Одна из самых ярких и чарующих личностей русского искусства

П. А. Федотов, великий художник, "одна из самых ярких и чарующих личностей русского искусства" (А. Н. Бенуа), не получил законченного художественного образования и может считаться самоучкой. Родился он в семье мелкого чиновника. В 1826 г. поступил в московский Кадетский корпус, где занимался очень прилежно, и за успехи был при выпуске зачислен в гвардию. Начав службу в лейб-гвардии Финляндском полку (1834), он проявил себя как примерный офицер и мог рассчитывать на удачную карьеру, однако страсть к искусству перевернула его жизнь. Еще кадетом Федотов увлекся рисованием, но оно, наряду с сочинением стихов и пением под гитару, долго служило ему лишь средством скоротать досуг: он создавал самые различные зарисовки на привычные для него темы: муштра в корпусе, полковые учения, лагерная служба, карикатуры, портреты друзей в рисунке и технике акварели.

Из работ этого времени можно назвать такие, как «П.А.Федотов и его товарищи по лейб-гвардии Финляндскому полку» 1840, «Передняя частного пристава накануне большого праздника.» 1837, «Портрет М.М.Родивановского» 1836, и другие. В акварелях начинающий художник нарабатывал специфику композиционного решения своих будущих картин. В работах данного периода превалирует трезвая наблюдательность, зачастую художник использует принцип театрального действа.

Посещение вечерних классов при Академии Художеств и настойчивая самостоятельная работа расширили его возможности и пробудили желание стать художником. Некоторое время он пытался совмещать творчество со службой, исполняя картинки из жизни военных, но тяга к искусству стала непреодолимой, и после мучительных колебаний он вышел в отставку (1844). В результате своего отчаянного поступка Федотов лишался не только карьеры, но и надежного источника существования. На жизнь и немалые профессиональные расходы у него была только скромная пенсия, половину которой он отсылал родным, бедствовавшим в Москве.

Живя в аскетическом уединении, трудясь без устали, он затеял серию сатирических нравоучительных рисунков, предполагая впоследствии перевести их в картины, по примеру английского художника У. Хогарта. Федотов стремился превзойти и затмить Хогарта. Он выполняет ряд жанровых сценок в технике сепии, которая сделала его популярным. Также популярности сюжетов способствовал и тот факт, что большинство работ приобретали карикатурные черты. Сатирически-обличительный подтекст имели и названия работ: «Первая ночь обманутого молодого», «Кончина Фидельки», «Последствия смерти Фидельки», «Бедной девушки краса – смертная коса» и др.

Различия между Федотовым и Хогартом определил Карл Брюллов, говоривший Федотову: «У него – карикатура, а у Вас – натура!»

«Сепиями был зафиксирован перелом к критическому реализму, которому предстояла долгая жизнь в русской живописи.»¹

Анализируя сепии Федотова, Д.В.Сарабьянов отмечает изменения в трактовке движения как более активизированные, акцентированные, подчас преувеличенные, разнонаправленные.

Из композиционных особенностей этих работ Федотова можно отметить глубокое сценическое пространство, многопредметность, перегруженность композиции, тенденция к нарративу, театрализация сцен.

К работе над образами героев, насыщающих интерьеры живописных помещений, Федотов подходил с присущей ему внимательностью и наблюдательной точностью, правдиво показывая зрителю бытовые нравы общества в конкретике лиц. Художник остро чувствовал проявления несправедливости, лицемерности морали общества, в котором ему довелось жить. Глубина переживаний мастера нашла выход на его полотнах, где переплелись человеческие отношения, страсти, ежедневная суета, трагическое одиночество людей. Через сатиру и обличение нравов, сочувствие обездоленным, в своих графических работах, впервые в русской живописи, Федотов сформулировал программу критического реализма.

Сюжет одного рисунка из серии Федотов использовал в первой своей картине - "Свежий кавалер". Утро чиновника, получившего первый Крестик" (1846). Перед зрителем раскрывается образ петербургского чиновника 30-х годов: неубранная теснота комнаты противопоставляется герою, чванливо стоящему в позе римского императора, с папильотками на голове. Здесь все гротескно: герой - бос, халат – рван ( пародирует императорскую тогу), окружающие предметы обличают и критикуют героя – пустого и никчемного человека. Укором выглядит рваный сапог, приближенно изображенный к свежеполученной медальке, который протягивает прислуживающая девушка. Везде следы недавней пирушки и былого веселья.

Небольшой, но живописный рассказ, Федотов превращает в обобщенную картину нравов чиновничьего сословия.

Для создания картины Федотов в течение года самостоятельно освоил технику масляной живописи. Необходимую практику он получал по-своему - делая очень маленькие (около 20 см по высоте) портреты друзей и знакомых. Здесь он интуитивно набрел на незнакомый тому времени жанр портрета-этюда, который распространится лишь в конце XIX в. Такие портреты он продолжал исполнять и позднее; некоторые из них, скажем "Портрет Н. П. Жданович за фортепьяно" (1849), признаны выдающимися. Картина "Свежий кавалер" - первое в русской живописи произведение бытового жанра, впоследствии породившее немало подражаний. Она примечательна реалистической точностью в изображении действительности. Все же в ее замысле еще заметна прямолинейная назидательность ("поучать обличая"), в построении - перегруженность и некоторая карикатурность, а в цвете - пестрота и перечерненность. Но уже в следующей картине - "Разборчивая невеста" (1847), - представляющей собою иллюстрацию к басне И. А. Крылова, Федотов продемонстрировал отличное владение живописью и тонкость психологических характеристик. В данной работе находит применение эмалевость живописной поверхности, как у любимых художником голландцев, изменяется отношение художника к предметам. Любовно и тонко, с большой точностью выписаны предметы интерьера, множество различных деталей. Пространство уже более упорядочено, более сложно по организации: зритель одновременно наблюдает две сцены в соседних комнатах. Композиция картины разворачивается по горизонтали, появляется панорамность. Этот прием станет ключевым для творчества Федотова.

Перед зрителем сцена «юности», разыгрываемая взрослыми людьми. Невеста уже не молода, жених – горбун, но Федотов гуманен к своим героям, он как бы высказывает мысль, что виноваты не люди, а общие законы жизни. Через дверной проем зрителю предстает закулисная сторона действа – родители невесты, истово радующиеся состоявшемуся событию.

К. П. Брюллов, чей авторитет был неоспорим, одобрил обе картины и помог Федотову ценными советами. Вершиной творчества Федотова и самым известным его произведением стала третья картина - "Сватовство майора" (1848). По-своему использовав опыт академической живописи, художник сумел так построить композицию, что изображенная сцена выглядела естественно и одновременно по театральному выразительно. Персонажи и отношения между ними были психологически точны и убедительны. Добрый юмор и сочувствие людям перекрывали ноту сатирического осуждения, а высочайшее совершенство живописи заставляло наслаждаться изображением. Метод работы над реалистической картиной, открытый Федотовым в "Сватовстве майора", надолго вошел в практику русских художников. Картина подводит своеобразный итог творчества художника в 1840-е годы. Впервые в русской живописи затронута тема брака по расчету, воплощаемому честолюбием и корыстью людей. Павел Федотов просто и убедительно рассказывает историю незамысловатую, но характеризующую свое время.

Опять перед зрителем разделенное пространство, и сюжет развивается в двух сценах. Двери в изображенной сцене – говорящая деталь – «…знак непрерывно сменяющихся сценок житейских ситуаций».² Дверной проем освещается художником намеренно: как в раме предстает зрителю сам жених – бравый майор, знающий себе цену, и уверенный в неотразимости собственной персоны. Ему лестен вызванный в купеческом семействе переполох.

Пространство парадной комнаты, где будут принимать будущего зятя, развито вглубь. Художник точно передает атмосферу купеческого быта, подробно и любовно создавая интерьер комнаты: расписной потолок, фамильные портреты в золоченых рамах на стенах, мерцающий хрусталь люстры. Удивительно точно удается Федотову передача фактур и материалов: тут и матовость паркета на полу, легкий блеск лаковых стульев, прозрачность посудного стекла, текучесть и переливы шелка и кружев.

Федотов выступает в роли режиссера, мастерски расставляя персонажи действа. Обилие действующих лиц не создает хаотичности: «вся жизнь – театр, а люди в ней – актеры». Точным жестом, поворотом фигур, мимической пластикой лиц изображает Федотов живость происходящего. Реакция каждого персонажа сиюминутна, вызвана тотчас, непосредственно, предстает в логическом развитии: суетливость свахи, неловкость отца невесты, решительность и практицизм матери, жеманство будущей супруги, перешептывание служанок. Все в доме, включая кошку на первом плане картины, посвящены в исход дела.

Взгляд зрителя как бы считывает картинное пространство, раскрывая для себя характер и намерения каждого лица, занятого в действии, каждой вещи, предмета.

Осенью 1848 г. Федотов представил эту картину Совету Академии Художеств и получил за нее звание академика "по живописи домашних сцен". Год спустя она была показана вместе с двумя первыми картинами на трехгодичной выставке АХ и имела поистине сенсационный успех, зрители не отходили от нее. Не меньший успех она имела и в Москве, где Федотов провел четыре месяца в начале 1850 г. Там же он успел закончить и свою следующую картину - "Не в пору гость" (или "Завтрак аристократа"). Триумф "Сватовства майора" был высшей точкой в жизни художника.

Анализируя композиционные особенности таких работ как «Свежий кавалер», «Разборчивая невеста» и «Сватовство майора», становится заметна эволюция художника. Так в «Свежем кавалере» мы практически не видим действия, тогда как в «Разборчивой невесте» действие начинает разворачиваться в конкретном времени, а в «Сватовстве майора» действие подобно раскручивающейся пружине и вбирает в себя большое количество персонажей. Вводя много действующих лиц в картину, Федотов усложняет задачу: персонажи не просто вовлечены в событие, а по сути дела реализуют событие. Движение в картине начинается от статичной фигуры майора, и достигает кульминации в движении убегающей невесты. Движение разворачивается волнообразно, вовлекая фигуры персонажей в определенной очередности. Кульминация действия приходится на центр холста, где рука матери останавливает сбегающую невесту, но и остановленное действие может иметь перспективу, и сам Федотов в рацее говорит: « И вот извольте посмотреть, как наша пташка хочет улететь», указывая на движение невесты в сторону открытой двери. Перспектива присутствует и для других персонажей сцены – возможность посплетничать о происходящем сватовстве за пределами дома, разнеся эту новость по округе. Особенностью федотовского действия в данной картине является его одномоментность при видимом разделении действия на различные фазы, которые являются фазами логической последовательности, а не временными.

Картина «Сватовство майора» явилась итоговой для творчества Павла Федотова в 1840-е годы.

Последние два года существования Федотова достаточно загадочны. Доброжелательный и общительный по природе, он замкнулся в одиночестве, безуспешно пытаясь бороться с нуждой. Потерпели неудачу попытки репродуцировать с помощью литографии собственные картины и издать серию своих великолепных иронических рисунков на темы городской жизни. В то же время, как бы торопясь высказаться, Федотов лихорадочно работал над несколькими картинами, в которых ставил задачи, совершенно новые для него самого и для всей русской живописи. Большинство из них объединяло стремление художника выйти за пределы непосредственно видимого глазом и объяснимого рассудком. Вот почему к ним в той или иной мере приложимо понятие "фантастический реализм".

Еще один этап творчества начинается в 1851 году картиной «Вдовушка».

Картину "Вдовушка" он исполнил в разных вариантах (1851-52), упорно и последовательно стремясь к волновавшей его цели - показать в сломленной несчастьем женщине неземное, подобное ангелу, существо, поднимающееся над земными страстями и страданиями. В этой работе найдет отражение автобиографическая сторона существования самого художника, это будет иллюстрация непростой жизни его сестры. Создавая такой драматический образ молодой женщины, художник апеллирует к зрителю на ином языке: здесь нет прежних забавных и поучительных историй, нет увещеваний и морали. Путем однофигурной композиции художник передал одиночество и безысходность состояния героини, замешательство и растерянность перед жизнью, само пространство полотна олицетворяет общее настроение картины – тихий драматизм. Предметный мир, так тщательно передаваемый в более ранних картинах Федотова, как бы растворяется в рассеянном дневном свете. Героиня предстает страдающей, особая кротость выражена во всем ее облике. Палитра Федотова изысканно-сложная, максимально выразительная, колористическое решение несет в себе дополнительную эмоциональную нагрузку. Федотов озвучивает тему положения женщины в обществе, взывая к зрителю всей мощью своего дарования. Игорь Долгополов напишет о Федотове: «Пожалуй, никто до него в искусстве так глубоко не проник в мир загнанной в тупик души.»³

Блестящим завершением эволюции творчества Павла Федотова стала картина «Анкор, еще анкор!» (1851г.) В этой картине получает дальнейшее развитие тема человеческого одиночества, но появляется новый аспект – тоска, скука, безысходность. На глазах зрителя в небольшом полотне разворачивается трагедия – будни в провинции оборачиваются для молодого офицера бессмысленным занятием – он пьян, и в тоске гоняет несчастного пуделя взад-вперед, заставляя его прыгать через палку в тесной каморке.

Содержание картины аллегорично: это душа человеческая мечется в тоске и безысходности, вынужденная убивать отведенное ей время жизни, лучшие годы, честолюбивые замыслы, светлые надежды... Все в интерьере кричит о бессмысленности человеческого существования. Главный герой картины у Федотова не человек – тоска и безнадега. Это блестяще показано через колорит работы: сочетание красновато-коричневых тонов интерьера и холодного, интенсивно синего квадратика неба в небольшом окне. Все богатство переходов и рефлексов полотна, горящие тона, вызывают тревожность, ощущение спертости атмосферы. Монохромия и отсутствие интереса к фактуре отличают последние картины Федотова.

Цвет, свет и тьма в данной работе определяют пространство картины как эмоционально-смысловую доминанту. Тьма поглощает отдельные предметы обстановки помещения, подбираясь к свече…

Меняется мир вещей – каждая конкретизирует ситуацию, обостряет. Единственный прорыв в мир – светящееся голубоватым светом окно – но в нем виден еще один дом, в котором, вероятно, также разыгрывается драма человеческой жизни…

Частный сюжет обобщается и получает общечеловеческое звучание, обнажив поистине национальную трагедию.

В картине "Анкор, еще анкор!" художник передал всю нелепость лишенного смысла существования, губящего человеческую душу.

В картине "Игроки" (1852) Федотов попытался изобразить происходящее не объективно, а с точки зрения проигравшегося героя, которому его партнеры кажутся страшными фантомами. В картине тема карточной игры развивается в загадочное драматическое действие. Странная комната освещена свечами, отчего вокруг пляшут зловещие тени. Игра закончена, и трое игроков встали, разминая затёкшие от долгого сидения тела. Лиц у них как будто нет. Можно рассмотреть лишь лицо проигравшего, который сидит за столом в оцепенении. Он похож на Федотова. На стене висят пустые рамы — три игрока словно вышли из них.

Эта работа, как и «Анкор, еще анкор!», содержит образ страшного, искалеченного мира, который деформируется, двоится, теряет четкие очертания и превращается в мир теней и отражений.

В подготовительных рисунках к этой работе он предвосхитил искания художников конца XIX и начала XX в. (в частности, М. А. Врубеля). Написав между делом, прямо из окна комнаты, свой единственный пейзаж "Зимний день. 20-я линия Васильевского острова", он и в нем явился вестником будущей реалистической пейзажной живописи.

Постоянная нищета, многолетнее переутомление, нервное напряжение и крушение прекраснодушных иллюзий сказались роковым образом. Весной 1852 г. у Федотова обнаружились признаки психического расстройства. В июне его поместили в частную лечебницу, в сентябре перевели в казенную больницу, но здоровье ухудшалось, и 14 ноября художника не стало. Имя Федотова всегда почиталось высоко, но главным образом за ранние работы и особенно за "Сватовство майора", в котором он впервые решительно проложил реальности дорогу в русскую живопись, став родоначальником бытового жанра и предшественником художников-передвижников, явившихся четверть века спустя. В поздних же работах он так разительно обогнал свое время, что их долго не понимали - воспринимали сдержанно, недоуменно, даже скептически, - и лишь много позднее прояснился смысл и определилось значение его удивительных прозрений.

Особый раздел составляет портретное творчество Федотова. Первые портреты Федотов создает в технике акварели еще на воинской службе. В 1830-е годы акварельный портрет был одной из самых модных форм графики. «Именно в этом жанре изобразительного искусства дилетантский уровень приближался к профессиональному.».⁴ Федотовская ирония тут сходит на нет, уступая место спокойному, созерцательному вниманию: сперва обстоятельно-описательному [акварель "Прогулка" (портрет самого художника с родителями), 1837, Третьяковская галерея], затем все более тонко подмечающему не только сам характер, но и особенности внутренней жизни модели – «Портрет А.И.Федотова, отца художника»(1837), "Писательница Е. П. Ростопчина", около 1850, ГТГ.

В 1840-х годах в портретном творчестве Федотова определенное место занимает графический портрет. В портрете путь Федотова был легче, чем в других жанрах, т.к. в портрете Федотов не преодолевал отрицание поэтического мироощущения. Федотов продолжил в графическом портрете ранее начатую линию рисуночных портретов, создав прекрасные портреты – «Портрет поручика И.Е.Львова» (1846), «Портрет Амалии Легран»(1846-47), в которых язык рисунка стал прямым носителем содержания образа. Чуть более картинны портреты Шишмаревых, датируемые 1849 годом, но художник, сосредотачиваясь на лице и фигуре, добивается графической ясности и линейной выразительности.

К шедеврам русской живописи середины 19 в. принадлежит уже упоминаемый "Портрет Н. П. Жданович за клавесином" (1849, Русский музей), полный светлой, лирической грации. В этом портрете Федотов органично соединяет две задачи – портретную и жанровую. Жанровый элемент акцентирован воссозданием среды, обилием деталей окружающих модель.

Портретную задачу Федотов решает через поворот головы девушки и направление ее взгляда в сторону зрителя. Взгляд девушки исполнен сложных душевных переживаний, раздумий. Художник чуток и душевно тонок в передаче состояния своей модели, он чрезвычайно внимателен к ее внутреннему миру. Федотов не изображает свою модель в традиционном положении в «фас», он ищет для нее новую формулу, новое положение, которое Сарабьянов назвал «линейный модуль», обращая внимание на то, что силуэт фигуры передается гибкой линией, повторяющейся в контуре кресла, абрисе рук. По-особому решает Федотов и колористический строй картины: живописная гамма строится на мягких переходах и соотношениях голубых, желтых, белых и коричневых тонов, некоторым контрастом с которыми звучит темнота волос модели. Бело-голубая фигура девушки помещена художником в коричневую оправу.

В 1850 году Федотов пишет посмертный портрет Е.Г.Флуга, внося в него новые черты, характерные для позднего творчества Федотова. Образ пожилого человека, появляющийся из темноты, замкнут и отстранен от окружающего мира. Если в более ранних портретах Федотов создавал камерные, лишенные парадности образы, то в этом портрете появляется иная художественная задача – живописными средствами художник передает ощущение надвигающейся смерти, небытия. Уже в этой работе чувствуется тот приближающийся перелом в судьбе самого художника, смена его мироощущения.

Д.В.Сарабьянов в своем исследовании творчества П.Федотова отмечает, что « в судьбе Федотова, в его произведениях, в галерее созданных им образов 40-е годы отразились, как в зеркале. Люди, события, ситуации того времени легко узнавали себя в этом зеркале./…/ Всеобщее распространение общественной лжи, которая обволакивала человеческие взаимоотношения,/…/, стало своеобразной эпидемией неизлечимой общественной болезни.»⁵

Федотов своим творчеством изобличал тенденции в обществе, каждый раз относясь к изображаемым героям своих полотен с особым вниманием, иногда состраданием и сочувствием. Создается впечатление, что сам художник ставил себя на место своих героев, рассказывал свою историю, особенно это можно отнести к последним работам. Именно эта личностность подхода Федотова и определила понятность и доступность его живописи, раскрыла грани его таланта.

Завтрак аристократа, 1851 Третьяковская галерея, Москва			Свежий кавалер, 1848 Третьяковская галерея, Москва
Сватовство майора, 1848 Третьяковская галерея, Москва			Разборчивая невеста, 1847 Третьяковская галерея, Москва

Вдовушка 1851	Портрет Надежды Петровны Жданович за фортепьяно, 1849	Офицер и денщик 1850	Портрет Егора Гавриловича Флуга, 1848

Игроки 1852	Львица 1849	Все холера виновата! 1848	Бивуак лейб-гвардии Финляндского полка, 1843

Василий Перов ( первоначально носил фамилию своего крестного отца -Васильев) родился в 1833 году в Тобольске (незаконный сын барона Г.Криденера), до брака своих родителей. Перов – не родовое имя, а превратившаяся в фамилию кличка, связанная с прекрасной каллиграфией мальчика.

Вскоре семья переехала в Арзамас, там была новая служба отца. В 1846-49 годах Перов учился в худож. школе А.Ступина в Арзамасе, где культивировалась строгая натура.

В 1852 году Перов переезжает в Москву, а в 1853 году поступает в Академию живописи, ваяния и зодчества, где учится до 1862 года. Положение студента Перова было тяжелым, средств к существованию практически не было ( отец разорился), но преподаватель училища Е.Васильев предложил Перову свои стол и квартиру, за что художник остался благодарен на всю жизнь. Учителями В.Перова были художники М. И. Скотти, А. Н. Мокрицкий и С. К. Зарянко. Вместе с ним учился будущий известный художник И. М. Прянишников. Большое влияние на художественный стиль В. Г. Перова оказали графические работы П. А. Федотова и английского художника У. Хогарта.

В годы ученичества В. Г. Перов много внимания уделяет социальной проблематике. Главными героями его картин становятся простые люди, главными сюжетами – обычная жизнь. Его ранние работы проникнуты сатирой, желанием показать окружающую действительность в реальном свете. Художнику это хорошо удается, его картины пользуются большой популярностью на выставках. В 1858 году картина «Приезд станового на следствие» была удостоена большой серебряной медали. За картины «Сын дьячка, произведенный в первый чин» и «Сцена на могиле», написанные в 1860 году, В. Г. Перов получил малую золотую медаль, за «Проповедь на селе», написанную в 1861 году, –  большую золотую медаль и право на стажировку за границей.

В 1861 году В. Г. Перов работает над картиной «Сельский крестный ход на Пасхе». Она была выставлена в Обществе поощрения художников в 1862 году и почти сразу же запрещена из-за своей сатирически обличительной направленности.

Как бы продолжая традицию «говорящей детали» Федотова, Перов вводит в полотно свои говорящие детали: перевернутую икону у пьяного старика, раздавленное пасхальное яйцо, молитвенник, упавший в грязь. Большую часть холста занимает небо – оно имеет символическое звучание для всего замысла картины. Перов также использует композиционный прием, сближающий данную работу с ивановским «Явлением Христа народу» - барельефное расположение персонажей, позволяющее рассматривать их последовательно.

М.Алпатов писал об этой картине: «Перов был первым и крупнейшим нашим обличителем в жанровой живописи. В своих картинах он достигает неведомой до него силы воздействия./…/ Между тем фигура пьяного попа в картине Перова «Сельский крестный ход на Пасхе» одна могла бы составить содержание целой картины./…/ В пьяном попе Перова все, вплоть до грязных его ногтей, точно нарисовано. Тщательно выписана его грузная, пузатая фигура, одутловатое лицо, спутанная борода, осовелые глаза, малиновая ряса. Голая, неприкрашенная правда, неподкупный приговор. Фигура как олицетворение всего «темного царства».⁶

В этой картине художник критикует бездуховность служителей церкви и невежество народа. Эта же тема прослеживается в картине «Чаепитие в Мытищах» (1862). Перов изобразил георгиевского кавалера, - колченогого слепого с мальчиком- поводырем, просящих милостыню у стола служителя церкви. Перов языком живописи борется с продажностью церкви, посвящая этой идее целый цикл картин: «Проповедь на селе», «Сельский крестный ход на Пасхе»

В 1862 году В. Г. Перов едет в Париж в качестве пенсионера Академии художеств. Здесь он пишет эскизы «Продавец Песенников», «Парижское гулянье. Внутренность балагана во время представления» (1863) и картины «Шарманщик» (1863), «Парижские тряпичники», «Нищие на бульваре», «Музыканты и зеваки», «Савояр» (1864). К сожалению, все работы этого периода не закончены.

Перов по-своему изображал парижских обездоленных и несчастных, постепенно уходя от прямого обличения. Так в «Савояре» (1864) Перов создает трогательный образ спящего мальчика, но образ этот имеет психологический подтекст – Перов вызывает не прямыми средствами чувство социального протеста, лаконичный суровый фон подчёркивает одиночество ребёнка в море жизни.

В работе « Парижская шарманщица»( 1864) Перов контрастно противопоставляет два типажа – нищету и богатство. На переднем плане изображена женщина с шарманкой и спящей девочкой, внизу, у ног женщины, собачка с перевязанной лапкой. Эта группа обособлена художником углом здания, за которым, на заднем плане, находится другая группа – достопочтенные горожане, из которых особенно выделяется господин в котелке, прогуливающийся по улице.

Не видя смысла в том, чтобы оставаться в чужой стране и пытаться проникнуть в чужой быт и культуру, В. Г. Перов в 1864 году возвращается в Россию.

Во второй половине 60-х годов 19 века художник работает в Москве. Он продолжает писать картины социально-обличительной направленности, только теперь вместо сатиры в них появляется лирическая грусть или трагизм. Среди наиболее замечательных полотен этого периода можно назвать «Проводы покойника» («Похороны крестьянина», 1865), «Приезд гувернантки в купеческий дом» (1866), «Тройку» (1866), «Утопленницу» (1867), «Последний кабак у заставы» (1868), «Монастырскую трапезу», «Чистый понедельник».

В «Проводах покойника» и «Тройке» отразились сцены из жизни бедняков, символизирующие общечеловеческую драму.

Картина «Тройка» - хрестоматийно известная работа Василия Перова. Действие картины развивается в Москве на Трубной площади, у монастыря. Несколько малолетних детей впряглись в повозку, груженую огромной бочкой с водой, и тянут эту непосильную ношу в морозный день в гору. Перов не стремится к детализации, он скупо обрисовывает глухую монастырскую стену, избегая архитектурных деталей. Композиционный центр картины – лица детей – выхвачены светом. Все остальное тонет в мглистом тумане беспощадного города. Дети страдают, их лица искажены. В страданиях детей передана вся бесчеловечность и дикость существующего миропорядка. Сам художник поведал историю центрального персонажа в рассказе «Тетка Марья». Мальчик, с которого Перов писал образ на картине, вскоре умер, и к художнику пришла мать мальчика с надеждой увидеть своего сына на картине. Перов отвел мать мальчика в галерею Третьякова, где висела картина, а позднее написал для нее портрет мальчика.

Полотна «Приезд гувернантки в купеческий дом» и «Тройка» приносят В. Г. Перову в 1866 году звание академика.

Полотно «Утопленница» организовано на тонких нюансах. Тут нет прямого обличения, сюжет прост: на переднем плане на земле лежит мертвая девушка, рядом сидит полицейский, курит трубку и равнодушно смотрит на труп. На заднем плане очертания города: высятся постройки Кремля, золотятся в утренней дымке купола Василия Великого, вырисовывается абрис Василия Блаженного… Первоначально, в эскизе, Перов вводит пейзаж в задник картины – появляется некая интимность в повествовании, но в работе изображает город. Это обвинение городу в смерти загубленной девушки. Взгляд полицейского говорит об обыденности события, о незначимости этого явления безвременной смерти для общества. Перов демонстрирует в этой работе мастерство обличать не обличая, а это говорит о том, что он стал сложным и многозначным художником.

Картина «Последний кабак у заставы» производит особенно трагичное впечатление. Она проникнута символизмом и скорбью. По драматизму и эмоциональной выразительности одно из лучших произведений Перова. Одиночество, заброшенность, бесприютность человека на городской улице. Горькая женская доля – вот тема небольшой, внешне незамысловатой картины.

В 1870 году В. Г. Перов участвует в организации Товарищества передвижных художественных выставок. В 1871 году он становится преподавателем в Московском училище живописи и ваяния и занимает этот пост до конца жизни. В 1871-1872 годах художник пишет портреты знаменитых людей: А. Н. Островского, В. И. Даля, А. Ф. Писемского, А. Г. и Н. Г. Рубинштейнов, М. П. Погодина, Ф. М. Достоевского и другие. В этих портретах он проявил себя как выдающийся психолог, простыми средствами художественной выразительности ему удалось передать характеры героев, их индивидуальные черты. Портрет Ф. М. Достоевского работы В. Г. Перова по праву считается лучшим в иконографии писателя. На портрете Перов запечатлел типичный образ интеллигента, который болеет душой за все человечество. Но Перов выходит за рамки простого портрета, создавая тип интравертного портрета, т.е. когда мысли и чувства человека направлены внутрь. В портрете А.Н.Островского Перов изобразил другой характер – экстраверт, т.е. человека жаждущего познакомиться. Своими трактовками Перов открывает линию новых портретов: простые портреты с минимумом аксессуаров, деталей, и с акцентом на лицо портретируемого.

Особый раздел творчества Перова составили полотна на охотничью тематику. Будучи страстным охотником, Перов не мог обойти эту страсть и не создать на любимую тему хотя бы одной зарисовки. Так в н.1870-х годов появляется на свет целая серия жанровых картин охотничьей тематики. Можно говорить, что Перов подхватил западноевропейскую традицию в изображении охотничьих сцен и попытался ее реализовать на русском материале.

Наиболее известна картина «Охотники на привале» , написанная в живой манере.

Образы выведенные Перовым одновременно и лукавы, и лиричны. Художник пишет такие сцены избегая излишней серьезности.

В «Охотниках на привале» (1871) Перов выводит в персонажах реальных лиц : врача Дмитрия Павловича Кувшинникова(слева), члена московской городской управы Николая Михайловича Нагорнова(справа, молодой), а также врача и художника-любителя Василия Владимировича Бессонова. Особую выразительность полотну придает оживленная жестикуляция героев картины. Во многих работах Перова очень важны руки, т.к. они задают действие в картине, и это важно для Перова и в данном произведении.

В начале 70-х годов В. Г. Перов увлекается психологизмом, который проявился не только в портретах, но и в картинах на социально-бытовые темы. Его интересуют различные психологические типы людей, которые он изображает то с юмором, то с легкой иронией («Странник»,«Рыболов», 1870; «Голубятник», 1874).

За картину «Птицелов» (1870) В. Г. Перов получил звание профессора.

В конце 70-х годов художественные пристрастия В. Г. Перова снова меняются. Сюжетами его картин становятся религиозные сцены («Христос в Гефсиманском саду», 1878; «Снятие со креста», «Распятие», «Весна»).

В этот же период он пишет несколько картин на исторические сюжеты («Плач Ярославны», «Первые русские христиане», «Поволжские хищники», «Пугачевцы», «Никита Пустосвят», 1880-1881). Но все эти картины, хотя в них и прослеживается рука опытного мастера, слишком сложны по композиции, в них нет той легкости и ясности, которые отличают его первые работы. В то время каждый художник писал картины на историчекие темы и Перов также решил попробовать себя в новом качестве. Он затеял триптих на тему пугачевского восстания, ездил по местам Пугачева, перечитывал Пушкина, но эскизы до картины не довел, т.к. фигура Пугачева была для него неясна.

Василий Григорьевич Перов известен, в первую очередь, как один из выдающихся художников 19 века, но мало кто знает, что его талант проявился и в области литературы. В 1875 году в газете «Пчела» было опубликовано несколько его рассказов о быте художников. В основу произведений легли воспоминания В. Г. Перова. В 1881-1882 годах «Художественный журнал» Н. Александрова опубликовал еще один цикл рассказов известного художника. В мае 1882 года В. Г. Перов умер от чахотки.

Живопись В. Г. Перова разнообразна в жанровом отношении: это и портреты, и религиозные сцены, и исторические сюжеты. Несомненно, главным достижением В. Г. Перова были картины социально-критической направленности, в которых художник изображал быт простых людей, их невежество и иллюзии.

Творчество Перова оставило глубокий след в истории русского искусства. Тема народных страданий, искусство реалистического психологического портрета развивались современниками и последователями Перова, членами Товарищества передвижных художественных выставок, одним из основателей и руководителей которого был Перов.

Тройка. Ученики мастеровые везут воду, 1866	Охотники на привале, 1871	Птицелов, 1870	Сельский крестный ход на Пасхе, 1861
Старики-родители на могиле сына	Чаепитие в Мытищах, близ Москвы, 1862	Портрет писателя Достоевского, 1872	Гитарист-бобыль, 1865