Понятие искусства. Специфика искусства как способа художественного освоения действительности



бет8/8
Дата29.06.2016
өлшемі0.64 Mb.
#164756
1   2   3   4   5   6   7   8
Искусство московской Руси

Московский период был эпохой развития единой русской культуры, что сказалось и на характере искусства. Особенностью развития искусства этого времени является отсутствие стадии Ренессанса. Переход к искусству нового времени принял драматическую форму выбора пути. Это затронуло все сферы жизни. В искусстве проявилось появлением светских мотивов, новых жанров и образов. Окончательный выбор был сделан в петровское время.

Русское искусство XVIII в.

Ведущим художественным стилем первой половины XVIII в. в России становится барокко – стиль абсолютизма, воплощающий великолепие и мощь Российского самодержавия. Русское барокко отличалось оптимистическим пафосом, позитивным настроем. Главное в нём – строительство дворцов новой столицы государства – Петербурга. За короткий исторический отрезок времени были построены крепости – верфи Адмиралтейства, Зимний дворец Петра I. Уже к концу 1720-х гг. определился облик Петербурга. В 1737 г. была учреждена Комиссия о Санкт – Петербургском строении, её архитектурную часть возглавил П.М.Еропкин. Был составлен генеральный план столицы.

Расцвет русской архитектуры середины XVIII в. связан со стилем барокко и творчеством архитектора Франческо Бартоломео Растрелли (1700 – 1771 гг.). Его шедевр Воскресенский собор Смольного монастыря, Петергоф, Большой каскад, Екатерининский дворец.

Влияние Растрелли ощущается в работах русских архитекторов этого времени, одним из которых был С.И.Чевакинский (1709/13 – ок. 1780 гг.), построившего Никольский Морской собор. Середина XVIII в. была временем высшего расцвета барокко, но с 1760 г. на смену ему приходит классицизм. Были построены Малый и Большой Эрмитаж, Эрмитажный театр (архитектор Кваренги). В это же время А.Ринальди (ок.1710 – 1794 гг.) построил Мраморный дворец. Отделка интерьеров этого дворца выполнена в стиле барокко.

Живопись первой половины XVIII в.

В это время произошло приобщение русской живописи к европейскому и мировому опыту, о чём свидетельствует появление таких жанров как батальный, исторический, портретный, пейзаж и бытовой. Ведущее место стали занимать картины на светские темы, выполненные маслом. Самым распространённым жанром был портрет. Одним из выдающихся художников этого периода является Иван Никитич Никитин (1680 – 1742 гг.), наиболее известны его картины “Портрет Петра I” и “Портрет Канцлера Г.И. Головкина”. Первым русским художником, умевшим писать картины на мифологические и исторические сюжеты, был Андрей Матвеевич Матвеев (не позднее 1702 – 1739 гг.). Он оставил замечательный двойной автопортрет с женой. Крестьянская тема была раскрыта в творчестве Ивана Петровича Аргунова (1729 – 1802 гг.) – “Портрет неизвестной крестьянки в русском костюме”.

Вторая половина XVIII в. в архитектуре прошла под знаком классицизма.

Ведущими мастерами были Василий Иванович Баженов (1737/38 – 1799 гг.), свои главные произведения создал в Москве: разработал проект реконструкции Кремля и центра Москвы, последний из проектов воплотить не успел. Дом П.Е.Пашкова – сооружение, расположенное на откосе холма и обращённое главным фасадом к Кремлю.

Матвей Фёдорович Казаков (1738 – 1812 гг.). Разработал проект Сената в Московском Кремле, здание Московского университета, построил много жилых домов.

Иван Егорович Старов (1745 – 1808 гг.). Создал Троицкий собор Александро – Невской лавры и Таврический дворец.

В 90 – х г. в Петербурге работал Джакомо Кваренги. Ему принадлежит проект здания Академии наук на набережной Невы, отделка комнат Зимнего дворца. Его крупнейшее создание – Александровский дворец в Царском селе.

Одновременно с классицизмом в русской архитектуре сосуществовали псевдоготика, стили “шинуазри”, “тюркери”, что было связано с увлечением общества экзотикой Востока.

Скульптура второй половины XVIII в.

Переживает небывалый расцвет, освобождаясь от соподчинения зодчеству. На первый план выходит человеческая фигура. Ведущим мастером скульптурного портрета был Фёдор Шубин (1740 – 1805 гг.) – земляк М.В.Ломоносова, выходец из крестьянской семьи. Шубин долгие годы отдал учению, в том числе и в Италии, был почётным членом Болонской Академии художеств. В России его избирают академиком за исполнение скульптурного портрета Екатерины II в 1774 г. Среди его работ – портреты всех выдающихся людей екатерининской эпохи.

Портретная живопись второй половины XVIII в. достигает своего расцвета в творчестве нескольких выдающихся художников.

Фёдор Степанович Рокотов (1732 – 1808 гг.) – выходец из семьи крепостных, в конце 50 – х гг. ему было поручено написать портрет великого князя Петра Фёдоровича. Он работал в Петербурге и в Москве. Его портреты отличаются особой поэтичностью, душевные движения не раскрываются, художник лишь намекает на то, в каком душевном состоянии находится изображаемый им человек – портрет В.Н.Суровцевой. Самая знаменитая работа Рокотова – портрет Струйской, которому Николай Заболоцкий посвятил известное стихотворение:

...Её глаза – как два тумана,

Полуулыбка, полуплач,

Её глаза – как два обмана,

Покрытых мглою неудач.

Дмитрий Григорьевич Левицкий (1735 – 1822 гг.) – выходец с Украины. Особенностью манеры Левицкого было то, что он добивался ясности в раскрытии характера и состояния портретируемого. К высшим достижениям художника относится серия из семи портретов – “Смолянки”. Одновременно с ними художник создаёт портреты Демидова и Дени Дидро. В первом из них он использует приёмы парадного портрета, добавляя к ним бытовые мотивы. Портрет Дидро считается лучшим изображением знаменитого философа. Дидро увёз его с собой в Париж вместе с портретом Нарышкиной, который сейчас находится в Лувре. Одним из шедевров Левицкого стал портрет отца художника.

Владимир Лукич Боровиковский (1754 - 1825 гг.) – вышел из среды казачества. В Петербурге вошёл в кружок самых передовых людей своего времени. Работал в жанре портрета, в том числе и портретной миниатюры. Лучшей из миниатюр стал выполненный на кости портрет Капниста. В 1794 г. Боровиковский написал знаменитый портрет Екатерины II, гуляющей в парке с любимой собачкой. В 1797 г. художник пишет свой шедевр – портрет Лопухиной, которому поэт Яков Полонский посвятил “Экспромт к портрету Лопухиной”.

Реформы Петра способствовали расцвету светской музыки. В обществе распространились новые формы музицирования и новые жанры. В домашних концертах пели любовные канты в сопровождении арфы, гитары, клавесина. На ассамблеях танцевали аллеманду, гавот, менуэт, сарабанду – танцы, пришедшие с Запада. По указу Петра I были созданы духовые оркестры. В честь побед русского оружия исполнялись виватные канты. В помещичьих усадьбах были популярны роговые оркестры, состоявшие не менее чем из 50-ти музыкантов. Русские композиторы перенимали опыт великих европейских мастеров. Наиболее талантливыми представителями русской композиторской школы были Д.С.Бортнянский (1751 - 1825 гг.) и М.С.Березовский (1745 – 1777 гг.). Многие дворяне создавали не только оркестры, но и крепостные театры.

В XVIII в. русское искусство приобрело отчётливо выраженный светский характер и развивалось в русле европейского искусства Нового времени.

Искусство XIX в.

Развивалось в исторических условиях, способствовавших формированию чувства собственного достоинства у дворян, образованных по европейским стандартам и воспитанных в духе патриотизма. Очень скоро круг образованных людей пополнился представителями разночинцев – складывалась интеллигенция, то есть социальная база “потребителей” искусства стала значительно шире. Среди художников, напротив, появились профессионалы – выходцы из дворян. К ним относился, в частности, А.С.Пушкин, который писал: “Не продаётся вдохновенье, но можно рукопись продать”. Дворянский быт и образ жизни были украшены искусством: произведения живописи, скульптуры, мелкой пластики, иконы – всё это было повседневным элементом жизни; музыкальное искусство широко культивировалось любителями, балы представляли собой действо, подчинённое строгой композиции, основу которой составляли танцы. В структуру бала обязательно входили полонез, вальс, мазурка и котильон.

Важнейшим видом искусства в России XIX в. в России стала литература, которая была уникальным явлением культуры, выполняя миссию социальных наук. В ней развивались те же литературные направления, что и в Европе: романтизм и реализм.


Живопись

В живописи начала XIX в. утверждение романтизма происходило одновременно с отмиранием классицизма. Классический идеал осуществлялся лишь в исторической живописи. В портрете утвердилась концепция романтизма.

Алексей Гаврилович Венецианов (1789-1847 гг.) – стал основоположником народного бытового жанра, художник опоэтизировал русскую природу и крестьян. Почти всю жизнь жил и работал в Тверской губернии в собственном имении Сафоново, где открыл художественную школу. Картины художника - “На пашне”, ”Весна”.

Василий Андреевич Тропинин (1776-1857 гг.) по рождению был крепостным крестьянином. Вольную получил только в 1823 г. после долгих просьб общественности – “Портрет сына художника”.

Орест Адамович Кипренский (1781-1836 гг.) в своей живописи воплотил саму идею романтической эпохи. Самая знаменитая его картина – “Портрет Е.В.Давыдова”, брата известного поэта и героя Отечественной войны Дениса Давыдова.

Карл Павлович Брюллов (1799 – 1852 гг.) – один из самых прославленных и знаменитых художников своего времени. Самая известная картина – “Последний день Помпеи”, о которой Евгений Баратынский писал:

Принёс он мирные трофеи

С собой в отеческую сень.

И был “последний день Помпеи”

Для русской кисти первый день.

После завершения своего шедевра Брюллов работал в основном жанре портрета.

Сильвестр Феодосиевич Щедрин (1791 – 1830 гг.) – впервые стал объединять разные планы картины общей световоздушной средой - “Веранда на берегу моря”.

Александр Андреевич Иванов (1806 – 1858 гг.) был убеждён, что искусство может возвысить человека, сделать его лучше. Над главным произведением своей жизни, картиной “Явление Христа народу”, он работал 20 лет. Верно и прекрасно сказал о художнике Н.В.Гоголь: “Иванов не только не ищет житейских выгод, но даже просто ничего не ищет; потому что уже давно умер для всего остального мира, кроме своей работы”.

Павел Андреевич Федотов (1815 – 1852 гг.). Небольшие жанровые полотна художника составили полную картину, энциклопедию русской жизни, настолько они наполнены точными деталями и мельчайшими подробностями - “Сватовство майора”.

Василий Григорьевич Перов (1834 – 1882 гг.). Посвятил своё искусство “малым мира сего”. Его картины наполнены обличительным пафосом и состраданием. Наиболее известна “Тройка. Ученики-мастеровые везут воду”.

В 1863 г. 14 выпускников Академии художеств отказались писать диплом на предложенную тему и вышли из Академии, создав независимую Артель художников. Во главе Артели встал Иван Николаевич Крамской (1837 – 1887 гг.). Крамской был замечательным портретистом, но художник мечтал посвятить себя живописи, связанной с серьёзными этическими проблемами. Эту свою мечту он воплотил в картине ”Христос в пустыне”.

В 1870 г. по инициативе художника Григория Григорьевича Мясоедова (1834 – 1911 гг.) возникло Товарищество передвижных выставок. С Товариществом было связано творчество большинства русских художников – реалистов. Душой и идеологом Товарищества стал Крамской. Всего Товарищество организовало 48 выставок, последняя из которых состоялась в 1923 г. Большую роль в деятельности Товарищества играл критик Стасов.

Иван Константинович Айвазовский (1817 – 1900 гг.) был замечательным художником – маринистом.

Николай Николаевич Ге (1831 – 1834 гг.) – многие свои работы посвятил евангелевским сюжетам, поскольку они давали возможность вывести некую формулу ”страдания и сострадания” – “Что есть истина” (“Христос и Пилат”).

Иван Иванович Шишкин (1832 – 1898 гг.), Исаак Ильич Левитан (1860 – 1900 гг.), Алексей Кондратьевич Саврасов (1830 – 1897 гг.), Василий Дмитриевич Поленов (1844 – 1927 гг.) были замечательными художниками – пейзажистами, каждый из которых, по - своему, воспел красоту родной природы, изображая не только сельский, но и городской пейзаж.

Василий Иванович Суриков (1848 – 1916 гг.) передавал в своих картинах ключевые события русской истории - “Переход Суворова через Альпы”, “Боярыня Морозова”.

Василий Васильевич Верещагин (1842 – 1904 гг.) с эпическим бесстрастием запечатлел трагические эпизоды войн, художник оставил великолепные картины, посвящённые Средней Азии, философски осмыслил войну - ”Апофеоз войны”. Его знаменитая картина ”Стена плача” не была допущена в Россию.

Илья Ефимович Репин (1844 – 1930 гг.) был замечательным художником – реалистом, который работал в разных жанрах и в каждом оставил прекрасные произведения. Самую шумную известность ему принесла картина “Бурлаки на Волге”, которую восприняли как социальный вызов, но самого художника интересовали, прежде всего, характеры бурлаков.

Начало XX в. ознаменовано творчеством таких художников, как Виктор Михайлович Васнецов (1848 – 1926 гг.), который черпал своё вдохновение в фольклорных образах.

Михаил Васильевич Нестеров (1862 – 1942 гг.) называл свою живопись “опоэтизированным реализмом” – “Богатыри”.

Валентин Александрович Серов (1865 – 1911 гг.) прекрасный портретист и новатор. Наиболее известная его картина “Девочка с персиками”.

Константин Алексеевич Коровин (1861 – 1938 гг.). Для художника главным было богатство колористических эффектов. Его считают первым русским импрессионистом – “Хористка”.

Михаил Александрович Врубель (1856 – 1910 гг.) работал в разных областях изобразительного искусства. В своей зрелой живописной манере он дробит форму, поэтому его картины отчасти напоминают мозаику. Его судьба была трагической – “Демон сидящий”.

В 1892 г. в истории русской культуры произошло очень важное событие: Павел Михайлович Третьяков подарил городу Москве своё собрание русской живописи. В последней трети XIX в., начиная с 1870 г., под Москвой, в усадьбе Абрамцево, образовалось художественное общество, в которое вошли Коровин, Серов, Врубель. Хозяином имения стал меценат Савва Иванович Мамонтов. В Абрамцеве была создана первая русская частная опера, в которой начинали свою карьеру замечательные певцы (Ф.И. Шаляпин), а спектакли оформляли вышеназванные художники.

Архитектура

Начало XIX в. отмечено небывалым размахом градостроительства. Это время синтеза архитектуры, скульптуры, декоративной живописи и прикладного искусства. Главными сооружениями становятся административные и гражданские здания. Ведущий архитектурный стиль – классицизм, который часто называют русским ампиром. Ведущими архитекторами были К.Росси (1775 – 1849 гг.), О.Бове (1784 – 1834 гг.), А.Воронихин (1759 – 1814 гг.), А.Захаров (1761 – 1811 гг.). В Петербурге наиболее монументальным произведением стал Исаакиевский собор – скульптор О.Р. де Монферран (1786 – 1858 гг.). Собор построен в стиле классицизма с элементами барокко и ренессанса. Над оформлением интерьера работали Брюллов, Бруни, Шебуев. Святыней собора была икона нерукотворного Образа Спасителя, принадлежавшая Петру I.

Скульптура

Расцвет скульптуры был связан с общественно – политическим подъёмом в России. Крупнейшим мастером, представителем классицизма был Иван Петрович Мартос (1754 – 1835 гг.). Выдающимся произведением скульптора стал памятник Минину и Пожарскому в Москве. В Петербурге он создал монументальный горельеф для Казанского собора “Источение Моисеем воды в пустыне”. На Марсовом поле в Петербурге в 1801 г. был установлен памятник Александру Суворову скульптора М.Козловского. К этому же периоду относится творчество И.И.Теребенева (1780 – 1815 гг.), Б.И.Орловского (1796 – 1837 гг.) – создал памятники Кутузову и Барклаю де Толли. В малых формах работал Ф.П.Толстой – делал работы из гипса, фарфора, бронзы, чугуна. Тематика его работ связана с войной 1812 гг., а также изображались сцены из “Одиссеи “Гомера.

Музыка и театр

Всё более заметную роль в жизни России играло театральное искусство. В 1824 г. в результате раздела Петровского театра в Москве появились Малый театр и Большой театр. В Петербурге в 1832 г. открылся Александрийский театр. Яркие страницы в театральном искусстве оставили П.С.Молчанов (1800 – 1848 гг.), М.С.Щепкин (1788 – 1863 гг.), М.Н.Ермолова (1853 – 1928 гг.), П.А. Стрепетова (1850 – 1903 гг.). С 50 – х гг. русский драматический театр неразрывно связан с именем А.Н.Островского (1823 – 1886 гг.). В музыке первой половины XIX в. наиболее популярным стал жанр романса. Некоторые из романсов считались народными песнями: “Вдоль по улице метелица метёт” А.Варламова (1801 – 1848 гг.) и др. Самыми известными композиторами, работавшими в жанре романса, были, кроме Варламова, А.Верстовский(1799 – 1862 гг.), А.Алябьев (1787 – 1851 гг.), А Гурилёв (1803 – 1856 гг.). Возникновение национальной школы русской музыки связано с именем М.Глинки (1804 – 1857 гг.) - “Жизнь за царя”. Демократизация музыкального искусства связана с именем А.Даргомыжского. В 1859 г. А.Рубинштейн (1829 – 1894 гг.) возглавил Русское музыкальное общество, а в 1862 г. он же создал первую в России консерваторию. Тогда же была организована бесплатная музыкальная школа. В 1866 г. открылась консерватория в Москве, её возглавил Н.Рубинштейн. В это же время формировались основные принципы русской музыкальной критики в работах А.Серова, В.Стасова, А. Лароша. М. Балакирев (1836 - 1910 гг.) объединил вокруг себя Ц.Кюи, М.Мусоргского, Н.Римского – Корсакова и А.Бородина – так возникло объединение композиторов “Могучая кучка”. Название принадлежит Стасову.

Наивысшего расцвета русская музыка достигла в творчестве П.И.Чайковского (1840-1893 гг.). Композитор был непревзойдённым симфонистом, реформатором балета, он создал и новый тип оперы, работал и в малых жанрах. В конце XIX – начале XX в. новые тенденции в музыкальное искусство принесли А. Глазунов, С. Танеев, А. Лядов, В. Калинников. Гениальным композитором новой эпохи стал С.В. Рахманинов.

В начале XX в. русское искусство в европейских странах почти не знали. В 1906 г. Бенуа и Дягелев привезли в Париж “кусочек” русской культуры. Они организовали выставку более чем из 700 произведений – от древнерусских икон до живописи авангарда. Продолжением этой выставки стали сезоны “Русского балета” в Париже. До начала Первой мировой войны Дягелев и его друзья показали в Париже 22 балета и 10 опер. Дягелев открыл публике Стравинского, представив его балеты “Жар-птица”, “Петрушка”, “Весна священная”. Исполнительское искусство было представлено танцорами В.Нежинским, А.Павловой и И.Рубинштейн. Хореографом-новатором выступал Фокин. Спектакли оформляли художники Бакст, Бенуа, Рерих, Коровин, Добужинский.

Мирискусникам удалось, по словам Дягелева, “возвеличить русское искусство на Западе”. Объединение “Мир искусства” существовало с 1898 г. по 1924 г. Деятельность была очень многогранной. В него входили многие яркие представители разных видов искусства.

Приложение:

Музыка как вид искусства родилась из народного творчества, истоки которого уходят в доисторическую древность. Слово “музыка” - производное от “муза”, то есть “мыслящая”. Этимологическая связь между словами не случайна, она выявляет родственность творчества и вдохновения.

Понимание музыки как языка чувств и в настоящее время доминирует и при восприятии музыкальных произведений, и в попытках теоретического и критического исследования. Для постижения музыки как искусства, древнейшего и сложнейшего из всех искусств, необходимо владеть хотя бы минимальными знаниями о ней.

Профессиональные композиторы считают музыкальный фольклор одним из важнейших источников творчества. Кроме того, музыка может черпать свой материал и из других “звучащих сфер” - звуков природы, городских шумов. Однако звукоподражание является не основным, а подчинённым элементом в арсенале талантливых композиторов, сами звукоподражания не носят “буквального” характера, в произведении они всегда переосмыслены, носят условный характер.

Особенностью музыки как вида искусства является не звукоподражательная, а звуковыразительная, интонационная природа. Интонация (от лат. intonio – громко произношу) свойственна, прежде всего, человеческой речи. Понижение и повышение голоса, усиление или ослабление громкости, ускорение или замедление темпа, прерывистость или плавность речи подчёркивают эмоционально-смысловой подтекст, уточняют понятийное значение слов. Именно по интонации можно судить об отношении говорящего к произносимым им словам. И всё же главный смысл речи передаётся словами.

В музыке интонация непосредственно и исчерпывающе передаёт всю полноту эмоционального состояния. Музыка способна выразить всю гамму сложнейших человеческих чувств и состояний, передать динамику переживаний. Энергия и значимость музыкальной интонации обусловлены:

- высокой степенью организованности музыкальных звуков в их высотных и временных отношениях;

- богатством тембровых и динамических ресурсов;

- богатством и разнообразием музыкальных форм, а также разнообразием принципов формообразования, выработанных в процессе исторического развития. Названные признаки характерны для музыки как таковой. Национальное своеобразие музыки придаёт то, что музыкальная интонация, поскольку она тесно связана с речью, передаёт особенности интонации данного народа, то есть, в строе музыкальных интонаций каждого народа можно услышать много общего с интонационным строем его речи. Звучание эмоционально окрашенной речи является одним из основных источников музыки.

Композитор в своём творческом процессе обращается ко всем важным для него источникам; он выражает себя, свою личность: но его собственная личность – это продукт общественного сознания, т.к. он связан с определённой страной, эпохой, с прошлым и настоящим своего народа, с человечеством. Даже самое оригинальное творчество, самые неожиданные и своеобразные художественные образы – это синтез социального и личностного. Поэтому очень важно, что именно освоено композитором в человеческой культуре, в какой степени освоено и что представляет собой сам композитор с точки зрения его культурного кругозора, культурного уровня.

Композитор реализует свой замысел в произведении, но до слушателя замысел автора доносит исполнитель его произведения. Роль исполнителя не сводится к бесстрастному озвучиванию нотного текста. Исполнитель – это не посредник между композитором и слушателями. Он (исполнитель) интерпретирует произведение, но его задача заключается не в том, чтобы использовать произведение композитора в качестве повода предъявить себя, своё субъективное восприятие данного произведения. Исполнитель должен стремиться к равновесию между содержанием произведения и своим внутренним миром. Исполнитель стремится передать объективное содержание произведения, проникнуть в сущность замысла композитора.

Слушатель музыки заинтересован в исполнителе, но исполнитель заинтересован в слушателе. Восприятие искусства – процесс очень сложный. Это тоже творчество. Восприятие музыки – процесс особо сложный, т.к. музыка непереводима на язык понятий, поток музыкальных образов живёт и наполняется конкретным содержанием только в восприятии слушателя.

Содержательность музыкальных образов прямо пропорциональна содержательности и душевному содержанию личности слушателя.

Музыкальное произведение, оставаясь в пределах своей образной сферы, вызывает в восприятии каждого слушателя особый, субъективный мир переживаний.

Звучащее произведение, вызывая особые индивидуальные переживания, способно и объединять всех слушающих тем наиболее существенным и важным, что составляет неизменное качество содержания музыки. Именно поэтому музыка способна оказывать на людей мощное эстетическое и этическое воздействие.

Музыкальное искусство исторически изменяется, развивается. Начиная с эпохи античности наряду с музыкой, как видом искусства, развивается и теория музыки, которая обобщает наблюдения и исследования музыки как феномена, изучает её закономерности, как с позиции различных аспектов, так и на различных уровнях.

Среди важнейших аспектов теории музыки следует выделить изучение интонационной и жанровой природы музыки. Основу понимания природы музыкального искусства составляет теория музыкального звука.

Звук как физическое явление. Музыкальный звук.

Звук – есть следствие вибрации, колебательных движений тела. Звук состоит из элементарных тонов различной частоты, которые образуются вследствие того, что тело, например струна, колеблется не только всей своей длиной, но и каждой половиной, третьей, четвертью, пятой, шестой частью общей длины. Колебания частей струны рождают обертоны, поглощаемые основным тоном. Шкала простых тонов, дающая сложный звук, называется частотным спектром и образует тембр, то есть окраску звука.

Человеческое ухо воспринимает воздействие звуковых колебаний по их элементам, на основе которых в коре головного мозга моделируется звуковой образ. Всё многообразие природных звуков и вообще всех звуков, существующих в окружающем мире и воспринимаемых человеческим ухом, делится на три основные категории:

- тоны – звуки, обладающие определённой высотой;

- звоны – звуки, высота которых не фокусирована;

- шумы – неинтонируемые звуки, лишённые точной высоты.

Всё множество звуков, используемых в музыке, ограничено интервалом:

- высотой от 16 до 4000, 4500 Гц;

- громкостью, не превышающей болевого порога;

- протяжённостью, не короче 0, 015 – 0, 020 сек и т.д.

Наиболее важную роль в музыке играют звуки, обладающие точной высотой или музыкальные звуки.

Спектр музыкальных звуков обладает определённым качеством.

Частота первого элементарного звука – основного тона такого звука тождественна частоте колебаний сложного звука, а элементарные тоны, лежащие выше первого, находятся в простом кратном отношении к его частоте и акустически гармонично сливаются с ним. Они называются гармониками.

Гармоники, расположенные в высотном порядке, образуют натуральный звукоряд.

Музыкальный строй

Музыкальный строй – система высотных соотношений звуков, лежащая в основе данной музыкальной культуры.

Первые музыкальные строи возникли в Египте, Месопотамии, в Малой Азии.

Формирование строёв связано с развитием музыкальных инструментов, требующих настройки, например, кифары.

Одной из древнейших музыкальных систем является пентатоника.

Одна из наиболее ранних известных нам попыток изучения закономерностей музыкального строя принадлежит Пифагору (IV в. до н.э.). Известный греческий философ и математик исследовал сформировавшуюся к тому времени на основе слухового опыта и художественной практики музыкальную систему древнегреческих ладов.

В Древней Греции преобладало одноголосие, поэтому Пифагор создал мелодический строй. Его строй сохранял своё значение до тех пор, пока развивающееся многоголосие не потребовало консонирования терций и секст в гармоническом, то есть одновременном сочетании. Это стало необходимым для настройки органов и клавесинов. В пифагорейском строе гармонические терции и сексты звучали фальшиво и резко.

Возможность использовать большие терции в качестве консонансов стремился доказать в середине XVI в. крупнейший итальянский музыкальный теоретик эпохи Возрождения Джозеффо Царлино. Он создал новый музыкальный строй – чистый или натуральный строй, который представлял собой очередную попытку преодолеть затруднения, созданные пифагорейским мелодическим строем для гармонического склада мышления. Натуральный строй сыграл важную роль в формировании октавных – мажорного и минорного ладов. Однако и натуральный строй не был лишён недостатков.

К началу XVII в. формируется равномерно-темперированный строй. Первоначально он применяется на лютневых, а к концу века – на клавишных инструментах. Теоретическое обоснование этот строй получил на рубеже XVII - XVIII вв. у немецкого органиста Андреаса Веркмейстера.

Равномерно-темперированный строй (от лат. temperatio – соразмерность, правильное звучание) – это такой строй, в котором октава охватывает 12 ступеней, звуков, находящихся между собой в равных высотных отношениях. Наименьшее расстояние между звуками – полутон, то есть октава состоит из 12 полутонов или 6 тонов.

В этом строе сглаживаются противоречия пифагорейского и натурального строев, и разрешается проблема энгармонизма (энгармонизм от греч. en – в; harmonia – созвучие), то есть достигается возможность отождествления звуков с различным названием, например, до-диез и ре-бемоль. Благодаря энгармонизму на органе, клавесине, рояле два с разными названиями, но тождественные по высоте звука извлекаются нажатием одной и той же клавиши. С XVIII в. по настоящее время в музыке сохраняется темперированный строй. Его жизнеспособность была доказана И.С. Бахом, создавшим “Хорошо темперированный клавир” - два тома из 24 прелюдий и фуг в каждом, причём во всех тональностях. Этот строй даёт неограниченные возможности для ансамблевого исполнительства, для создания хоровых и оркестровых произведений гармонического характера.

Однако и темперированный строй имеет свои недостатки, например, мелодия в нём менее выразительная и яркая, чем в других музыкальных строях.

Кроме 12-звучного темперированного строя был разработан 24-звучный темперированный строй.

В современной музыкальной практике (как и в музыкальном фольклоре) прослеживается тенденция к использованию нетемперированного строя. В пении и игре на инструментах с нефиксированным строем варьирование высоты данного тона зависит от реальных требований интонирования.

Известный русский учёный Н.А. Гарбузов, создавший теорию зонной природы звуковысотного слуха, считает, что существуют два вида 12-звучного равномерно-темперированного строя. Один из них теоретический, в нём настраиваются инструменты с фиксированной системой полутонов – орган, клавесин, рояль, арфа, баян, аккордеон. Второй вид того же строя – практический, который может быть назван 12-зонным равномерно-темперированным строем. Он присущ певческому голосу, а также инструментам с нефиксированной системой полутонов – струнные смычковые инструменты, тромбон и др. В этом виде строя энгармонические звуки в зависимости от условий интонирования имеют различную тенденцию движения. Поэтому певец или исполнитель имеет возможность по-разному исполнять тот или иной звук (чуть выше или чуть ниже). От этого “чуть” зависит качество исполнителя: каждое исполнение произведения в зонном строе представляет собой его новый интонационный вариант.

Зонность человеческого слуха развилась вместе со становлением музыкального строя. Она позволяет нам (слушателям) совмещать игру музыканта-скрипача или пение, интонирующиеся в строе, приближающемся к пифагорейскому, с одновременным исполнением фортепианного сопровождения в темперированном строе.
Высота, длительность, громкость звуков. Тембр

Высота звуков зависит от частоты колебаний упругого тела. Изменение высоты музыкальных звуков по-разному на разных музыкальных инструментах.

На рояле или арфе высота звуков зависит от длины струны и её сечения. Высота звука фиксирована.

На струнных инструментах (смычковых и щипковых), где струны на грифе одинаковой длины, но имеют разные сечения, исполнитель зажимает струны, чем сокращает длину струны.

При игре на деревянных духовых инструментах исполнитель при помощи отверстий и клапанов изменяет длину колеблющегося столба воздуха.

В медных духовых инструментах длину столба изменяют за счёт включения крон у труб, корнетов и валторн (крона – дополнительная трубка). У тромбонов – за счёт кулиски – длинной изогнутой подвижной трубки.

Наиболее естественным, выразительным, совершенным инструментом является человеческий голос. Голосовые связки, изменяясь, сокращаясь, обретая большую или меньшую упругость, способствуют образованию звуков различной высоты.

Высота звука имеет очень важную для слушающего способность резонировать в нашем слуховом восприятии. Вот почему человек может мысленно представить высоту звука даже в том случае, если не способен воспроизвести этот звук.

Длительность музыкального звука определяется временем, на протяжении которого колеблется упругое тело.

Благодаря длительности возникает чёткая временная организация, свойственная музыке.

Длительности в музыке по преимуществу соотносятся между собой на основе бинарной (нормальной) кратности: целая, половинная, четвертная, восьмая, шестнадцатая и т.д.

Имеются так же произвольные пропорции длительностей: триоли – деление какой-либо длительности на три равные части вместо двух; дуоли – деление длительности с точкой на две вместо трёх; квартоль, квинтоль, секстоль и др.

Чередование различных видов ритмического деления делают музыкальное произведение более гибким, сообщает ему импровизационный характер (Шопен, джаз).

Соотношение коротких и долгих длительностей образует ритмический рисунок. Виды ритмических рисунков многообразны. Они часто служат признаком жанра (мазурка, баркарола).

Громкость звука зависит от размаха, амплитуды, колебания.

Степень громкости (сила звучности) называется “динамика” (от греч. dynamikos – имеющий силу). Различные варианты громкости образуют динамические оттенки:

- pianissimo (pp) – очень тихо;

- piano (p) – тихо;

- mezzo-piano (mp) – не очень тихо;

- mezzo-forte (mf) – не очень громко;

- forte (f) – громко;

- fortissimo (ff) – очень громко;

- сrescendo (cresc) – постепенно увеличивая силу звука;

- diminuendo (dim) – постепенно уменьшая силу звука;

- descrescendo (descresc) – постепенно уменьшая силу звука и т.д.

К динамическим оттенкам относятся также акценты.

Тембр – это окраска звука. Тембровое многообразие обеспечивает многокрасочность звучания хора, ансамбля, симфонического оркестра. В оркестре инструменты объединяются на основе сходства тембров и общности принципа звукоизвлечения. Внутри каждой группы инструменты имеют особый тембровый колорит.

Диапазон – объём всего звукоряда инструмента или голоса (от греч. dia pascon – через все струны). Диапазон делится на регистры: нижний, средний, верхний. Качество звучания инструмента или голоса в разных регистрах неодинаковое. Разные регистры у различных инструментов (и голосов) могут совпадать. Например, низкий регистр сопрано совпадает с высоким регистром баса.

Для единой и точной настройки инструментов оркестра или хора применяется камертон – металлический стержень, изогнутый в виде буквы “U”. Его концы могут свободно колебаться. Его колебания соответствую звуку “ля” первой октавы или “до” - второй. Камертон изобретён в 1711 г. английским музыкантом Дж. Шором.

Нотная запись

Древнейший вид нотного письма – буквенная нотация, существовавшая уже в древнегреческом искусстве.

В XI в. итальянский теоретик Гвидо Аретинский предложил слоговые названия ступеней звукоряда. Ступени были названы по первым слогам соответствующей строки гимна Св. Иоанну (легендарному покровителю певцов).

1 – 6 ступени назывались: Ut – Re – Mi – Fa – Sol – La. Поначалу, они не имели абсолютно высотного значения.

В середине XVII в. итальянец Дж. Б. Донн заменил “Ut” на “Do”. Было закреплено высотное значение.

Равномерно пульсирующие удары являются в музыке счётной единицей времени, получившей название доли. Различаются сильные (тяжёлые) и слабые (лёгкие) доли. Система организации ритмического движения, основанная на сопряжении сильных и слабых долей называется метром (от греч.metron – мера, размер). Метроном – маятниковый прибор, отмечающий ударами короткие промежутки времени.

Акцент, возникающий на сильной доле метра, называется метрическим – это опорные моменты движения.

Метрика подразделяется на строгую и свободную. Строгая метрика несёт в себе упорядоченность, строгую повторяемость. Такая метрика присуща танцевальным жанрам, маршам, массовым песням, большей части классических произведений XVII-XIX вв. Строгая метрика воспринимается как естественная, т.к. в природе и в жизненных явлениях существуют пульс, дыхание, равномерный шаг; приливы и отливы и т.д. Она присуща силлабо-тоническому стихосложению. Свободная метрика часто встречается в народных песнях.

Отрезок музыкального времени между двумя равносильными метрическими акцентами называется тактом. Такты отделяются друг от друга тактовой чертой.

Для определения масштабов такта существует понятие размера.

Размер указывает количество долей в такте и длительность каждой доли. Размер обозначается двумя цифрами: 4/4; 2/4; 3/4; 2/8; 3/16 и т.д.

Мелодия (от греч. melodia – пение, песнь, напев) – основа музыки, одноголосное последование звуков, организованных интонационной связью посредством лада и ритма в логически стройное, художественно целое.

Мелодия представляет собой замкнутую интонационную структуру. “Мелодию” нужно отличать от “мелодики” и “мелодического начала”.

Мелодика – понятие, обозначающее обобщение характерных черт многих мелодий.

Мелодическое начало – мелодическое движение, основанное на принципе связи тонов по горизонтали.

Мелодия родилась из пения, в ней всегда выражается душевный мир человека. Мелодия обладает способностью самостоятельно воплощать художественный образ. Умение создавать мелодии – признаётся высшим даром композитора. Мелодия строится на основе интервалов. Совокупность восходящих и нисходящих интервалов создаёт мелодический рисунок.

Мелодия – это своего рода музыкальная речь. И как всякая речь, она членится на части, называемые построениями, между которыми существует граница – цезура.

Мелодии развиваются на основе принципов тождества и контраста. Принцип тождества выражается в повторении исходного материала. Повторы бывают точными и видоизменёнными.

Высший этап развития мелодии называется кульминацией.

В вокальном произведении кульминация подчёркивает наиболее значимое слово. Кульминация подготавливается восхождением, а за ней следует спад. Во многих мелодиях кульминация отсутствует. Иногда мелодия начинается с самого высокого звука и развивается в нисходящем положении.

Различаются вокальные и инструментальные мелодии.

Особенности вокальных мелодий обусловлены природными возможностями голоса: сравнительно небольшой диапазон, частые цезуры, что связано с дыханием и обусловлено наличием текста.

Инструментальные мелодии обусловлены возможностями различных инструментов.

Классическое представление о мелодии ассоциируется с пением.

В музыке XX в. усилилось влияние инструментальной мелодии на вокальную.

Украшение мелодии называется мелизмами. Они относятся к области музыкальной орнаментики. Мелизмы сформировались в музыкальной культуре в весьма отдалённые исторические времена. Они существуют как в народной, так и в профессиональной музыке во всех музыкальных культурах, но их по-разному называют: в Италии – фиоритуры (“цветения”); в Германии – “украшения”; во Франции – “вышивка”, “узор”; в Англии – “изящные, грациозные фигуры”.

Мелизмы встречаются в ранних памятниках музыкальной письменности – в византийских и григорианских напевах, в старинных русских церковных песнопениях, которые, правда, до сих пор до конца не расшифрованы.

Устойчивые формы мелизмы приобрели к XVI в. Их широко применяли в Италии, Франции, Англии, где сложились различные манеры использования мелизмов.

Особенно любимы были мелизмы в эпоху барокко и классицизма.

Основной смысл мелизмов – подчёркивание отдельных тонов мелодии путём их обыгрывания, придающего особую красоту и живость мелодии.

Основные виды мелизмов - форшлаги (короткий и долгий), мордент, группетто, трель.

Для удобства исполнителей ещё в середине XVI в. были введены специальные графические знаки, соответствующие различным видам мелизмов.

В современной музыке мелизмы используют редко: в тех случаях, когда за основу берётся музыкальный фольклор или при стилизации жанров и форм полифонического (многоголосного) стиля или классицизма XVIII в.

Общее понятие музыкального материала и музыкальной формы

Музыкальное произведение предстаёт перед слушателем в первую очередь как непосредственно воспринимаемый, организованный поток звучания – музыкальный материал.

В музыкальном произведении материал организован таким образом, что выразительные свойства его отдельных элементов, дополняя друг друга, создают художественный образ. Композитор (как и поэт, художник, скульптор) определённым образом располагает, “выстраивает” материал в законченное целое – музыкальную форму.

Особенности музыкальной формы обусловлены временной природой музыкального искусства, то есть, в отличие от пластических форм музыкальное произведение развёртывается во времени. В музыкальном искусстве существует целая система форм, среди которых различают малые формы, крупные формы.


Литература


  1. Вахромеев В.А. Элементарная теория музыки. Учебное пособие. -

М.: Музыка, 1995.

  1. Гнедич П.П. История искусств. Живопись. Скульптура. Архитектура. Современная версия. – М.: Эксмо, 2005 .

  2. Ильина Т.В. Введение в искусствознание. Учебное пособие для студентов высших учебных заведений. – М.: АСТ. Астрель, 2003.

  3. Комиссаржевский Ф. История костюма. Уникальные материалы по истории костюма с древнейших времён. – М.: АСТ. Астрель, 2005.

  4. Музыкальная энциклопедия: В 6 т. - М., 1973 - 1978.

  5. Основы теории художественной культуры. Учебное пособие под общей ред. Л.М. Мосоловой. – СПб: Лань, 2001 .

  6. Холопова В. Музыка как вид искусства. - СПб., 2000.

Содержание

От автора ……………………………………………………………………………….3

Понятие искусства. Специфика искусства как способа художественного освоения действительности ………………………………………………………….3

Искусство в художественной культуре различных исторических эпох ……….5

Типологическая характеристика искусства ………………………………………7

Прогресс искусства ………………………………………………………………….. 8

Стили искусства ………………………………………………………………………9

Художественные течения …………………………………………………………… 9

Периодизация искусства ………………………………………………………….... 11

Наиболее крупные и важные эпохи в развитии искусства ……………………..12

Первобытное искусство ……………………………………………………………. 14

Античное искусство ………………………………………………………………… 19

Искусство Византии ……………………………………………………………….. 26

Искусство Средневековья …………………………………………………………. 28

Искусство эпохи Возрождения в Италии …………………………………………32

Искусство Нового времени …………………………………………………………42

Русское искусство ……………………………………………………………………66

Приложение:

Музыка как вид искусства …………………………………………………………74

Литература…………………………………………………………………………… 84





Достарыңызбен бөлісу:
1   2   3   4   5   6   7   8




©dereksiz.org 2024
әкімшілігінің қараңыз

    Басты бет