнительства, для создания хоровых и оркестровых произведений гармонического характера.}

^{Однако и темперированный строй имеет свои недостатки, например, мелодия в нём менее выразительная и яркая, чем в других музыкальных строях.}

^{Кроме 12-звучного темперированного строя был разработан 24-звучный темперированный строй.}

^{В современной музыкальной практике (как и в музыкальном фольклоре) прослеживается тенденция к использованию нетемперированного строя. В пении и игре на инструментах с нефиксированным строем варьирование высоты данного тона зависит от реальных требований интонирования.}

^{Известный русский учёный Н.А. Гарбузов, создавший теорию зонной природы звуковысотного слуха, считает, что существуют два вида 12-звучного равномерно-темперированного строя. Один из них теоретический, в нём настраиваются инструменты с фиксированной системой полутонов – орган, клавесин, рояль, арфа, баян, аккордеон. Второй вид того же строя – практический, который может быть назван 12-зонным равномерно-темперированным строем. Он присущ певческому голосу, а также инструментам с нефиксированной системой полутонов – струнные смычковые инструменты, тромбон и др. В этом виде строя энгармонические звуки в зависимости от условий интонирования имеют различную тенденцию движения. Поэтому певец или исполнитель имеет возможность по-разному исполнять тот или иной звук (чуть выше или чуть ниже). От этого “чуть” зависит качество исполнителя: каждое исполнение произведения в зонном строе представляет собой его новый интонационный вариант.}

^{Зонность человеческого слуха развилась вместе со становлением музыкального строя. Она позволяет нам (слушателям) совмещать игру музыканта-скрипача или пение, интонирующиеся в строе, приближающемся к пифагорейскому, с одновременным исполнением фортепианного сопровождения в темперированном строе.}
^{Высота, длительность, громкость звуков. Тембр}

^{Высота звуков зависит от частоты колебаний упругого тела. Изменение высоты музыкальных звуков по-разному на разных музыкальных инструментах.}

^{На рояле или арфе высота звуков зависит от длины струны и её сечения. Высота звука фиксирована.}

^{На струнных инструментах (смычковых и щипковых), где струны на грифе одинаковой длины, но имеют разные сечения, исполнитель зажимает струны, чем сокращает длину струны.}

^{При игре на деревянных духовых инструментах исполнитель при помощи отверстий и клапанов изменяет длину колеблющегося столба воздуха.}

^{В медных духовых инструментах длину столба изменяют за счёт включения крон у труб, корнетов и валторн (крона – дополнительная трубка). У тромбонов – за счёт кулиски – длинной изогнутой подвижной трубки.}

^{Наиболее естественным, выразительным, совершенным инструментом является человеческий голос. Голосовые связки, изменяясь, сокращаясь, обретая большую или меньшую упругость, способствуют образованию звуков различной высоты.}

^{Высота звука имеет очень важную для слушающего способность резонировать в нашем слуховом восприятии. Вот почему человек может мысленно представить высоту звука даже в том случае, если не способен воспроизвести этот звук.}

^{Длительность музыкального звука определяется временем, на протяжении которого колеблется упругое тело.}

^{Благодаря длительности возникает чёткая временная организация, свойственная музыке.}

^{Длительности в музыке по преимуществу соотносятся между собой на основе бинарной (нормальной) кратности: целая, половинная, четвертная, восьмая, шестнадцатая и т.д.}

^{Имеются так же произвольные пропорции длительностей: триоли – деление какой-либо длительности на три равные части вместо двух; дуоли – деление длительности с точкой на две вместо трёх; квартоль, квинтоль, секстоль и др.}

^{Чередование различных видов ритмического деления делают музыкальное произведение более гибким, сообщает ему импровизационный характер (Шопен, джаз).}

^{Соотношение коротких и долгих длительностей образует ритмический рисунок. Виды ритмических рисунков многообразны. Они часто служат признаком жанра (мазурка, баркарола).}

^{Громкость звука зависит от размаха, амплитуды, колебания.}

^{Степень громкости (сила звучности) называется “динамика” (от греч. dynamikos – имеющий силу). Различные варианты громкости образуют динамические оттенки:}

^{- pianissimo (pp) – очень тихо;}

^{- piano (p) – тихо;}

^{- mezzo-piano (mp) – не очень тихо;}

^{- mezzo-forte (mf) – не очень громко;}

^{- forte (f) – громко;}

^{- fortissimo (ff) – очень громко;}

^{- сrescendo (cresc) – постепенно увеличивая силу звука;}

^{- diminuendo (dim) – постепенно уменьшая силу звука;}

^{- descrescendo (descresc) – постепенно уменьшая силу звука и т.д.}

^{К динамическим оттенкам относятся также акценты.}

^{Тембр – это окраска звука. Тембровое многообразие обеспечивает многокрасочность звучания хора, ансамбля, симфонического оркестра. В оркестре инструменты объединяются на основе сходства тембров и общности принципа звукоизвлечения. Внутри каждой группы инструменты имеют особый тембровый колорит.}

^{Диапазон – объём всего звукоряда инструмента или голоса (от греч. dia pascon – через все струны). Диапазон делится на регистры: нижний, средний, верхний. Качество звучания инструмента или голоса в разных регистрах неодинаковое. Разные регистры у различных инструментов (и голосов) могут совпадать. Например, низкий регистр сопрано совпадает с высоким регистром баса.}

^{Для единой и точной настройки инструментов оркестра или хора применяется камертон – металлический стержень, изогнутый в виде буквы “U”. Его концы могут свободно колебаться. Его колебания соответствую звуку “ля” первой октавы или “до” - второй. Камертон изобретён в 1711 г. английским музыкантом Дж. Шором.}

^{Нотная запись}

^{Древнейший вид нотного письма – буквенная нотация, существовавшая уже в древнегреческом искусстве.}

^{В XI в. итальянский теоретик Гвидо Аретинский предложил слоговые названия ступеней звукоряда. Ступени были названы по первым слогам соответствующей строки гимна Св. Иоанну (легендарному покровителю певцов).}

^{1 – 6 ступени назывались: Ut – Re – Mi – Fa – Sol – La. Поначалу, они не имели абсолютно высотного значения.}

^{В середине XVII в. итальянец Дж. Б. Донн заменил “Ut” на “Do”. Было закреплено высотное значение.}

^{Равномерно пульсирующие удары являются в музыке счётной единицей времени, получившей название доли. Различаются сильные (тяжёлые) и слабые (лёгкие) доли. Система организации ритмического движения, основанная на сопряжении сильных и слабых долей называется метром (от греч.metron – мера, размер). Метроном – маятниковый прибор, отмечающий ударами короткие промежутки времени.}

^{Акцент, возникающий на сильной доле метра, называется метрическим – это опорные моменты движения.}

^{Метрика подразделяется на строгую и свободную. Строгая метрика несёт в себе упорядоченность, строгую повторяемость. Такая метрика присуща танцевальным жанрам, маршам, массовым песням, большей части классических произведений XVII-XIX вв. Строгая метрика воспринимается как естественная, т.к. в природе и в жизненных явлениях существуют пульс, дыхание, равномерный шаг; приливы и отливы и т.д. Она присуща силлабо-тоническому стихосложению. Свободная метрика часто встречается в народных песнях.}

^{Отрезок музыкального времени между двумя равносильными метрическими акцентами называется тактом. Такты отделяются друг от друга тактовой чертой.}

^{Для определения масштабов такта существует понятие размера.}

^{Размер указывает количество долей в такте и длительность каждой доли. Размер обозначается двумя цифрами: 4/4; 2/4; 3/4; 2/8; 3/16 и т.д.}

^{Мелодия (от греч. melodia – пение, песнь, напев) – основа музыки, одноголосное последование звуков, организованных интонационной связью посредством лада и ритма в логически стройное, художественно целое.}

^{Мелодия представляет собой замкнутую интонационную структуру. “Мелодию” нужно отличать от “мелодики” и “мелодического начала”.}

^{Мелодика – понятие, обозначающее обобщение характерных черт многих мелодий.}

^{Мелодическое начало – мелодическое движение, основанное на принципе связи тонов по горизонтали.}

^{Мелодия родилась из пения, в ней всегда выражается душевный мир человека. Мелодия обладает способностью самостоятельно воплощать художественный образ. Умение создавать мелодии – признаётся высшим даром композитора. Мелодия строится на основе интервалов. Совокупность восходящих и нисходящих интервалов создаёт мелодический рисунок.}

^{Мелодия – это своего рода музыкальная речь. И как всякая речь, она членится на части, называемые построениями, между которыми существует граница – цезура.}

^{Мелодии развиваются на основе принципов тождества и контраста. Принцип тождества выражается в повторении исходного материала. Повторы бывают точными и видоизменёнными.}

^{Высший этап развития мелодии называется кульминацией.}

^{В вокальном произведении кульминация подчёркивает наиболее значимое слово. Кульминация подготавливается восхождением, а за ней следует спад. Во многих мелодиях кульминация отсутствует. Иногда мелодия начинается с самого высокого звука и развивается в нисходящем положении.}

^{Различаются вокальные и инструментальные мелодии.}

^{Особенности вокальных мелодий обусловлены природными возможностями голоса: сравнительно небольшой диапазон, частые цезуры, что связано с дыханием и обусловлено наличием текста.}

^{Инструментальные мелодии обусловлены возможностями различных инструментов.}

^{Классическое представление о мелодии ассоциируется с пением.}

^{В музыке XX в. усилилось влияние инструментальной мелодии на вокальную.}

^{Украшение мелодии называется мелизмами. Они относятся к области музыкальной орнаментики. Мелизмы сформировались в музыкальной культуре в весьма отдалённые исторические времена. Они существуют как в народной, так и в профессиональной музыке во всех музыкальных культурах, но их по-разному называют: в Италии – фиоритуры (“цветения”); в Германии – “украшения”; во Франции – “вышивка”, “узор”; в Англии – “изящные, грациозные фигуры”.}

^{Мелизмы встречаются в ранних памятниках музыкальной письменности – в византийских и григорианских напевах, в старинных русских церковных песнопениях, которые, правда, до сих пор до конца не расшифрованы.}

^{Устойчивые формы мелизмы приобрели к XVI в. Их широко применяли в Италии, Франции, Англии, где сложились различные манеры использования мелизмов.}

^{Особенно любимы были мелизмы в эпоху барокко и классицизма.}

^{Основной смысл мелизмов – подчёркивание отдельных тонов мелодии путём их обыгрывания, придающего особую красоту и живость мелодии.}

^{Основные виды мелизмов - форшлаги (короткий и долгий), мордент, группетто, трель.}

^{Для удобства исполнителей ещё в середине XVI в. были введены специальные графические знаки, соответствующие различным видам мелизмов.}

^{В современной музыке мелизмы используют редко: в тех случаях, когда за основу берётся музыкальный фольклор или при стилизации жанров и форм полифонического (многоголосного) стиля или классицизма XVIII в.}

^{Общее понятие музыкального материала и музыкальной формы}

^{Музыкальное произведение предстаёт перед слушателем в первую очередь как непосредственно воспринимаемый, организованный поток звучания – музыкальный материал.}

^{В музыкальном произведении материал организован таким образом, что выразительные свойства его отдельных элементов, дополняя друг друга, создают художественный образ. Композитор (как и поэт, художник, скульптор) определённым образом располагает, “выстраивает” материал в законченное целое – музыкальную форму.}

^{Особенности музыкальной формы обусловлены временной природой музыкального искусства, то есть, в отличие от пластических форм музыкальное произведение развёртывается во времени. В музыкальном искусстве существует целая система форм, среди которых различают малые формы, крупные формы.}

^{Литература}

^{Вахромеев В.А. Элементарная теория музыки. Учебное пособие. -}

^{М.: Музыка, 1995.}

^{Гнедич П.П. История искусств. Живопись. Скульптура. Архитектура. Современная версия. – М.: Эксмо, 2005 .}
^{Ильина Т.В. Введение в искусствознание. Учебное пособие для студентов высших учебных заведений. – М.: АСТ. Астрель, 2003.}
^{Комиссаржевский Ф. История костюма. Уникальные материалы по истории костюма с древнейших времён. – М.: АСТ. Астрель, 2005.}
^{Музыкальная энциклопедия: В 6 т. - М., 1973 - 1978.}
^{Основы теории художественной культуры. Учебное пособие под общей ред. Л.М. Мосоловой. – СПб: Лань, 2001 .}
^{Холопова В. Музыка как вид искусства. - СПб., 2000.}

^{Содержание}

От автора ……………………………………………………………………………….3

Понятие искусства. Специфика искусства как способа художественного освоения действительности ………………………………………………………….3

Искусство в художественной культуре различных исторических эпох ……….5

Типологическая характеристика искусства ………………………………………7

Прогресс искусства ………………………………………………………………….. 8

Стили искусства ………………………………………………………………………9

Художественные течения …………………………………………………………… 9

Периодизация искусства ………………………………………………………….... 11

Наиболее крупные и важные эпохи в развитии искусства ……………………..12

Первобытное искусство ……………………………………………………………. 14

Античное искусство ………………………………………………………………… 19

Искусство Византии ……………………………………………………………….. 26

Искусство Средневековья …………………………………………………………. 28

Искусство эпохи Возрождения в Италии …………………………………………32

Искусство Нового времени …………………………………………………………42

^{Русское искусство ……………………………………………………………………66}

^{Приложение:}

^{Музыка как вид искусства …………………………………………………………74}

^{Литература…………………………………………………………………………… 84}

жүктеу/скачать 0.64 Mb.

Достарыңызбен бөлісу:

1 2 3 4 5 6 7 8