Понятие искусства. Специфика искусства как способа художественного освоения действительности

- толос;

Система ордеров греческой архитектуры включала дорический, ионический, коринфский ордера.

Ордера различались по расположению колонн, по сочетанию несомых и несущих элементов, по их структуре и художественной обработке.

Скульптура.

В VII в. до н.э. существовала мраморная скульптура. Мрамор покрывали смесью воска и оливкового масла или смесью шафрана и молока, что придавало фигурам тон человеческого тела. Одежды, лоза, губы, волосы окрашивались. Статуи были двух видов:

- куросы – статуи обнажённых юношей, изображённых в статичных позах;

- коры – статуи девушек, одетых в пеплос.

Строение тела куросов предельно реальное. Лица без выражений, глаза навыкате, руки прижаты к телу. Фронтальность и “архаическая улыбка” – характерные признаки этой скульптуры.

Керамика.

Керамические сосуды были очень разнообразны по форме, размерам и назначению:

- амфора;

- кратор;

- пифос;

- килик;

Все эти виды сосудов были предназначены для бытовых нужд.

Панафинейские вазы – призы для победителей на играх VII в. до н.э.

До VIII в. до н.э. в керамике преобладал геометрический стиль, соответствующий суровому духу эпохи. Украшения представляли собой орнамент в виде треугольников, кругов, ромбов, свастик, параллельных линий, цепей.

К концу VIII в. до н.э. роспись сосудов становится двухцветной, более выразительной, изображения усложняются. Появляются лотосы, кони, львы, охотники. Этот стиль возник под влиянием Египта и ближневосточных стран, поэтому он получил название “ориентальный”.

К середине VI в. до н.э. мастера из Керамика (район Афин) завоевали всю Грецию своими чёрнофигурными вазами. Контур изображения заполнялся чёрным лаком, фон оставался терракотовым. Роспись – троянский цикл сказаний или мифы о Геракле, который был любимым героем. Шедевр эпохи – амфора мастера Эксекия “Ахилл и Аякс, играющие в кости”.

Чуть позже возникает краснофигурная керамика: фон стали заливать лаком. Известны имена мастеров: Энтимид, Эвфроний, работавших в этой технике. Сюжеты росписей – сцены из повседневной жизни. Напомним, что и искусство Гомера возникло также в эпоху архаики, хотя редактирование, изучение, издание, комментирование его поэм осуществлялось в более поздние эпохи развития греческого искусства.

Классический период древнегреческого искусства V в. до н.э.

Центр развития искусства перемещается из Ионии (Малая Азия) в Аттику, особая роль принадлежит Афинам.

Акрополь – монументальный архитектурный комплекс, воздвигнутый в честь победы над персами – место древнейшего поселения в Аттике – 156 метровый холм, где в Микенский период располагалась царская резиденция.

В 480 г. до н.э. Акрополь был разрушен персами, в 479 г. афиняне поклялись его восстановить, для чего начали собирать средства. В 478 г. под руководством Фидия началось восстановление комплекса Акрополя, в который входили храмы, Пинакотека и хранилища рукописей.

Выдающимися памятниками являются также храм богини Ники, Парфенон, храм Афины – девы 448 – 438 гг. - мастера Иктин, Каликрат. Храм богини-девы был украшен великолепной скульптурой, рельефами, изображающими битву греков с амазонками; сцену рождения Афины; спор Афины с Посейдоном за власть над Аттикой, фриз храма имел длину в 160 метров, на нём была изображена панафинейская процессия – сакральное действо: преподнесение пеплоса богине Афине. Это первое в истории искусства изображение народа, объединённого общим действом с богами.

Греческие зодчие знали и использовали в строительстве важные оптические законы, поэтому колонны Парфенона слегка наклонены внутрь. Они имеют разную толщину в определённых частях, меняется и расстояние между ними. Все эти и другие приёмы учитывали особенности зрительного восприятия архитектурных сооружений человеком и способствовали достижению нужного впечатления. Парфенон представлен в Московском Государственном Музее Изобразительных Искусств им. А.С.Пушкина.

Живопись

О живописи древних греков мы знаем только из косвенных источников. Известны имена художников и их заслуги: Паррасий стремился передать внутренний мир модели, Полигнот умел передавать глубину пространства, Аполлодор научился использовать светотень, его изображения были объёмными, он конструировал пространственную среду, в которой происходило действие.

К середине V в до н.э. “строгий” стиль сменяется “свободным” – мастера изображали фигуры людей в различных поворотах, в сложных ракурсах. На рубеже V – IV вв. этот стиль сменился “роскошным”. Для “роскошного” стиля характерны совершенный рисунок, пышный нарядный декор. Его вершина – аттические белые лекифы.

Мастера научились изображать фигуры в движении, а также во взаимодействии двух и более фигур. Зарождается групповая композиция как изображение единого драматического целого.

Известны имена великих скульпторов классического периода: Фидий – автор многочисленных скульптур. Одна из них 18 метровая статуя Зевса для храма в Олимпии. Считалась одним из семи чудес света. Статуя была выполнена из золота и слоновой кости, в так называемой хрисоэлефантинной технике. Скульптура была многофигурной и очень сложной по композиции.

Мирон (родился ок. 500 г. до н.э. в Элефтере) работал в основном в бронзе. Его герои – боги, атлеты, герои. Известна его работа “Дискобол”. В искусстве Мирона видны черты архаики, но он умел передавать движение через позу, особую выразительность придавал конечностям фигур.

Поликтет (родился ок. 480 г. до н.э. в Аргосе) – глава школы. Поликтета интересовала форма. Его искусство лишено эмоциональности. Он выступил теоретиком искусства, создав “канон”. “Канон” с его пропорциями человеческого тела лёг в основу статуй “Дорифор” (копьеносец) и “Деадуман” (юноша с победной повязкой). Он решал проблему: движение в состоянии покоя. Поликтет создал несколько женских скульптур. В том числе скульптуру Геры для храма в Аргосе. Все его работы рассчитаны на фронтальное восприятие.

С IV в. до н.э. ваятели стремились передать индивидуальные черты человека. Скопас с острова Парос создал многоаспектную скульптуру, то есть скульптуру, рассчитанную на восприятие с любой точки зрения. Его “Менада” изображена в конвульсивном порыве.

Пракситель – гениальный художник древности. Его стиль отличается мягкостью, гармоничностью, мастерством проработки деталей, совершенством воплощения общего замысла, он впервые показал обнажённое женское тело – статуя Афродиты Книдской. Ему принадлежат работы “Аполлон Саурактон” и ”Гермес с младенцем Дионисом”.

Леохар – создатель Аполлона Бельведерского.

Лисипп – придворный художник Александра Македонского. Создатель бюстов великого полководца. Изменил “Канон”.

Эллинистический период с 336 г. до н.э. до 30 г. до н.э.

Основные особенности этого периода:

1. Искусство утрачивает демократический характер, становится придворным.

2. Возникают новые центры искусства – Пергам, Антиохия, Александрия, где создаётся Мусейон (храм всех искусств).

3. Возрождается религиозность, интерес к восточным культурам. Популярными становятся культ Великой Матери Богов, культ Исиды, появляются новые божества, например, Серапис, соединивший в себе черты Зевса и Аписа (быка). Популярной становится Фортуна – богиня судьбы, Тюхе – богиня случая, обожествлены Добродетель, Счастье, Здоровье. Духовная атмосфера была весьма напряжённой, ожидали прихода мессии.

Новые черты искусства: в зодчестве наблюдается тяга к освоению огромных пространств. Монументализм становится характерной особенностью стиля. Примеры: Фаросский маяк – высота сооружения 120 метров, виден с расстояния в 60 км; Мусейон в Александрии. Эклектика – смешение стилей. Импозантность форм. Точность и мастерство исполнения, например, алтарь Зевса в Пергаме и др. сооружения. Произошли изменения и функционального характера: храм утратил своё значение основного типа зданий, но отдельные храмы строились, например, храм Артемиды. Приобрело более широкие масштабы гражданское строительство. Строились библиотеки, арсеналы, доки, театры, стадионы, гимнасии и палестры. Создавались садово-парковые комплексы. Возводились царские дворцы. Сложилось два типа жилых домов: многоквартирные жилые дома и отдельные с внутренним двором.

Скульптура

Скульптура отразила дух беспокойства, напряжённости. Для неё характерна театральность, помпезность, иногда натурализм. Скульптурой стали украшать не только общественные места, но и частные дома. К шедеврам этого периода относятся:

1. Фриз Пергамского алтаря (120 м) – посвящён победе над галлами в 180 г. до н.э. Он изображал битву олимпийских богов с восставшими гигантами и змеями. Исполнен в технике горельефа; скульптурные композиции (“Умирающий галл” и “Галл, убивающий себя и свою жену”) – дань уважения к побеждённым.

2.“Афродита Милосская” работы Агесандра – скульптура, отличающаяся стройностью, спокойствием, достоинством. Оба примера относятся к Пергамской школе, которая развивала традиции Скопаса.

Родосская школа развивала традиции Лисиппа. Её идеал – сильный, атлетический, обнажённый мужчина. К шедеврам этой школы принадлежат:

1.”Лаокоон” Агесандра, Афинодора и Полидора;

2. Родосский колосс – 30-ти метровая статуя бога Гелиоса, автором которой был Харес, ученик Лисиппа (292 – 280 гг. до н.э.);

3.”Ника Самофракийская” (190 г. до н.э.) создана в честь победы Родосского флота.

Представлена так называемыми танагрскими терракотами (по названию города Танагра в Беотии). Они изображали фигурки людей из терракоты.

Переходным звеном между искусством между искусством Древней Греции и Древнего Рима было искусств этрусков. Этруски – пелассгические племена, вытесненные дарийцами, двинулись на Аппенинский полуостров, смешались с коренным населением, принесли свою культуру. Художественный уровень культуры и искусства этрусков столь велик, что Рим никогда не смог до него возвысится.

VIII – VI вв. до н.э. От этрусков римляне переняли строительство храмов. Храмы были квадратными в плане, с трёх сторон обнесены колоннами, строились на платформе, имели портик. Декор, расположенный по краям крыши, представлял собой изображение Медузы Горгоны, сатиров, силенов, менад (вакханок). Фигуры делали из камня и терракоты.

Храмы этого периода напоминают греческие. Несмотря на заимствования, римская архитектура была самобытной, так как римляне использовали бетон, вулканический туф, кирпич; они создали новую технику строительства, используя мрамор и камень только для облицовки зданий, разработали два типа жилых домов: домус – одноэтажный особняк, в котором обязательными элементами были перистиль, фонтан, бассейн, атрий, мозаика на полу и богатый декор; инсула – многоквартирный дом с меньшими удобствами. Инсулы строились в основном в центральной части города.

Форум – центр деловой и политической жизни. На Форуме возводились: табулярий – государственный архив – система сводчатых помещений, снаружи украшался греческим ордером; курия – здание для заседаний городского совета.

Не только важные для общественной жизни сооружения, но и постройки утилитарного назначения представляли собой произведения искусства, какими были: термы, водопроводы, каменные мосты.

Римляне заимствовали и преобразовали известные грекам и этрусскам ордера. Например, дорический в тосканский. Создали композитный ордер, сочетающий элементы коринфского и ионического.

К этому периоду относятся “золотой век” римского искусства. Этим названием обозначают годы правления Октавиана Августа (27 г. до н.э. – 14 г. н.э.).

Август Октавиан особенно заботился об украшении Рима. Он гордился тем, что принял город кирпичным, а оставил его мраморным. При нём был создан, среди прочего, Форум Августа.

Марк Агриппа – зять и единомышленник Октавиана – продолжил его дело. При нём создаются: портик Аргонавтов с базиликой Нептуна, Пантеон (не дошёл до нас), парк Агриппы с огромным озером, статуями и географической картой в портике.

Римская архитектура выходит за пределы Рима. Строятся здания в провинциях и колониях. Выдающиеся произведения, кроме вышеназванных, храм Марса Мстителя, театры, из которых сохранился театр Марцелла, амфитеатры и концертные залы.

Были очень популярны и играли важную общественную и политическую роль. Строительство зрелищных учреждений использовалось императорами для осуществления пиаровских целей: примером чего является возведение Колизея на месте “Золотого Дома” Нерона, что должно было изгнать из народной памяти образ ненавистного правителя. В этот период продолжается строительство мостов, дорог, акведуков (мост в Алькантаре через реку Тахо, акведук через реку Гард).

Триумфальные арки возводились в честь военных побед императоров и важных политических событий в различных городах империи.

Гробницы

Являлись традиционными сооружениями, но в эту эпоху приобрели новые формы. Например, Мавзолей Августа 28 г. н.э. на левом берегу Тибра представляет собой цилиндр, увенчанный земляным холмом (80 метров в диаметре). На его вершине росли деревья, и была воздвигнута статуя Августа.

Алтарь в честь Августа Миротворца на Марсовом поле и алтарь Мира с прекрасными рельефами (конец I в. н.э.).

Вершина портретного искусства древности. Художник стремился воспроизвести в портрете неповторимую индивидуальность. Этому искусству они учились у греков и этрусков, но и у самих римлян был древний обычай хранить изображения предков в парадных комнатах – атриумах – в специальных шкафах или нишах – лариях. Это были скульптурные изображения головы из воска, гипса, терракоты или мрамора. Каждое изображение снабжалось писанием славных дел. Патрицианские семьи владели целыми галереями портретов.

Форумы городов также украшались статуями императоров и знатных людей. Такие фигуры изображались следующим образом: фигуру или грудь бюста изготавливали заранее, а портретная голова вставлялась в стандартную заготовку. Постепенно статуи императоров начали почитать наравне с богами.

В эпоху Августа появляется женский портрет и впервые в мире – детский портрет. Все портреты эпохи Августа выдержаны в стиле классицизма, для которого характерно строгое следование канону. Этим объясняется идеализация персонажа, сдержанность жеста, отсутствие сильных эмоций, достоинство и спокойствие позы. Форма римского портрета – тондо (круг) заимствована от посмертных масок. Выглядел такой портрет как медальон на щите.

Была достаточно развита в римской империи. Подразделялась на:

- монументально-декоративную, которая была настенной. Её темы заимствовались из греческой мифологии;

- станковую – была распространена до I в. н.э. Плиний с сожалением пишет об угасании этого искусства. На Востоке живописный портрет продолжал развиваться. Сегодня он известен как знаменитый фаюмский портрет. Жанры живописи:

- портрет;

- пейзаж;

- многофигурная композиция.

Особенности римской живописи:

- линиарная манера письма (чёткий контур);

- высокое искусство перспективного построения;

- свободная композиция.
Искусство императорского Рима II – V вв. н.э.

Императорский Рим – драматическая эпоха в истории государства. Власть часто принадлежала жестоким, безнравственным людям, а иногда и императорам – преступникам. Характерные особенности искусства этого периода в архитектуре – строительство амфитеатров.

Колизей, построенный при Веспасиане, вмещал 50 тысяч зрителей. Для него характерны сочетание ордеров, сводчато-арочных конструкций, наличие подземных помещений, клеток и коридоров в стенах. Он был хорошо оснащён технически, что позволяло проводить на его арене не только грандиозные зрелищные представления – бои гладиаторов, бои с хищниками и т.п., но даже сражения на воде.

Форум Трояна включал библиотеку, два рынка, триумфальную колонну Трояна, однако, на форуме не было храма.

Триумфальные арки (арка – символ неба у римлян). Всего было построено 350 арок по всей империи. Арка Тита была одной из самых великолепных, возвышалась на месте “Золотого Дома Нерона”.

Пантеон построен в 125 г., его бетонный купол весил 46 тонн и имел в диаметре 43 метра.

Термы Каракаллы занимали 11 гектаров и представляли собой грандиозное многофункциональное сооружение, являвшееся по сути, одним из культурных центров Рима.

Саркофаги прямоугольной формы, возводимые на местах захоронения выдающихся людей, также превратились в роскошные архитектурные сооружения.

Несмотря на пышность и стремление к роскоши богатых слоёв населения, что стимулировало развитие искусства, Рим переживал кризис. Это стало особенно заметно проявляться в III в., когда сменилась идеология. В 330 г. император Константин переносит столицу империи в Византий. В 395 г. империя распадается на Западную и Восточную. 476 г. – год падения Рима. Византия – стала наследницей культурных традиций римской империи и всего античного мира.

Искусство Византии

Византия IV – XV вв. н.э. – была страной величественной и блестящей. Свой международный престиж её правители поддерживали всеми возможными средствами и способами. Искусство в их ряду занимало не последнее место.

На заре средневековья Византия была единственной хранительницей эллинистических традиций. Однако позднеантичное искусство отошло от традиций классической Греции, оно впитало элементы искусства Египта, Ирана, Сирии, испытало влияние мистических учений, восточных культов, христианской символики. Из этого сплава Византия создала собственный художественный стиль, который принадлежал наступающей эпохе, соответствовал букве и духу Средневековья.

Художественная система византийского искусства была строго нормативной, канонической, в ней господствовал церемониал, сочетались трудно совместимые утончённый спиритуализм и пышная зрелищность.

Духовной основой искусства Византии было христианство с его проповедью духовного идеала. Материальная, чувственная красота стала рассматриваться как отблеск и символ красоты сверхчувственной, божественной, сверхземной.

Христианство допускало возможность “одухотворения” плоти, т.е. создавало возможность компромисса: блеск, роскошь, красочность – все считалось уместным в качестве символа духовного блаженства. Сама церковная церемония превратилась в “символическое искусство”, каждая деталь которого была доведена до совершенства.

Искусство Византии в своём более чем 1000-летнем развитии прошло несколько этапов, переживало периоды подъёма и упадка.

Первый период расцвета византийского искусства начался с правления Юстиниана, занявшего престол в 527 г. Этот период со своими взлётами и утратами продлился до 867 г., примерно.

Македонский период 867 – 1056 гг. – второй период расцвета искусства Византии наступил с приходом к власти Македонской династии. Её первый представитель Василий I вступил на престол в 867 г. Искусство I половины X в. принято называть “македонским ренессансом”, т.к. образованные круги в Византии были привержены к античности.

В I половине XI в. характер искусства меняется: образы становятся строгими и аскетичными, фигуры статичны, лики с крупными чертами, выделяются глаза. Они огромные, взгляд отрешён. Мозаика сохраняется только на криволинейных поверхностях, кубики смальты уменьшаются в размерах.

В архитектуре тенденция к увеличению проёмов, стены заменяют каркасом столбов, появляется кирпичная кладка.

Третий период Комнинский Ренессанс (1059 – 1204 гг.). Это время расцвета искусства. Ко II половине XI в. происходит отход от аскетизма и монументализма. Изображения становятся одухотворёнными, изящными, появляется новый тип иконы – своеобразный календарь церковных Праздников. Формируется тип иконы “Богоматерь Одигитрия” (с младенцем на левой руке). Самая известная из них – “Богоматерь Владимирская” (1125 г.) и “Богоматерь Елеуса” (“Умиление”).

Искусство в целом тяготеет к классической простоте, уравновешенности, сочетающихся с одухотворённостью. Возникают новые течения, развивается экспрессивность, появляются новые стили.

В архитектуре XII в. главное достижение - комплекс трёх церквей, слитых воедино в монастыре Пантократора.

Конец периода связан с IV крестовым походом и разграблением Константинополя крестоносцами.

Четвёртый период Палеологический Ренессанс (1261 – 1453 гг.) – это время правления династии Палеологов – последней династии Византии – период утраты могущества империи. А для искусства – время расцвета. В 1261 г. Михаил VIII Палеолог отвоевал Константинополь у крестоносцев. Национальное унижение, вызванное завоеванием, породило новый всплеск интереса к эллинистическому искусству.

Искусство формирует новый идеал – утверждение величавого спокойствия. Вновь возникает тяготение к монументализму и аскезе, но и к героическому подъёму.

Появляется новый тип икон – образ святого в центре, вокруг него “клейма”, повествующие о жизни и подвигах святого – житийные иконы. Фреска вновь становится востребованной.

В конце XIII в. это искусство достигает наивысшего расцвета.

Начало XIV в. ознаменовано поворотом к камерной изысканности, образы становятся миниатюрнее и тоньше.

Андроник II Палеолог, при дворе которого и расцвело новое искусство, был поклонником античного прошлого.

Искусство его времени отличается спокойным, изящным, классически красивым внешним обликом образов икон, деликатностью цвета и сочетаний цветов, нежностью, изяществом линий и форм, появляются маленькие переносные мозаичные иконки.

Преобладание техники темперы в живописи. Образы индивидуализированные.

В середине XIV в. закончились войны и смуты, длящиеся около 20 лет. Изменилась вся политическая и социальная жизнь Византии.

В искусстве нарастает напряжённость и острота душевных переживаний. Снова намечается тенденция к монументализму форм. Декоративность в искусстве начинает преобладать.

В архитектуре выдающимся памятником этого периода является церковь монастыря Хора, которая строилась с конца XIII в.

В 1453 г. история Византии и её искусства трагически заканчивается османским завоеванием империи. Искусство Византии оказало большое влияние на искусство Западной Европы и особенно Древней Руси.

Архитектура играла ведущую роль в искусстве Византии.

Архитектурные формы церквей изменились по сравнению с античными: в античных храмах важнейшая роль принадлежала внешнему оформлению здания, но не его внутреннему пространству.

В средневековых христианских храмах организация внутреннего пространства превратилась в главную задачу зодчих. Внешний вид храма воспринимался как оболочка.

В церковном зодчестве возобладали две архитектурные формы: базилика (от basilike – царский дом) – прямоугольное здание и крестово-купольный храм, разделённое внутри продольными рядами колонн или столбов на нефы. Средний неф обычно шире других, он также и выше боковых нефов. Вход находится в западной части, алтарь в восточной части, заканчивающейся апсидой (полукруглым выступом).

Конец Античности датируют 476 г. Вслед за ушедшей эпохой наступает так называемый период “тёмных веков”, длившийся до Х века.

Искусство этого периода развивается на фоне разорения Италии и Рима варварами. Германские племена не видели в изображении людей и богов никакой ценности, поэтому они уничтожали мраморные статуи, а бронзовые скульптуры переливали в слитки. Варвары оценили только один вид искусства – украшение утвари и оружия орнаментом. Их орнамент отличался от античного рядом черт: одинаковой высотой вместо постепенного нарастания объёма, постоянством мотивов узора, расположением узора в разных направлениях, пронизыванием узорами друг друга.

Новый подъём в искусстве обусловлен постепенной христианизацией варварских народов. На первое место выдвигается архитектура. Она полностью подчиняет себе скульптуру и живопись. Изменения, происшедшие в сознании общества, привели к новому пониманию задач искусства. Оно должно было восхвалять не творение, а Творца. Христианский Бог - Творец мыслился как надприродное, не поддающееся изображению начало. В связи с чем, возникла система символов, которая вытеснила античный реализм и натурализм.

К VIII веку отрицание античного наследия начало ослабевать, что позволяет говорить о наступлении нового периода, который получил название Каролингского Возрождения. Карл Великий (768-814 гг.), император Священной Римской империи с 800 года, придал процессу христианизации необратимый характер. При его дворе расцвело искусство, особенно искусство книжной миниатюры, образцом которого является Утрехтская псалтырь.