Понятие искусства. Специфика искусства как способа художественного освоения действительности

Романский стиль – это стиль западноевропейского искусства XI – первой половины XII вв. Его основу составили сложившиеся в период раннего средневековья местные художественные традиции. Суровые нравы эпохи, войны, все особенности феодального уклада жизни отразились в этом искусстве.

Основными типами архитектурных сооружений были замки феодалов. Донжоны – главные укреплённые башни замков. Замок возводился как крепость, он был окружён рвом и высокими гладкими стенами. На углах стен стояли сторожевые башни, стены заканчивались зубцами, тяжёлые ворота с откидным мостом были обязательным атрибутом рыцарского замка. В середине крепости находился двор, а в нём – донжон. В раннюю эпоху эта башня в плане была прямоугольной, позже – круглой. Она делилась на несколько этажей:

-нижний ярус – для прислуги;

-средний – жилые помещения хозяев;

-выше – главный зал. Такая система была удобна для обороны. Массивные стены украшались гобеленами.

Романский храм был схож с замком – его стены достигали 6 метров в толщину. На западной стороне размещались две большие башни или колокольни, на восточной – две поменьше. Внутренне пространство было разделено на нефы (корабли). Главный неф отделялся от двух боковых рядами колонн или столбов. Нефы перекрывались двускатными крышами или тяжёлыми каменными сводами. Свод достигал иногда двух метров в толщину и, естественно, был очень тяжёлым. Перекрыть всё пространство таким сводом было невозможно.

Большие пространства стен в замках, монастырях и особенно в храмах послужили толчком к развитию искусства мозаики и фрески.

Окна в романском храме имели важное значение. Здесь появились “розы” – окна в виде окружности большого размера, украшающие фронтон главного нефа. Лепестки розы – это души праведников.

Главный портал находился на западной стороне. Дверь имела прямоугольную форму, над ней размещался тимпан (поле) с богатыми рельефными украшениями. Внутренние поверхности порталов членились столбами. В романской архитектуре определился тип композиции, которого не знали ни Греция, ни Рим. В нём сочетались традиционные римские арки, столбы и колонны. Полуколонны входят в массив стены и собираются в пучки.

Орнамент в основном растительный, состоящий из переплетающихся лент с листьями и поясами бус. Однако встречаются фантастические изображения животных. Скульптура и живопись служили целям архитектуры. Скульптурные фигуры неправильны в анатомическом отношении, позы статуй безжизненны. Живопись представлена росписью колонн. Основные темы живописи – изображение Христа и апостолов, отцов церкви, которые писались по сухой штукатурке. Внутри романики существовало несколько школ. В романском искусстве создаётся тип “повествовательной капители”, когда капитель представляет собой ряд фигур. В это время возрождается после долгого перерыва круглая скульптура, подготовленная почитанием мощей. В XII в. появляются колонны в виде человеческой фигуры. Бронзовые двери украшают рельефами. Миниатюра широко применяется для украшения архитектурных сооружений, её любимые цвета – жёлтый, синий, красный.

Пространство романского храма понималось как системно организованное, построенное по законам красоты мироздание. Всё романское искусство символично, даже сумрак храма символизировал покров божественной тайны.

Готическое искусство

Современники называли искусство, пришедшее на смену романской архитектуре, “французской манерой”, потому что Франция раньше других стран осуществила переход к новому стилю. Термин “готика” возник в среде творцов эпохи Возрождения. Вначале термин применяли только по отношению к литературе на неправильной латыни. Долгое время готическим именовали всё искусство Средневековья, с конца XIX в. термином “готика” обозначают поздний период средневековой культуры и искусства.

Центрами готического искусства стали города. Они обносились оборонительными стенами. Следовательно, городская земля высоко ценилась. Архитектурные сооружения были компактными и росли по вертикали так, что верхний этаж располагался выступом над нижним. В центре города возводились главный собор и ратуша. Городские соборы были местом торжественных богослужений и гражданских собраний и представляли собой огромные сооружения. Новый толчок в развитии строительных конструкций дали крестовые походы XI – XII вв., познакомившие европейцев со стрельчатой архитектурой, часто применяемой в мусульманской архитектуре. Готические строители отказались от массивных конструкций и перешли к каркасной системе. Внешний облик готического собора определялся главным образом западным фасадом. Две башни остались только на главном фасаде. Они стали значительно выше и переходили в тонкий шпиль. Портал стал внушительнее по отношению к масштабам фасада. Апсида окончательно закрепилась в восточной части нефа. Фрески и мозаики оказались не нужны, ведущим элементом декора стал витраж. Общая площадь достигала нескольких сотен квадратных метров. Преобладали “цвета молитвы” – кроваво-красные, синие и лиловые. Существовали две техники витражной росписи. Роспись чёрной и серой каской по бесцветному стеклу и сюжетная роспись по наборному цветному стеклу. Сюжеты росписей – сцены из Ветхого и Нового Завета, встречаются изображения ремесленников. Интерьер готического собора стал выражать стремление души христианина к Богу. Стены были не видны. Главным являлся свет, потоками льющийся из оконных проёмов. Примером ранней готики являются собор Парижской Богоматери, строительство которого началось в 1163 г. Начиная именно с этого собора, архитекторы стали стремиться увеличить высоту зданий. Новым мотивом явилась “галерея королей” на фасаде. В этот же период появляется хор. На рубеже XII – XIII вв. обозначился переход к так называемой высокой готике, образцом которой являются соборы в Бурже и Шартре. Шпиль Шартской башни поднимается на высоту 105 метров.

Самым большим по размерам и совершенным по конструкции был собор в Реймсе, где короновали французских королей. Его длина – 150 метров, высота башен – 80 метров.

Вершиной зрелой готики стала Сент – Шапель – Святая Капелла в Париже, которая строилась как королевская церковь. В ней хранился вывезенный из Константинополя “терновый венец Христа”. В капелле почти не было стен: пространство между опорами свода на две трети всей высоты капеллы заполняют двучастные окна, соединённые попарно шестилепестковыми розами.

В XIII в. готика завоёвывает почти все области Франции, утверждается в Англии и Германии. Английские соборы сосредоточены в монастырях. Они соотнесены с ландшафтом, имеют множество пристроек, велики по размерам. Готический стиль в Англии завершился так называемой перпендикулярной готикой. Название связано с прямоугольным рисунком оконных переплётов, заполненных витражами.

Немецкая готика – самая поздняя. Немецкие готические соборы отличает наличие башен на средокрестии, вместо розы – стрельчатое окно. Характерным для немецкой готики является собор в Кёльне (1248 – 1880 гг.). Немецкая готика достигла в нём наивысшего расцвета. В ней всегда преобладали черты суровой сдержанности. Характерной особенностью немецкой готики является также наличие светских зданий – ратуш и гостиных дворов.

Завершающей фазой развития готического стиля в Европе стала так называемая “пламенеющая готика”. Название произошло из – за прихотливого узора, напоминающего языки пламени. Выдающимся памятником “пламенеющей готики” стали Руанский собор во Франции и собор в Страсбурге. Позднеготические соборы имели сложное убранство, сводчатые, звёздчатые или сотовые декорированные своды, были украшены узорами и резьбой.

Готическая скульптура помещалась на фасадах соборов и алтарных преградах. Скульптура этого периода сумела преодолеть скованность романских фигур. Для неё характерен S-образный изгиб, напоминающий колеблющееся пламя свечи, что символизировало духовную жизнь человека. В готической скульптуре появилась портретность изображений, усложнился и стал дробным ритм драпировок. К середине XIII в. складываются темы скульптурного убранства: темы страшного суда, цикл, посвящённый Марии, цикл, связанный с почитанием местных святых. Шедеврами готической скульптуры считаются “Встреча Марии с Елизаветой” на западном портале Амьенского собора и композиции романского собора св. Петра в Бамберге, фигуры маркграфа Экехарда и маркграфини Уты из собора св. Петра и Павла в Наумбурге.

К концу XIII века в Европе уже было несколько десятков универси­тетов, где обучали семи свободным искусствам - грамматике, диалектике, риторике, арифметике, геометрии, музыке, астрономии. На первых курсах изучались только три науки, их называли тривиальными, от латинского слова три.

Самым престижным считался Парижский университет, выросший
из приюта, где жили шестнадцать студентов. Приют основал духовник короля Роберт Сорбон, с тех пор Парижский университет называется Сорбонной. Курс обучения в нем длился десять лет. По окончании обучения студент должен был с шести утра до шести вечера без перерыва вести диспут с двадцатью профессорами, которые сменялись каждые полчаса. Выдержавший такое испытание, получал звание доктора и особую черную шапочку. До Европы уже дошли утерянные сочинения Аристотеля, сохра­нившиеся в переводе арабов. Начала возрождаться философия, пока еще только в диспутах и схоластических спорах с доказательствами из текстов Аристотеля и богословских трактатов отцов церкви Бла­женного Августина и Фомы Аквинского. Это было время расцвета студенческой поэзии, которая стала альтернативой поэзии профессионалов и рыцарской литературе. Это время создания все­мирного гимна студентов - Гаудеамуса. Средние века - очень важный период в истории мировой культу­ры. В это время человек впервые осознал сложность и многообразие мира, и потому искусство сумело охватить больший, чем в античнос­ти, круг идей и образов. Оно смогло раскрыть внутренний мир чело­века, впервые показать, что духовная красота и сила могут сочетаться с телесным несовершенством. Нравственные начала стали основной оценкой человеческой личности. Изображению стали доступны мило­сердие и сострадание, борьба добра и зла.

Средневековая культура была неоднозначной и многоликой, в чем-то примитивной и одновременно утонченной. В ней органично соеди­нялись религиозное мировоззрение и жизнеутверждающее народное мироощущение, мистика и трезвый рационализм, устремленность к Богу и страстная любовь к земной жизни. Культура Средневековья была противо­речивой, как и сама эпоха. Поэтому ее нельзя оценить однозначно, например как тёмные века или безвременье. Она несла в себе прогрессивные и реак­ционные явления и была важной ступенью развития мировой цивилизации. Дальнейшее развитие общественной и экономической жизни, дальнейшее движение человека по пути самопознания принесли принципиально новое искусство, породили новую художественную систему.

Термин “Возрождение” был впервые использован для обозначения определённого феномена в 1550 г. Итальянским архитектором и историком искусства Джорджо Вазари (1511 – 1584 гг.) в книге “Жизнеописания наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих”.

Хронологически эпоха Возрождения охватывает примерно три столетия с XIV по XVI вв., но по значимости художественных достижений она имеет огромное значение для всей истории духовной культуры и искусства.

В эпоху Возрождения, Ринашименто (итал.), Ренессанс (франц.) – возникла новая европейская культура. Она сформировалась на основе переосмысленного античного наследия и на той высоте духовного опыта европейцев, который был достигнут в Средние века.

Основные черты эпохи Возрождения:

- гуманистическое мировоззрение. В центре космического бытия был помещён ч е л о в е к, понимаемый как творец, сподвижник и сотрудник Бога. Таким образом, теоцентризм средневековья был поколеблен, Возрождение проложило путь к антропоцентризму Нового времени;

- рационалистичность;

- секуляризация (обмирщение);

- индивидуализм.

Эпоха Возрождения делится на несколько этапов.

• 
  появление нового мировоззрения, которое нашло отражение в “Комедии” Данте;
  
• 
  смещение центров культуры из монастырей в города;
  
• 
  демократизация и расширение социальной среды;
  
• 
  вовлечёние людей в активные процессы создания духовной культуры и искусства;
  
• 
  появление локальных художественных школ: флорентийской, римской, пизанской.
  

Одно из величайших достижений этого периода – кафедра пизанского баптистерия – монументальное сооружение, украшенное рельефами и скульптурами. Сюжеты и образы заимствованы из Евангелия (1260 г.).

Ведущие художники – Чимабуэ, Каваллини, Джотто ди Бондоне. Последний был учеником Чимабуэ, работал в технике фрески, увлекался искусством Византии, создал собственную технику фрески. Тематика произведений связана с циклом, посвященным Марии и Христу – вся история с детства Марии до трагической развязки. С 1328 г. Джотто работает при дворе короля Анжуйского в Неаполе, затем - во Флоренции, где руководит строительством флорентийского собора. В этом городе он и умер. Джотто стал первооткрывателем перспективного построения (линейной перспективы), рассчитанного на эффект присутствия наблюдателя, рассматривающего произведение с фиксированной точки зрения.

Искусство триченто – период реготизации. Интернациональная готика появилась около 1390 г. в европейском искусстве. Это было время страшных событий:

- 1349 г. – чума;

- 1343 г., 1346 г. – крах флорентийских банков Перуцци и Барди.

Эти события возродили религиозный фанатизм. Художники пережили момент острого интереса к личному, к частному, к конкретному. Образы в произведениях интернациональной готики характеризуются хрупкостью, сухощавостью в изображении человека; ломкостью, стилизованностью гибких линий. В это время строятся дворцы – палаццио. Палаццио Веккио построено на месте стёртого с лица земли замка рода Уберти. При создании палацио были сделаны важные открытия в области архитектуры.

Главный принцип искусства этого периода, сформулированный в теоретических трактатах: “Подражание природе через постижение её законов”.

Гуманистические искания проникли в живопись. Художников объединяет представление о человеке как о самом совершенном творении природы. Одним из основных принципов, заимствованных у стоиков, был выражен понятием “Virtu” – “доблесть”. Таков был лозунг гуманистов XV в.

Во второй половине XV в. для художников становится обязательным рисование с модели и натурные наброски.

Открытие прямой перспективы – ещё одно достижение кватроченто. Её впервые применил Брунеллеске, использовал его друг, скульптор Донателло в рельефах “Битва св. Георгия с драконом” (ок.1427 – 1428 гг.) и Мазаччо в фреске “Троица”. Теоретическую разработку осуществил Альберти в “Трактате о живописи”.

Архитектура кватроченто

Основной принцип архитектуры – здание должно служить человеку. Архитекторы видели связь зодчества с гармонией мироздания.

В 1441 г. был найден трактат Витрувия, изучение которого способствовало усвоению принципов ордерной системы. Архитекторы стремились к созданию совершенного храма – идеально круглого в плане. Разрабатывались законы пропорций – пространственных соотношений отдельных элементов зданий: высоты колонны и ширины арки и другие.

В XV в. стали проводятся конкурсы на лучший проект, автор которого получал право на воплощение своего замысла. Так, в 1401 г. был проведён конкурс на изготовление северных бронзовых дверей баптистерия. Участвовали Лоренцо Гиберти и Филиппо Брунеллески. Тема – “Жертвоприношение Авраама”. Победил Гиберти. В другом конкурсе, состоявшемся в 1418 г., победил Брунеллески. Ему же принадлежит архитектурное воплощение сущности эпохи Возрождения – лоджия на фасаде Воспитательного дома во Флоренции. Не все проекты Брунеллески были осуществлены в полном соответствии с его замыслом. У него были талантливые ученики: Микелаццо ди Бартоломмео, создавший Палаццо Медичи – трёэтажное, квадратное в плане здание с квадратным двором в центре; Леон Баптиста Альберти – разносторонне талантливый и широко образованный философ – гуманист, работал во Флоренции, Ферраре, Римини. Он первым стал ориентироваться на древнеримское искусство. Современников смущали его творения. Папе Пию I церковь Сан – Франческо в Римини показалась схожей с языческим капищем, а церковь Сан – Себастьян в Мантуе напомнила мечеть. Альберти создавал также и светские сооружения, среди которых палаццо Ручелли во Флоренции. Большинство архитекторов XV в. успешно выступали в роли проектировщиков и прорабов.

Живопись этого периода была по преимуществу монументальной, выполненной в технике фрески. Всё большую роль в живописи станковых видов играет алтарная картина. Алтарная живопись представляла собой единую композицию, создание которой подчинялось определённым правилам.

В первой половине XV в. появляется светский портрет. Одним из выдающихся художников эпохи считается Мазаччо, настоящее имя которого Томмазо ди Джованни ди Симоне Кассаи (1401 – 1429 гг.). Творческий почерк этого художника отличает способность лаконично и точно передать сильные человеческие эмоции через движения тела и мимику. Он часто выбирает глубокий, тёмный колорит, люди на его картинах кажутся осязаемыми. Его основные работы: “Мадонна с младенцем и ангелами”, ”Распятие”, ”Поклонение волхвов”, “Троица”. Шедевром его творчества считают фреску в церкви Санта – Мария дель Кармине ”Чудо со статиром”. Художник соединил три эпизода: просьба денег сборщиком податей, приказ Христа Петру поймать рыбу, передача денег Петром.

Ранний Ренессанс открывает немало имён талантливых живописцев. Выдающимися художниками этого периода являются Пьеро дела Франческо (1420 -1492 гг.), Андреа Верроккьо (1435-1485гг.), Доменико Гирландайо (1449-1494 гг.), который был близок к кружку Медичи; Перуджино (1450-1523 гг.) – Пьетро Вануччи; Пинтуриккьо (1452-1513 гг.) – Бернардино ди Бетто украшал папские покои в Ватикане, фресочник; Андреа Мантенья (1431-1506 гг.) – придворный художник герцога Гонзаго в Мантуе, писал картины, создавал гравюры, декорации для спектаклей.

Выдающийся художник эпохи Сандро Боттичелли (1445 – 1510 гг.) близок к флорентийским неоплатоникам своим стремлением выйти за пределы природных форм и истории в потусторонний мир. Его кисти принадлежат портреты Джулио Медичи и Лоренцо Медичи. Часто сюжетами для картин служили сцены из античной мифологии или библейские мотивы. Они служили для него поводом выразить своё мироощущение, поражающее иногда трагическим предчувствием чего-то неотвратимого. Эти настроения не были случайностью, они объясняются событиями общественной жизни Флоренции, где произошло восстание под лозунгом “народ и свобода”. Это восстание возглавил талантливый проповедник монах Савонарола. Ему пришлось занять место правителя Флоренции. Среди прочих политических мер им была учреждена “полиция нравов”, в которую входили дети от 6 до 16 лет. Они группами ходили по городу, входили в дома флорентийцев и требовали “суету” – предметы роскоши, а также предметы, которые подверглись церковному проклятию. Среди “осуждённых” вещей были некоторые книги, картины и другие произведения искусства. Боттичелли вначале примкнул к движению Савонаролы. В этот период были уничтожены и некоторые из его картин, признанных “Суетой”. После того как Савонарола не отменил смертного приговора, вынесенного пяти знатным флорентийцам, Сандро Боттичелли разочаровался в новом движении. Жизнь самого Савонаролы закончилась трагически – его казнили. Сложные переживания Боттичелли, связанные с общественными событиями, нашли воплощение в его картине “Клевета”. Сюжетом для картины послужил рассказ греческого писателя II в. до н.э. Лукиана о картине художника Апеллеса, изобразившего своё оклеветание в аллегорической форме. На картине Боттичелли изображена бурная сцена неправедного суда. Персонажи картины аллегорические фигуры Неведение, Подозрительность, Зависть, Коварство, Истина, Раскаяние. Все они действуют в роскошном интерьере, характерном для богатых домов Возрождения. На троне восседает неправедный судья с огромными ушами, которые замечательно приспособлены для того, чтобы в них было удобно нашёптывать клевету. Несмотря на аллегоричность, картине не свойственна назидательность. Она передаёт лишь наболевшие чувства самого художника.

Шедевр Боттичелли – “Весна”, картина, принесшая славу художнику (1477 – 1478 гг.). Столь же совершенная и знаменитая его картина “Рождение Венеры”, написана по заказу Лоренцо Медичи в 1482 – 1483 гг. В произведении заложена идея рождения человеческой души во время крещения водой. Для Боттичелли не существовало границ между античностью и христианством. “Портрет Симонетты Виспуччи”, изображающий в профиль стоящую молодую женщину. Модель наделена чувством собственного достоинства. Картина больше известна под названием “Прекрасная Симонетта” (ок. 1485 г.).

К концу жизни в мировоззрении художника усиливается спиритуализм, что проявляется в экзальтации образов и некоторых других особенностях его живописи – “Величание Мадонны” (1483 – 1485 гг.). Творчество Боттичелли не столько предвосхищает живопись высокого Возрождения, сколько “перешагивает” время, непосредственно обращаясь к зрителю любой эпохи. Это ярко проявляется на примере картины “Покинутая”, которая открывает последний период творчества художника. Сюжет картины – на ступенях, перед закрытой дверью, сидит женщина. Её лицо закрыто, вокруг разбросаны ненужные одежды. Маленький кусочек голубого неба напоминает о жизни в этом мире безысходного горя. “Душа, отрешённая от благодати” – так понимали аллегорию исследователи. По мысли автора человек, отступая в гордыне от Бога, обрекает себя на безысходное одиночество, богооставленность, которую он не в силах перенести.

Скульптура XV века

Ренессансная скульптура воплощала идею антропоцентризма. Скульптуры осуществляли индивидуализацию образа не только в плане физиономической персонификации, но и как духовного самосознания личности. Главная особенность скульптуры XV в. - её отделение от стены и ниши собора.

Донателло (настоящее имя Донато ди Никколо ди Бетто Барди) (1386-1466 гг.). Ему принадлежит изобретение особого вида рельефа, сущность которого состоит в тончайших градациях объёмов, при которых наиболее выдвинутые фигуры вылеплены в высоком рельефе, а наиболее отдалённые чуть выступают из фона. При этом пространство перспективно построено и вмещает множество фигур. Таковы рельефы церкви Сант – Антонио в Падуе. В 1432 г. в Риме Донателло познакомился с античным искусством и выработал собственную трактовку духа античности. Его привлекает передача душевного волнения, драматизма чувств. Он возродил применяемый в античной скульптуре хиазм – постановку фигуры, в которой тяжесть тела перенесена на одну ногу. На площади перед церковью Сант – Антонио в Падуе в 1447 – 1453 гг. Донателло сооружает первый в искусстве Нового времени Бронзовый памятник Гаттамелате. Это конная статуя кондотьера. Ранее, в 1430 – 1432 гг., Донателло создаёт статую Давида. Моделью для неё (по легенде) стал юный Леонардо.

Высокое Возрождение

Если проторенессанс длился в Италии полтора столетия, ранний – сто лет, то высокое Возрождение заняло всего три десятилетия. Окончание этого периода датируют 1530 г., когда итальянские города утратили свободу в результате глубокого кризиса внутри страны и посягательств габсбургской монархии. Колыбелью раннего Возрождения по праву считается Флоренция, центром высокого – Рим и Венеция. Высокое Возрождение связано с именами трёх великих художников: Леонардо да Винчи (1452 – 1519 гг.), Микеланджело Буонарроти (1475 – 1564 гг.) и Рафаэля Санти (1483 – 1520 гг.).

Леонардо да Винчи был универсальной личностью, обладал многими талантами и знаниями в разных областях науки, искусства и техники. Он не только развивал знания своего времени, но и опережал его. Многогранная деятельность Леонардо оставляла ему не слишком много времени для живописи, однако его произведения являются истинными шедеврами. Одна из ранних работ Леонардо, экспонирующаяся в Государственном Эрмитаже, - “Мадонна с цветком”- передаёт радость материнской любви. Леонардо начал свою творческую деятельность во Флоренции при дворе Медичи. Однако ему пришлось менять местожительства и искать себе покровителей, которые могли бы обеспечить ему возможность работать. Одним из его покровителей был миланский герцог Лодовико Моро.

В живописи Леонардо был экспериментатором, он изобрёл краски, которые, к сожалению, оказались нестойкими. Этим объясняется плохая сохранность многих его работ, так, фреску “Тайная вечеря”, созданную для трапезной одного из миланских монастырей, время не пощадило. Современные зрители могут только догадываться о том, что видели современники Леонардо. Эта работа впечатляет умением художника передать средствами живописи глубокие психологические характеристики. Она поражает новаторством и совершенством композиции. Самая знаменитая работа Леонардо – “Джоконда” (“Мона Лиза”). Портрет этот создан в последнее двадцатилетие жизни художника. В нём поражает загадочное, неуловимое выражение лица женщины. Художник умело использует светотень (сфумато): даже малейшее изменение освещения полотна меняет впечатление о характере изображённой.

Некоторые произведения художника утрачены полностью. О них известно только по документам. Глиняная модель монументальной статуи Франческо Сфорца была разбита французскими солдатами в 1499 г. После падения миланского герцога, при дворе которого художник провёл 18 лет, Леонардо да Винчи был вынужден много переезжать. Он побывал в Риме. Некоторое время провёл во Флоренции и, наконец, обосновался во Франции при дворе короля Франциска I, который обеспечил художнику достойную жизнь. Однако жить Леонардо оставалось уже недолго. Леонардо всегда стремился познать тайну человека.

Микеланджело Буонарроти – великий скульптор, живописец, архитектор и поэт. В любых проявлениях своего творчества он оставался философом. Его интересовала проблема духовной, нравственной силы человека, привлекали телесная мощь и героический порыв. Сам он, не отличаясь атлетическим сложением и крепким здоровьем, демонстрировал несгибаемую волю и могучий дух. Расписывая потолок Сикстинской капеллы, имевшей длину 40 метров, художник работал 4 года, лёжа под потолком в неудобной позе, постоянно рискуя жизнью. В результате им было создано грандиозное художественное произведение, содержанием которого является его оригинальная интерпретация библейского сказания от Сотворения мира до Всемирного потопа. Позднее в этой же капелле он создал картину Страшного суда, проникнутую чувством скорби.

В скульптуре Микеланджело начал работать когда ему было немногим более 20-ти лет. Одним из выдающихся произведений юного художника стала мраморная “Пьета” (“Оплакивание Христа”) (1497 -1498 гг.). Эта скульптура была создана для собора св. Петра в Риме. После завершения работы Микеланджело возвращается во Флоренцию, где в 1501 г. создаёт статую Давида высотой около 5-ти метров. Давид – гимн человеческой мужественности, красоте, грации и изяществу. К числу высших достижений Микеланджело относятся скульптуры, созданные для гробницы папы Юлия II, среди которых наиболее известен “Моисей”. Не меньшую известность принесли ему архитектурные и скульптурные работы во Флоренции, в частности, в капелле Медичи – “Вечер”, “Ночь”, “Утро”, ”День”. Эти скульптуры олицетворяют осознание ограниченности человеческих возможностей, отчаяние перед быстротекущим временем. Они являются и результатом наблюдений мастера за реальной жизнью. Свой вывод он выразил в стихотворной миниатюре:

Отрадней спать, отрадней камнем быть.

О, этот век: Преступный и постыдный.

Не жить, не чувствовать – удел завидный,

Прошу, молчи, не смей меня будить.

Это четверостишие неоднократно переводилось на русский язык поэтами разных эпох от Ф.Тютчева до наших современников.

В качестве архитектора Микеланджело составил план вестибюля с лестницей и зала библиотеки Лауренцианы, входящей в комплекс церкви Сан- Лоренцо. В 1538 – 1539 гг. он составил план для перестройки зданий на Капитолийском холме в Риме. В 1546 г. был назначен главным архитектором строящегося собора св. Петра в Ватикане. Строительство собора св. Петра имело долгую историю. Начал строительство Браманте, продолжили в качестве руководителей последовательно Рафаэль, Перуцци и Антонио да Сангалло, которые отошли от плана Браманте. Микеланджело вернулся к первоначальному замыслу. Этот собор своим величием и совершенством во многом обязан именно Микеланджело.

Микеланджело рассматривал искусство как свободную деятельность, а не ремесло. Он был аристократом по рождению и по своему мироощущению. И в качестве такового испытывал непреодолимое презрение к Леонардо да Винчи, вылившееся в открытое соперничество.

Рафаэль Санти – одна из наиболее гармоничных личностей высокого Возрождения. Универсальный живописец, архитектор и монументалист. В качестве живописца известен в первую очередь незабываемыми “Мадоннами”. Одна из этих работ художника - “Мадонна Конестабиле”, хранящаяся в Эрмитаже, написана Рафаэлем в юности, но является одним из шедевров мастера. На 15 лет позже Рафаэль создал свою “Сикстинскую мадонну” (1516 г.), изображающую Марию в безграничном пространстве между папой Сикстом и святой Варварой. По поручению папы Рафаэль расписывает покои в Ватикане. Одной из ватиканских работ является фреска “Афинская школа”, которая изображает идущих прямо к зрителям Платона и Аристотеля. Среди учёных изображён Евклид, которому Рафаэль дал облик Браманте, Диоген одиноко сидит на ступенях, Гераклит изображён в состоянии сосредоточенной задумчивости. Рафаэль является создателем многих замечательных портретов. Среди лучших – портреты пап Юлия II и Льва X, кардиналов. Замечательным созданием является портрет “Дамы с покрывалом” (“Донна Велата”).

Рафаэль с наибольшей адекватностью выразил ренессансный идеал человека. Он сумел синтезировать предшествовавшие ему достижения и определить дальнейшее развитие гуманистических тенденций в искусстве.

На период Высокого и Позднего Возрождения пришёлся расцвет искусства в Венеции. Среди художников венецианской школы особое место занимает творчество Джорджоне (1476 – 1510 гг.). Художник обессмертил своё имя полотнами “Юдифь”, ”Спящая Венера”, ”Сельский концерт”. Приоритетными задаче Джорджоне считал задачи колорита и света. Он первым придал жанру пейзажа самостоятельное значение.

Выдающийся представитель венецианской школы – Тициан Вечеллио (1477 – 1576 гг.). Работы Тициана привлекают новизной и необычностью решения колористических и композиционных задач. Впервые на полотнах изображается толпа. Наиболее известные работы Тициана: “Кающаяся Магдалина”, ”Любовь земная и небесная”, ”Венера”, ”Даная”.

Период позднего Возрождения был отмечен наступлением католической реакции. Многие живописцы, поэты, скульпторы, архитекторы под влиянием церкви отказались от идей гуманизма, унаследовав лишь манеру великих мастеров Возрождения. Так возник маньеризм, который опирался на мощное покровительство церкви, но всё-таки не смог стать ведущим направлением искусства.

Реалистические тенденции и гуманистические идеи проявились в творчестве живописцев Паоло Веронезе, Якопо Тинторетто, Микеланджело да Караваджо. Караваджо стал основоположником реалистического направления в европейской живописи XVII в. Последним из наиболее крупных скульпторов и ювелиров Италии был Бевнутто Челлини (1500 – 1571 гг.). Начиная с 40 – гг. XVI в. церковь в Италии стала широко применять репрессивные меры к инакомыслящим. В 1542 г. была реорганизована инквизиция и создан её трибунал в Риме. Многие выдающиеся деятели культуры и искусства погибли на кострах инквизиции. Многие произведения, прежде всего литературные, были запрещены. Таким образом, к началу 50 – х гг. эпоха Возрождения в Италии подошла к своему закату.

Музыка эпохи Возрождения

Хотя эпоха Возрождения характеризуется светским характером, светская и церковная музыка развиваются параллельно, и именно церковная школа дает обществу композиторов, певцов, музыкантов. Именно в эпоху Возрождения появляется само понятие композиторы. Часто они используют в своих произведениях народные мелодии; порой бывает даже трудно определить, что лежит в основе музыкальной пьесы, - собственная идея создателя или национальный напев.

Музыка эпохи Возрождения с ее величественным, спокойным, возвышенным характером порождает специфическое отношение к танцу. В это время появляется огромное количество литературы по правилам танцев, хореографии, а также сборники танцевальной музыки.

Характерные особенности музыки эпохи Возрождения:

• 
  развитие и совершенствование различных музыкальных стилей эпохи заложило фундамент для более глубокого осмысления, творческого подхода к музыкальной культуре;
  
• 
  изобретено нотопечатание;
  
• 
  импровизация и музицирование выделились в отдельный вид духовной, культурной деятельности людей;
  
• 
  новое мироощущение отразилось в изменении фактуры произведений, число голосов увеличивается до четырех, шести и более;
  
• 
  достигаются определенные успехи в конструировании музыкальных инструментов;
  
• 
  танцы (для различных слоев населения) выражают определенные чувства человека, его настроение, мысли, отличаются свободой и достоинством.