Понятие искусства. Специфика искусства как способа художественного освоения действительности

XVIII в. отличается многообразием художественных стилей. Продолжают существовать старые и возникают новые направления: сентиментализм и предромантизм. Термин “сентиментализм” появился после опубликования в 1768 г. романа английского писателя Лоренса Стерна “Сентиментальное путешествие по Франции и Италии“ и обозначает чувствительность. Сентименталисты идеализировали душевный мир своих героев. Но в обществе были востребованы искренность, естественность, близость человека к природе. Таким образом углублялись противоречия, нарастали эгоизм и агрессия. Все виды искусства испытали на себе влияние нового стиля.

Вся образованная Франция 60-70-х гг. XVIII в. находилась под влиянием учения Руссо о преимуществах естественного.

Жан - Батист Грез (1725 -1805 гг.) становится самым популярным художником – сентименталистом. Каждая из его картин – это жанровая сцена и некое моральное поучение, отсюда такие названия его картин, как “Паралитик, за которым ухаживают его дети или плоды хорошего воспитания”. Выразительность колорита недоступна для Греза, также невыразителен и безлик его мазок. Для его картин характерна завуалированное сочетание сентиментальности и эротики. Произведения художника жеманны, часто он изображает женские “головки” – “Деревенская невеста”.

Портрет достигает развития в творчестве Элизабет – Луизы Виже – Лебрен (1755 – 1842 гг.). Её портреты, скорее, можно охарактеризовать как барочные, перешедшие из предыдущего столетия. Героини портретов отличаются нарочитой простотой.

Великим художником Франции, который прославил быт французского третьего сословия и опоэтизировал жизнь обычных людей, был Жан – Батист Симеон Шарден (1699 – 1779 гг.). Свою жизнь в искусстве он начал как мастер натюрморта. Одно время увлекался изображением дорогих красивых вещей. С годами его художественный язык достиг классической ясности. Его лучшие произведения созданы в 50 – 60 – е гг., среди них – ”Автопортрет с зелёным козырьком”, ”Атрибуты наук”, “Атрибуты искусств”.

Английское искусство XVIII в.

Английское искусство находилось в зависимости от чужеземных мастеров, но появляются и собственные крупные художники. В период с 1730-х и до 1830-х гг. английская национальная школа живописи и особенно графики вносит заметный вклад в художественную культуру Европы в трёх областях: в портрете, в пейзаже и карикатуре. В английской живописи совершенно не привился стиль барокко. Одним из любимых жанров англичан стал семейный групповой портрет, изображающий людей в повседневной обстановке, объединённых чаепитием или занятиями с детьми, по сути – это были жанровые картины.

Уильям Хогарт (1697 – 1764 гг.) родился в бедной семье типографского корректора в Лондоне, обучался у ювелира и гравёра по металлу, в 1724 г. начал заниматься в художественной школе. С конца 20 – х гг. начинается этап самостоятельного творчества. Хогарт создал множество гравюр, одна из ранних – “Пузыри южного моря”.

Идеи Просвещения о разумном устройстве общества и о необходимости борьбы с препятствиями на пути прогрессивного развития общества имели на него некоторое влияние, что отразилось в таких произведениях, как “Карьера проститутки”, сразу получившая широкую известность. Цикл из восьми листов ”Карьера мота”. Самый известный цикл Хогарта “Модный брак” состоял из шести картин. Один из последних циклов – “Парламентские выборы” – составлен из четырёх картин, отличающихся сатирической остротой и смелой живописью. Каждый цикл представлял развёрнутое повествование, а каждая отдельная картина в нём была самостоятельным эпизодом. В 1757 г. Хогарт стал придворным живописцем. В круг его интересов вошёл жанр портрета. Среди лучших портретных работ мастера – “Продавщица креветок”, ”Портрет графини Харрингтон”.

Томас Гейнсборо (1727 – 1788 гг.) родился в семье текстильного фабриканта, не был склонен к интеллектуальным занятиям, не любил городскую жизнь, жил и работал, главным образом, в атмосфере провинции. Искусство Гейнсборо эмоционально, лирично. Ему особенно удавались женские портреты – “Портрет дамы в голубом”. Он создал особый вид портрета, ограничивающий изображение туманным образом в зеркале. Самая знаменитая картина художника - ”Мальчик в голубом”.

Западноевропейское искусство XIX в.

Стиль ампир в искусстве Франции

Ампир – художественный стиль, созданный во Франции в эпоху империи Наполеона Бонапарта. Хронологические рамки ограничены концом правления Директории 1799 г. до реставрации во Франции власти Бурбонов в 1815 г. Наполеон стремился к тому, чтобы время его правления походило на римскую империю. Если классицизм ориентировался на греческую античность, то ампир – на искусство императорского Рима, а после похода в Египет 1798 – 1799 гг. – на культуру Древнего Египта. В отличие от классицизма ампир предполагал в композиции зданий контраст гладкой поверхности стены и узких орнаментальных поясов в местах, подчёркивающих конструкцию. В цветовой гамме ампиру свойственны красные, синие цвета и белое с золотом. Из эпохи античности ампир черпал, с одной стороны, монументальность, лаконизм, а с другой – идею утверждения имперского величия через посредство многочисленных атрибутов и символов. Широкое распространение получили в архитектуре массивные портики дорического и тосканского ордера. Поверхность зданий была украшена военной атрибутикой, главным образом римского происхождения: пучки стрел, венки, доспехи, легионерские знаки с орлами и т.д.

Пластические особенности древнеегипетского искусства нашли выражение в использовании больших нерасчленённых поверхностей стен, в геометрической правильности цельных объёмов зданий, в массивности пилонов и колонн. Для ампира характерными стали древнеегипетские орнаменты и изображения сфинксов. Стиль ампир отличался стремлением к величественности, возвеличивая, главным образом, власть оформлением интерьера, балдахинами, драпировками стен, монументальными кроватями, массивными зеркалами. Мебельщики предпочитали кубические формы, неким диссонансом выглядели кушетки с высоким плавно изогнутым изголовьем – “рекамье”, маленькие круглые столы на одной ножке, излюбленным материалом мебельщиков было красное дерево, а украшением - бронзовые накладки.

Живопись

Великим французским живописцем ампира был Жан Огюст Доменик Энгр (1780 – 1867 гг.). Он был учеником Давида. С 1806 г. по 1824 г. жил и работал в Италии. В 1834 г. был назначен директором Французской Академии. Его картины написаны на литературные и мифологические сюжеты – “Юпитер и Антиопа”, ”Апофеоз Гомера”. Энгр известен и как прекрасный портретист - ”Мадам Девосс”. Особую роль в творчестве Энгра играл гибкий, линейный рисунок.

Романтическое искусство характеризуется резким разрывом между идеалом и действительностью, в которой романтики не принимали страсти к стяжательству, склонности к мещанской жизни. Следствием оппозиционности к буржуазному обществу романтиков было их враждебное отношение и к искусству этого общества. Впервые термин “романтизм” применительно к живописи прозвучал в некрологе рано умершего художника Теодора Жерико (1791 – 1824 гг.). Художник был автором не многочисленных, но ярких картин – “Офицер конных стрелков перед атакой”, ”Раненный кирасир, уходящий с линии огня”, ”Сумасшедшая” (“Гиена Сальпетриера”). Наиболее известной является его картина “Плот Медузы”, изображающая гибель пассажирского корабля. Эта картина привлекла широкое внимание общественности, так как её сюжет символизировал катастрофу политического режима Реставрации.

Эжен Делакруа (1798 – 1863 гг.) в живописи сделал то же, что Бальзак в литературе. Он по - новому ставит вопрос о границах искусства и отстаивает принцип “многообразия прекрасного”. Художник вводит в живопись новые средства реалистического познания мира, его интересуют новые темы. Картина “Резня на Хиосе” посвящена одному из эпизодов освободительной борьбы Греции от турецкого ига. Темой “Сарданапала” послужила трагедия Байрона об ассирийском царе. Хорошо известен автопортрет художника 1824 г. Картина “Свобода, ведущая народ” показывает повстанцев на развалинах баррикад. Здесь сочетаются достоверность факта и символичность образов, реализм доведён до натурализма и провозглашён новый идеал красоты. Она долгое время служила символом Франции.

Эстетика романтизма, идеал двоемирия нашли отражение в жанре ночного пейзажа, который был особенно популярен в Германии.

Каспар Давид Фридрих (1774 – 1840 гг.). Ночной пейзаж отражён художником в картине “Двое, созерцающие луну”.

Пейзаж вообще был самым популярным жанром живописи романтиков, которых привлекал контраст между смятенной душой одинокого человека и грандиозностью природы.

Носителями стихии естественной свободы выступали у романтиков животные. На картинах Жерико и Делакруа часто изображались лошади. Мастером скульптурных изображений коней был Клодт.

Неприятие действительности обусловило внимание романтиков Востоку. Романтическому ориентализму отдали дань живописцы Делакруа, Жерико, Рунге, многие литераторы, среди которых на первом месте Байрон.

Тема человеческого духа нашла отражение в портретах художников – романтиков. Делакруа пишет портрет Шопена в состоянии внутренней сосредоточенности. Рунге создаёт семейный портрет “Мы втроём”, на котором изобразил себя, свою жену и брата.

Особое место в искусстве романтизма и всего XIX в. занимает творчество великого испанского художника Франсиско Гойи (1746 – 1828 гг.). Гойя родился около Сарагосы, его картины 70 – х гг. XVIII в. говорят о том, что он хорошо овладел традициями барокко. В 1792 г. художник перенёс тяжёлую болезнь, в результате которой потерял слух. Это стало причиной изменения тем и настроений его искусства. В 1794 г. он писал: “Чтобы занять воображение, подавленное зрелищем моих страданий и частично покрыть многочисленные, связанные с болезнью расходы, я принялся писать серию картин, в которых много места отведено наблюдениям, что, как правило, невозможно в заказных работах…” Среди этих картин – “Суд инквизиции”, “Капричос”, в которую включено 80 гравюр, изображающих жизнь Испании. Другая серия гравюр названа Гойей “Бедствия войны”, в ней 82 листа. Последней серией гравюр стала “Деспаратис”, 18 листов. В ней изображены сложные символы, монстры, чудовищные образы. В этой серии Гойя достигает предельной выразительности. Среди портретов художника известны такие работы, как “Автопортрет” (1799 г.), “Портрет Исабель Кобос де Порсель”, по заказу Карла IV художник создал “Портрет семьи короля Карла IV” в 1800 году. Гойя занимался не только живописью, но изготавливал гобелены в начальный период своего творчества. В 1780 г. он был избран в Академию. С этого же времени стал придворным художником. В мировое искусство вошёл как один из наиболее глубоких и самобытных творцов.

После 1815 г. ампир утрачивает свои позиции, архитекторы стремятся к обновлению выразительных средств. Одним из тех, кто внёс значительный вклад в изменение архитектуры, был Анри Лабруст (1801 – 1875 гг.) – создатель интерьера Библиотеки Святой Женевьевы. Он применяет ажурные металлические арки, металлоконструкции, с помощью чего организует пространство большого светлого помещения. Новаторство проявилось в том, что он использовал стеклянную стену, которой отделил читальный зал от книгохранилища. Наружный облик зданий Лабруст оставляет традиционным.

Примером инженерного зодчества стала стальная башня высотой 300 метров, спроектированная А.Г.Эйфелем (1832 – 1923 гг.) для всемирной выставки 1889 г. в Париже.

В конце XIX в получает распространение железобетон, на свойствах которого основано архитектурное конструирование XX в. Всё более широко начинают использоваться крупноблочные конструкции. Начинается серийное производство строительных блоков для жилых домов.

В период Второй Империи префект Парижа барон Осман начал перепланировку столицы Франции. От круглой площади звезды были проложены дополнительно к пяти имеющимся ещё семь магистралей, были расширены бульвары, возведены пять новых мостов через Сену, построено здание Парижской Оперы архитектором Шарлем Гарнье (1825 – 1898 гг.). Стиль Гарнье отличался фундаментальностью и эклектичностью декора.

Англия

Англия лидировала в промышленной архитектуре, в строительстве и в мостостроении. Англичане широко применяли металл в несущих конструкциях зданий и стекло для оранжерей и теплиц.

В 1851 г. для Международной выставки в Лондоне Джозеф Пэкстон (1801 – 1865 гг.) возвёл хрустальный дворец длиной 564 метра, использовав лёгкий металлический каркас. Этот же архитектор вместе с Бертоном создал Оранжерею Чатсуорт.

Новаторством отличался “Красный дом”, построенный Филиппом Уэббом.

Уильям Моррис основал мастерские для производства мебели, витражей, создал издательство, которое должно было выпускать высокохудожественные книги.

Реализм в европейском искусстве XIX в.

Реализм в широком смысле слова – метод художественного, объективного и всестороннего отображения действительности в искусстве. Возникает вместе с искусством, в ходе развития эволюционирует, приобретая всё новые и новые черты и формы. В искусствознании используют термины: “наивный реализм” для характеристики искусства первобытности, ”мифологический реализм” античности, “просветительский реализм” XVIII в. В XIX в. появляется новый тип реализма. Этот художественный метод перемещает интерес художников с внутренних переживаний человека на выявление причин, обусловливающих эти переживания. Возникает так называемый “критический реализм”.

Термин “реализм” впервые применён к произведениям художественной культуры французским литературным критиком Жаном Шанфлери, который использовал его для противопоставления романтизму. Наиболее полно принципы реализма воплотились в литературе, в живописи реалистический метод способствовал развитию бытового жанра, а также портрета и пейзажа. Одним из совершеннейших рисовальщиков XIX в. был Оноре Домье (1808 – 1878 гг.). Он родился в Марселе в семье стекольщика. В 8 лет с семьёй переехал в Париж. Изобретённая в 1796 г. литография во Францию проникла позже, но была очень востребована в этой стране. Литографический способ воспроизведения позволял быстрее и дешевле создавать изображения. Революция во Франции 1830 г. способствовала тому, что литография стала очень популярной. Домье стал выдающимся мастером. Он сотрудничал с различными журналами, создавал злободневные политические карикатуры. Среди них большая литография – “Улица Транснонен 14 апреля 1834 г.”, которая стала вершиной его творчества (литография конфискована полицией). После запрета во Франции политической карикатуры в 1835 г. Домье нашёл новые темы. Он создаёт серии “День холостяка”, “Парижские переживания”, особое место в его творчестве занимает серия ”Древняя история”, в которой события предстают в комическом виде. Новый расцвет творчества Домье начинается на исходе 40 – х гг. Он создаёт серии “Добрые буржуа”, ”Люди юстиции”, “Синие чулки”. Венцом политических карикатур Домье сала гравюра “Король Неаполя”. Домье работал и как живописец.

Жан – Батист Камиль Коро (1796 – 1875 гг.) ставил своей задачей добиться передачи естественного освещения. Его работы отличаются продуманной композицией. В начале 1850 – х гг. Коро начинают привлекать переходные состояния природы. Он варьирует один и тот же мотив (“Порыв ветра”).

В этот же период работают художники: Теодор Руссо (1812 – 1867 гг.), Шарль Франсуа Добиньи (1817 – 1878 гг.), Жан Франсуа Милле (1814 – 1875 гг.), Гюстав Курбе (1819 – 1877 гг.). С именем Курбе связывают появление во французском искусстве социальной типизации и подчёркнуто критического отношения ко многим сторонам общественной жизни Франции.

Искусство Англии

Крупнейшим английским пейзажистом начала века был Джозеф Миллорд Уильям Тернер (1775 – 1851 гг.) – художник, оставивший огромное творческое наследие. Для его романтических пейзажей характерна тонкая передача проявлений стихии дождя, тумана, шторма.

В 40 – е гг. возникло содружество так называемых прерафаэлитов, которые выступали против академизма, отрицали дух индустриализма. Свой идеал они видели в искусстве раннего средневековья и Ренессанса дорафаэлевского времени. Идеологом объединения был Джон Рёскин (1819 – 1900 гг.) – писатель, теоретик искусства. Он опирался на этический принцип единства красоты и добра.

Уильям Моррис (1834 – 1896 гг.) - близкий к Рёскину по взглядам теоретик искусства, художник, поэт. Он пропагандировал возврат к ремесленному труду, организовал художественно-промышленные мастерские по изготовлению произведений декоративно-прикладного искусства.

Импрессионизм – направление в искусстве последней трети XIX в. – начала XX в. Представители этого направления стремились естественно и непредвзято запечатлеть изменчивость мира и мимолётность впечатлений. Происхождение термина связано с названием одной из картин К.Моне. В каталоге выставки она была обозначена “Впечатление. Восход солнца”. Выставка состоялась весной 1874г. Она положила начало движению молодых художников, в которое входили Ренуар, Мане, Писсаро, Сислей, Дега, Сезанн и Берта Моризо. В противоположность канонам академического искусства они перестали разделять предметы на главные и второстепенные, изгнали из картин повествовательность, предельно упростили сюжет. Импрессионисты сосредоточились на изучении природы света. Отказались от тёмных теней, применяли раздельные мазки, которые вызывали ощущение световой вибрации. Их картины были подобны выхваченному из окружающей действительности кадру. Их живопись внесла в искусство свежесть и непосредственность в восприятии жизни. Импрессионисты первыми начали работать на открытом воздухе. У импрессионистов не было программы, их объединяло только непринятие академического искусства, реализма. Излюбленным жанром импрессионистов был пейзаж. Наиболее известны картины импрессионистов Э.Мане “Бар в Фоли - Бержер”, К.Моне ”Дама в саду”, Э.Дега ”Две танцовщицы”, П.О. Ренуар “Ложа”, “Портрет актрисы Жанны Самари”, Ж.Сера “Пудрящаяся женщина” (“Портрет Мадлен Кноблох”).

Постимпрессионизм

Собирательное наименование нескольких направлений французского искусства конца XIX – начала XX вв., не разделявших импрессионистского стремления передать сиюминутные впечатления действительности. Понятие “постимпрессионизм” применяется к живописи 80-90-х гг., представленной, прежде всего, Анри де Тулуз Лотреком (1864 – 1901 гг.), Полем Гогеном (1848 – 1903 гг.), Полем Сезанном (1839 – 1906 гг.), Винсентом Ван Гогом (1853 – 1890гг.).

Импрессионистов и постимпрессионистов сближало оппозиционное отношение к официальному буржуазному искусству и образу жизни. Постимпрессионисты в восприятии жизни были убеждёнными пессимистами, ничего хорошего в мире они уже не видели, чем отличались от импрессионистов.

Анри де Тулуз Лотрек в образе мсье Буало показал наглого, вульгарного буржуа – “Мсье Буало в кафе”. Постимпрессионистов пугала городская индустриальная цивилизация. Они пытались укрыться от неё, что привело Гогена на Таити, Ван Гога в Боринаже, где горняки приняли его за явившегося в их беспросветный мир Христа. Этих художников привлекал доцивилизационный, примитивный мир. Ва Гог уже в 1881 – 1886 гг. стремился создавать картины для тех “кто не умеет красиво говорить”.

В творчестве постимпрессионистов отсутствует ренессансная идея о центральном месте человека в мире.

Поль Сезанн родился в Провансе в семье зажиточного крестьянина, рано начал проявлять склонность к занятиям живописью, что привело его в Париж. Он писал о себе: “Меня влечёт к себе небо и безграничность природы.” Сезанн необычайно расширял второй план картины, что создавало эффект “вздыбленности” пространства. Весь мир художник рассматривал как формы одной и той же материи. Сезанн называл все предметы неодушевлённого мира существами, имеющими свой язык. Характерными для его творчества в этом отношении являются картины: “Персики и груши”, ”Гора Сент - Виктуар”, ”Купальщицы”, знаменитый автопортрет художника 1880 г. находится в Государственном музее изобразительных искусств им.А.С.Пушкина в Москве.

Винсент Ван Гог прожил очень сложную жизнь. В середине 80 – х гг. XIX в. приехал в Париж, где познакомился с творчеством импрессионистов. В 1888 г. уезжает в Арль, где его творчество переживает период быстрого и короткого взлёта. Здесь же, после ссоры с Полем Гогеном, Ван Гог отсекает себе левое ухо и попадает в клинику для душевнобольных. Здесь он продолжает работать в период просветления рассудка. Будучи не в состоянии вынести душевных мук, он пытается покончить с собой. В июле 1890 г. очередная попытка самоубийства художнику удалась. Для Ван Гога было неприемлемо понятие мёртвой натуры. Он расширил рамки натюрморта. На его картинах видно как поворачиваются к солнцу подсолнухи и тянутся к небу кипарисы. Художник оставил свой автопортрет 1889 г. Замечательны его картины “Едоки картофеля” и, написанные в совершенно другой манере, “Звёздная ночь” и “Море”.

Поль Гоген родился в Париже, детство провёл в Перу, вернувшись в Париж сделал карьеру биржевого маклера, женился, стал отцом многочисленного семейства. Оставил семью, занялся исключительно живописью. Некоторое время жил в Панаме и на Мартинике. Принадлежал к импрессионизму до 1891 г. После чего перешёл к плоскостному построению картин из равно окрашенных силуэтов. У Гогена был особый метод работы: он рассматривал какой-либо мотив, возвращаясь к нему несколько раз, и приступал к работе только тогда, когда знал его наизусть. Его кредо – писать, не исправляя, за один сеанс. В 1891 г. он отправился на Таити, где стремился найти и изобразить земной рай среди девственной природы. Умер на Таити в глубокой нищете.

Наиболее известны из его картин “Видéние после проповеди” (“Иаков, борющийся с ангелом”), “Женщина, держащая плод” – хранится в Государственном Эрмитаже, относится к последнему периоду его творчества.

Анри де Тулуз Лотрек Монфа принадлежал к древнему аристократическому роду графов Тулузских. Тяжёлая болезнь сделала его инвалидом ещё в детстве, но он нашёл в себе силы всю жизнь много и упорно работать. Своих героев художник отыскивал на скачках, в притонах, в кабаках. Важную роль в его живописи играет контур, линия. Возможно, поэтому ему удалось превратить в произведения искусства даже афишу. Известнейшее полотно Тулуз Лотрека – “В «Мулен Руж»”. Тулуз Лотрек усиливает динамические возможности, используя контур, силуэт, освещение и композицию как основные выразительные средства своей живописи.

Художники – постимпрессионисты оказали самое решающее влияние на художников последующих поколений.

Символизм в европейском искусстве конца XIX в.

Символизм возник одновременно с пуантилизмом Сёра и Синьяка и противоположен ему. В основе этого направления лежал образ-символ, выражающий в аллегорической форме скрытый смысл художественного произведения.

Символисты провозглашали уход от объективной действительности, придерживаясь философского принципа, который “допускает существование мира только как представления”, а “реальность может служить для искусства лишь отправной точкой”. Автором “Манифеста символизма” был Жан Мореас.

В живописи символизм не был однородным явлением. Некоторые художники предпочитали аллегории и фантастические образы – Одилон Редон (1840 – 1916гг.). Другие писали вполне реалистично, вкладывая в сюжеты универсальное символическое содержание.

Наиболее яркими представителями в живописи являются:

Гюстав Моро (1826 – 1898 гг.). В своём раннем творчестве Моро в основном использовал религиозные и мифологические сюжеты, придавая им загадочность, многозначительность, “глубокую и неуловимую тайну”. Позже к мифологическим персонажам добавляются образы, созданные только воображением художника. Моро обладал великолепным даром колориста, подчас его живопись напоминает драгоценную вышивку – “Явление”.

Пьер Пюви де Шаванн (1824 – 1898 гг.) в отличие от красочных фантасмагорий Моро, образы Пюви де Шаванна, кажется, сошли с классицистических полотен. Его персонифицированные аллегории напоминают декоративные панно – “Надежда”.

Одилон Редон (1840 – 1916 гг.) родился в Бордо, обучался в Париже архитектуре, работал в графике – углём, затем в чёрно-белой литографии. Считал, что линия и светотень способны наилучшим образом передать душевные состояния. По его мнению, чёрный цвет – это “сама жизненная сила человеческого существа, которая выплёскивает из себя его энергию, частицы его ума и души”. Свет у Редона – символ духовности. Типичные для Редона символы – свет, глаз, растение, человеческая голова. В 80 – е гг. он выпускает литографические серии “Памяти Гойи”, “Гюставу Флоберу”, “Цветы зла”. В 90 – е гг. Редон работает как живописец в технике пастели и масляной живописи. Тема его картин – молчание – “Закрытые глаза”, ”Размышление”. Для живописи Редона начала XX века становится типичным сопоставление человеческого профиля с цветком.

В 1889 г. возникло объединение молодых художников – символистов “Наби”. Художники, входящие в группу, увлекались философией, театром, музыкой, были хорошо образованы, особый интерес проявляли к учениям древнего Востока. Деятельность членов кружка была окружена тайной, они пользовались тайнописью, каждый из них получал ритуальное имя. В сферу их интересов входило декоративно – прикладное искусство – керамика, фарфор, ковроткачество, витражи. Теоретиками группы были Морис Дени и Поль Серюзье, которые стремились обобщить опыт сакрального искусства.