Пояснительная записка: Энциклопедический словарь художников это научное издание, содержит биографическую информацию о художниках разных эпох
жүктеу/скачать 1.55 Mb.
|
БИЛИБИН Иван ЯковлевичСын военно-морского врача, потомок древнего рода, И. Я. Билибин предполагал стать юристом и закончил полный курс юридического факультета Петербургского университета (1896-1900). Но одновременно занимался в Рисовальной школе' при ОПХ, в мастерской А. Ашбэ в Мюнхене, в школе М. К. Тенишевой у И. Е. Репина. Уже исполнив первые работы для журнала (1899) и став в следующем году членом объединения '"Мир искусства", он продолжал учебу вольнослушателем в мастерской И. Е. Репина в АХ. Известность Билибину принесли иллюстрации к русским народным сказкам, издававшимся для детей: "Царевна-лягушка" (1901), "Василиса Прекрасная" (1902), "Марья Моревна" (1903). За ними последовали иллюстрации к другим сказкам, былинам, а также к сказкам А.С. Пушкина, среди которых выделялись иллюстрации к "Вольге" (1904) и к "Сказке о золотом петушке" (1910). Русской сказочной теме художник посвятил все свое творчество, серьезно для того подготовившись: много ездил по России, особенно по Северу, с интересом изучал русское народное и декоративное искусство. Билибин рано выработал свой графический стиль, основанный на тщательно прорисованном и подробном узорчатом контурном рисунке, расцвеченном акварелью. Стиль этот получил название "билибинский", сделался популярным и породил немало подражаний. Сам художник перенес его из иллюстраций к сказкам в журнальную и промышленную графику (открытки, рекламные плакаты, календари и пр.), а также в политическую карикатуру, которой занимался в годы первой русской революции. Его же он использовал и в своих театральных работах, тем более что Билибину предпочитали заказывать декорации к спектаклям на темы русских сказок или русской старины. Правда, первой его работой в театре были декорации к средневековому мираклю "Действо о Теофиле" (1907). Затем он оформил оперные спектакли "Золотой петушок" (1909) и "Садко" (1914) Н. А. Рим-ского-Корсакова, "Руслан и Людмила" М. И. Глинки (1913) и стал признанным театральным художником. В разгар революционных событий, осенью 1917 г., Билибин уехал из Петрограда в Крым, где владел участком земли, а в начале 1920 г. ему удалось добраться до Египта. Он жил сначала в Каире, потом в Александрии - оформлял балетные спектакли для труппы Анны Павловой, делал эскизы росписей для православного храма. В 1925 г. переехал в Париж, где интенсивно работал - оформил 10 спектаклей, среди которых наибольшую известность приобрели оперы "Сказка о царе Салтане" (1929) и "Сказание о граде Китеже и леве Февронии" (1934) Н. А. Римского-Корсакова, "Князь Игорь" А. П. Бородина, "Борис Годунов" М. П. Мусоргского (обе 1930), а также иллюстрировал народные сказки, в том числе и французские. В 1936 г. Билибин вернулся на родину и был хорошо принят. Он получил место профессора графической мастерской ИЖСА в Ленинграде, в 1939 г. стал доктором искусствоведения. Тогда же художник оформил спектакли "Сказка о царе Салтане" (1937) и "Полководец Суворов" (1939), выполнил иллюстрации к роману А. Н. Толстого "Петр I" (1937) и к "Песне про купца Калашникова" М. Ю. Лермонтова (1939). В первую же блокадную зиму в Ленинграде Билибин умер от голода. БОГОЛЮБОВ Алексей Петрович 
Боголюбов Алексей Петрович, профессор живописи морских видов и член совета Академии Художеств, род. в 1824 году; в 1838 году начал службу во флоте. Его способности к рисованию и живописи обращали на себя общее внимание ещё в бытность его моряком. В 1849 году его рисунки увидел президент Академии Художеств герцог Лейхтенбергский и посоветовал молодому лейтенанту посвятить себя искусству. В 1850 году Боголюбов поступил в Академию. С 1853 года по высочайшему повелению Боголюбов был назначен художником главного морского штаба Его Величества и постоянно имел высочайшие заказы по исполнению морских батальных картин, изображающих подвиги русского флота. В 1854 году Боголюбов отправился за границу пенсионером Академии на три года, и с 1858 года стал академиком за виды Константинополя, виды из окрестностей Рима и Шильонского замка. Два года спустя он вернулся в Петербург. Академия дала ему звание профессора и заявила благодарность за особые успехи, так как ни один из пенсионеров Академии, при возвращении в Россию, не привозил такого большого количества отличных этюдов и картин. Последующие годы Боголюбова были проведены в беспрерывных путешествиях, во время которых им было написано множество картин. К замечательным произведениям Боголюбова относятся две его картины, вызванные крушением русского фрегата "Александр Невский" у берегов Ютландии: "Выход на берег из бурунов великого князя Алексея Александровича и его свиты" и "Молебствие после крушения" (ночной пейзаж). В 1871 году Боголюбов был избран членом Совета Академии, как художник многосторонне образованный, изучивший всё, что есть в Европе замечательного в художественном отношении и в администрации школ, музеев и выставок. О таланте Боголюбова, как инициатора и организатора художественных начинаний, свидетельствует его деятельность в качестве главного представителя кружка русских художников, поселившихся в Париже. Его энергией и трудами в Саратове создан Радищевский художественный музей. Любопытны написанные Боголюбовым (1881) четыре щита ширм четырёх цветов, - жёлтый (роща в Кунцове), синий (Киев от пещер), белый (Романов-Борисоглебск на Волге) и красный (Кронштадтская средняя гавань). Эти щиты были на всероссийской выставке в Москве в отделе прикладного искусства. В том же году он написал по высочайшему заказу замечательное произведение: "Дело лейтенанта Скрыдлова с турецким пароходом на Дунае под Рущуком" и ширмы из четырёх картин, изображающих типы каботажных судов Англии, России, Италии и Дании. БОРИСОВ-МУСАТОВ Виктор Эльпидифорович 
В. Э. Мусатов (впоследствии добавивший себе в качестве второй фамилии отчество отца) родился в семье мелкого железнодорожного служащего. Полученная в детстве травма сделала его горбуном, но не отняла у него ни любви к жизни, ни энергии. Его художественное образование было беспорядочным: он обучался то в МУЖВЗ (1890- 91 и 1893-95), то в АХ (1891-93) и одновременно работал самостоятельно. Три зимы (1895-98) молодой художник провел в Париже, занимаясь в мастерской отличного педагога Ф. Кормона и внимательно приглядываясь к тому, что происходило во французском искусстве. Особенно его интересовала живописная система импрессионистов и искания символистов. Вернувшись в Саратов, Борисов-Мусатов написал картину "Автопортрет с сестрой" (1898), в которой впервые обнаружилось его стремление представить реальный мир как напоминание об ином, нереальном и прекрасном мире прошлого, выразилась склонность к декоративизму, превращающему картину в подобие панно, и даже любовь к характерному сине-зеленому колориту. Правда, последующие попытки развить намеченное нс сразу привели к успеху: картины "Осенний мотив" (1899) "Гармония" (1899-1900) выглядели как изображения костюмированных сцен. Но вскоре он создал несколько произведений очень высокого уровня, которые принесли ему известность. Постоянными персонажами этих (и большинства других) картин стали молодые женщины в старинных платьях на фоне барской усадьбы; но это не были исторические картины. Самые общие, приблизительные приметы старины нужны были художнику для того, чтобы с их помощью передать свое элегическое чувство, питаемое размышлениями о невозвратно ушедшем прошлом. Таковы двухфигурные композиции "Гобелен" (1901) и "У водоема" (1902). После них художник обратился к композиции более сложной - "Изумрудное ожерелье" (1903-04), включающей в себя уже шесть фигур, связанных общим сложным движением и отчетливо ощущаемым ритмом. Еще в 1899 г. Борисов-Мусатов стал членом МТХ и вскоре, несмотря на слабое здоровье и на то, что жил не в Москве, оказался одним из его лидеров: он энергично занимался устройством выставок в Москве и Петербурге и заметно влиял на художественные позиции объединения. Картина "Водоем", показанная на одной из выставок МТХ, имела громадный успех и принесла популярность ее автору, до того ценимому только в узком кругу коллег и знатоков. В 1903 г. художник покинул Саратов и перебрался в Подольск, чтобы быть ближе к московской художественной жизни. Он тесно сошелся с литераторами-символистами, сплотившимися вокруг журнала "Весы" и воспринявшими Борисова-Мусатова как единомышленника - символиста в живописи. Многие молодые художники, в том числе П. В. Кузнецов, М. С. Сарьян, Н. Н. Сапунов, Н. С. Уткин, А. Т. Матвеев, видели в нем своего идейного вождя. В начале 1904 г. работы Борисова-Мусатова были показаны в нескольких городах Германии, потом в Париже и вызвали восторженные отклики критиков. К сожалению, это высокое признание, как на родине, так и за ее пределами, ничего не меняло в существовании художника, жившего с женой и ребенком довольно бедно: коллекционеры его работ почти не покупали, и даже Третьяковская галерея, уступая настойчивости В. А. Серова, приобрела у него лишь однажды картину и два эскиза. Правда, в том же 1904 г. Борисов-Мусатов получил заказ на четыре росписи для богатого особняка. Исполнение заказа могло помочь не только как-то поправить материальное положение, по и реализовать наконец тяготение художника к монументально-декоративной живописи, которое все более явственно проступало в его станковых вещах. Предложенную тему "Четыре времени года" он трактовал очень своеобразно, продолжив начатое в прежних работах, даже используя полюбившиеся ему мотивы и детали, но подчинив их совершенно новому композиционному решению. Акварельные эскизы, исполненные им, обещали незаурядное произведение, однако росписи не были осуществлены по неизвестным причинам. Вскоре художник вновь переменил местожительство, переехав в Тарусу, где провел последние месяцы жизни. Работал он так же напряженно, как и раньше: создал несколько превосходных пейзажных этюдов, ставших вехами в русской пейзажной живописи, и почти закончил картину "Реквием", намечавшую в его искусстве постепенный поворот к новой стилистике. Но сердце художника не выдержало нагрузки. Борисова-Мусатова похоронили на берегу Оки, в месте, которое он сам указал незадолго до смерти. Позднее на могиле поставили памятник работы его друга, А. Т. Матвеева, с изображением спящего мальчика. БЯЛЫНИЦКИИ-БИРУЛЯ Витольд Каэтанович 
В своем творчестве В. К. Бялыницкий-Бируля продолжал и развивал традиции русского лирического пейзажа XIX в. Его гармоничные, изысканные по колориту картины-пейзажи представляют собой лирические раздумья автора о вечности природы. В спокойных, уравновешенных композициях мастера открывается широкий простор полей и лесных далей с величаво очерченным горизонтом. Художественное образование талантливый юноша получил в Киевской рисовальной школе у Н. И. Мурашко, затем в МУЖВЗ (1889-97) у С. А. Коровина, В. Д. Поленова, И. М. Прянишникова. Еще в 1892 г. его картину "Из окрестностей Пятигорска" приобрел для своей галереи П. М. Третьяков, что случалось чрезвычайно редко с молодыми авторами. В 1904 г. Бялыницкий-Бируля становится членом ТПХВ. В 1908 г. за картину "Дни ранней весны" получает звание академика живописи. В 1909 г. удостоен золотой медали Международной художественной выставки в Мюнхене за картину "Час тишины". Его наиболее известное полотно этого периода "Весна" (1912) выдает тесную связь творчества пейзажиста с поэтикой И. И. Левитана. Об этой картине И. Е. Репин писал ее автору: "Я так привык освежаться душой перед Вашими живыми веяниями правды, простоты и свободы". После 1917 г. Бялыницкий-Бируля, подобно В. Н. Бакшееву, К Ф. Юону, И. Э. Грабарю, стал одним из основных хранителей традиций русского реалистического пейзажа. Большое место в его творчестве заняли изображения памятных мест, связанных с жизнью и творчеством деятелей русской культуры: в 1928 г. им была исполнена серия пейзажей Ясной Поляны - усадьбы Л. Н. Толстого, в 1937 г. - виды Пушкинских Гор, в 1942 г. - пейзажи с изображением усадьбы П. И. Чайковского в Клину. В 1944 г. Бялыницкий-Бируля создал серию картин, запечатлевших памятники древнерусского зодчества в окрестностях Архангельска. Летом 1947 г. художник писал пейзажи Белоруссии, с природой которой он был знаком еще с детства. В них воплотилась мудрость художника, обретенная за многие годы творческой работы. Полотнам Бялыницкого-Бирули присущи благородство, одухотворенность и поэтическая ясность. ВАСИЛЬЕВ Федор Александрович 
Ф. А. Васильев был добрачным сыном мелкого чиновника. Семья постоянно бедствовала, и уже с двенадцати лет мальчик начал сам зарабатывать на жизнь - был почтальоном, писцом, затем нанялся в услужение к реставратору картин художнику П. К. Соколову. Любовь к рисованию проявилась у Васильева еще в раннем детстве, был он знаком и с техникой масляной живописи. В 1865 г. ему удалось поступить в Вечернюю рисовальную школу при ОПХ. К моменту окончания учебы (1867) Васильев уже познакомился с рядом художников и стал своим в их среде. Особенно близкими были отношения с И. Н. Крамским, взявшим его под заботливую опеку, и с И. И. Шишкиным, с которым он постоянно работал на натуре. Трудился Васильев самозабвенно, делая бесконечные этюды и зарисовки, пытливо изучая природу. Талант его развивался необычайно быстро, уже в 1868 г. он исполнил вполне зрелые картины "Деревенская улица", "После грозы", "Возвращение стада", в которых отчетливо проступало тяготение художника к лирическому восприятию природы и более красочной, чем до сих пор, ее передаче. Четырехмесячная поездка летом 1870 г. на Волгу, предпринятая с молодыми тогда художниками И. Е. Репиным и Е. Е. Макаровым, принесла массу новых впечатлений. После поездки Васильев написал несколько картин, среди которых выделялся ставший популярным "Вид на Волге. Барки" (1870), да и впоследствии не раз возвращался к волжским темам. 1871 г. оказался поворотным в судьбе Васильева. В начале этого года он в течение одного месяца написал знаменитую "Оттепель". Картина сразу привлекла внимание - не только зрелым мастерством автора и необычным для того времени выбором мотива, но и впервые так сильно проявившимся в ней настроением смутной тревожности и унылой безнадежности. Вместе с картиной А. К. Саврасова "Грачи прилетели", по странному совпадению написанной и показанной в том же году, она справедливо воспринималась современниками как историческое событие в русской пейзажной живописи. ОПХ удостоило Васильева за эту картину первой премии, для царского двора было заказано ее повторение. Васильев вдруг сделался знаменитым. Но именно в пору работы над картиной он тяжело и безнадежно заболел: запущенная простуда спровоцировала наследственный туберкулез. В Петербурге ему оставаться было нельзя, и он летом того же года вместе с матерью и братом уехал на юг сначала на Украину, потом в Крым, в Ялту. Дорогу и пребывание в Крыму ему оплачивало ОПХ, правда, в долг, который он обязан был погасить своими картинами. Васильев не сразу свыкся с новой обстановкой. Крым казался ему настолько чужим, что он стал работать, вдохновляясь воспоминаниями о недавнем прошлом, о природе Центральной России, по которой тосковал. Так родилась еще одна его выдающаяся картина - "Мокрый луг" (1872). Написанная не с натуры, а сочиненная художником на основе зарисовок, сделанных в разных местах и в разное время, она поразила современников свежестью живописи, точностью воссоздания атмосферы и, более всего, исходящим от нее ощущением неясной томительности. Картина получила премию ОПХ. Через некоторое время Васильев взялся и за изображение Крыма, понемногу проникаясь своеобразием его природы. Первые попытки были неудачными, но уже картина "В крымских горах" (1873) оказалась значительным произведением, открывающим новые перспективы перед художником. Однако жизнь его угасала - он умер осенью того же года, двадцати трех с половиной лет. Сделанного им хватило, чтобы попасть в ряд крупнейших мастеров русской пейзажной живописи. ВАСНЕЦОВ Аполлинарий Михайлович 
Младший брат знаменитого Виктора Васнецова, известный гораздо менее, Аполлинарий Васнецов отнюдь не был его робкой тенью, а обладал вполне самобытным дарованием. Он не получил систематического художественного образования. Его школой стало непосредственное общение и совместная работа с крупнейшими русскими художниками: братом, И. Е. Репиным, В. Д. Поленовым и др. Молодого художника интересует прежде всего пейзаж. Ранние его работы (1880-х гг.) не свободны от влияний старших современников. Постепенно набирая мастерство и силу, художник ищет пути к созданию обобщенных образов, в которых он сможет с максимальной полнотой выразить свое глубокое, интимное чувство связи с родной землей, с Родиной. Лучшая вещь этого периода так и называется - "Родина" (1886). И не случайно А. Васнецов становится зрелым и оригинальным мастером, когда обращается к изображению знакомой ему с детства природы Русского Севера. В 1890-х начале 1900-х гг. он пишет самые значительные свои работы: "Тайга на Урале. Синяя гора" (1891), "Сибирь" (1894), "Кама" (1895), "Северный край" (1899), "Озеро" (1902) и др. Это не тихая, поэтичная Россия, но Россия первозданной силы и безудержного размаха, та, что рождает и могучих богатырей-защитников, и лихих удальцов-разбойников. На рубеже веков из любви к русской истории, красоте старого быта и памятникам старой Москвы в творчестве художника возникает новый жанр - особый тип исторического пейзажа, в котором А. Васнецов пытается возродить облик и самую жизнь допетровской Москвы. В решении этой задачи органично соединились Васнецов-художник и Васнецов-исследователь. Здесь он не был одинок, в то время воссозданием быта и жизни допетровской России занимались и другие художники - А. П. Рябушкин, С. В. Иванов. Но как знаток старинной русской архитектуры Васнецов не знал себе равных. С наслаждением погружается художник в почти сказочную необычность и красочность этой архитектуры ("Улица в Китай-городе. Начало XVII века", "Москворецкий мост и Водяные ворота. Середина XVII века", обе 1900; "Всесвятский каменный мост. Конец XVII века", 1901. Москва в момент основания ("Основание Москвы»). Постройка первых стен Кремля Юрием Долгоруким в 1156 году", 1917) и в XIV в. ("Московский Кремль при Дмитрии Донском", 1922), Москва чинная, почти благостная ("Площадь Ивана Великого в Москве. XVII век", 1903) и Москва трагическая, страшная ("Московский застенок XVI века", 1912). Огромная серия работ маслом и акварелью. Одновременно художник продолжал писать и "обычные" пейзажи, но силы и размаха работ 1890-х - начала 1900-х гг. в них он уже не достигал. Как и многие ведущие художники эпохи, А. Васнецов активно работал в театре. С театральным творчеством он соприкоснулся еще в 1880-е гг. в Абрамцеве, имении С. И. Мамонтова, когда вместе с другими членами Мамонтовского кружка писал декорации для "живых картин" и домашних спектаклей. В 1897 г. Мамонтов пригласил художника оформить постановку "Хованщины" М. П. Мусоргского в Московской частной опере. Сюжет из русской истории конца XVII в. требовал от Васнецова дотошной исторической (и археологической) реконструкции. Среди других театральных работ Васнецова (после успеха "Хованщины" его приглашают разные оперные театры для оформления спектаклей на "русскую" тему) особенно удачным стало оформление оперы Н. А. Римского-Корсакова "Сказание о невидимом граде Китеже и деве Февронии" (1906, Мариинский театр в Петербурге и Большой театр в Москве). А. Васнецов был среди основателей СРХ, преподавал, часто выступал в печати со статьями по вопросам охраны памятников и теории художественного творчества, состоял в различных научных обществах и комиссиях. Певец старой Москвы, он в то же время занимал видное место в культурной жизни столицы первой трети XX в. ВАСНЕЦОВ Виктор Михайлович 
Среди русских живописцев, искавших вдохновения в народной поэзии, В. М. Васнецов занимает особое место. Его эволюция - от бытописательства к сказке, от станковизма к возрождению монументального стиля, от передвижнической тенденциозности к эстетическому универсализму модерна - выражает переломный характер целой эпохи русского искусства. Каковы бы ни были оценки художественных достоинств Васнецова-сказочника, одно следует признать, безусловно - роль первооткрывателя. Сын сельского священника, Васнецов готовился пойти по стопам отца. Однако тяга к искусству привела девятнадцатилетнего семинариста из Вятки в Петербург, в АХ. Здесь он прошел серьезную школу; особенно важную роль в его художественном развитии сыграл знаменитый педагог П. П. Чистяков. В академические годы (1868-75) Васнецов сблизился с художниками демократической ориентации и еще студентом примкнул к ТПХВ. В ранний период творчества Васнецов выступил как жанрист, последователь П. А. Федотова и В. Г. Перова ("С квартиры на квартиру", "Книжная лавочка", обе 1876; "Военная телеграмма", 1878; "Преферанс", 1879). Но одновременно он пробует силы в иной тематической сфере, обращаясь к фольклорным источникам. На рубеже 1870-х и 1880-х гг. в творчестве Васнецова совершается поворот, поначалу озадачивший даже тех, кто успел оценить талант художника. "Как я стал из жанриста историком, несколько на фантастический лад, - признавался Васнецов, - на это ответить точно не сумею. Знаю только, что во время самого ярого увлечения жанром, в академические времена, в Петербурге меня не покидали неясные исторические и сказочные грезы". Одним из первых значительных его опытов в эпическом роде стала картина "После побоища Игоря Святославича с половцами" (1880), замысел которой связан с крупнейшим литературным памятником Древней Руси - "Словом о полку Игореве". Эта связь принципиально важна для понимания того нового, что вносит Васнецов в поэтику исторического жанра. По сути дела, это попытка перевести на язык живописи образность старинной поэтической речи, ее национальный колорит. Из образных ресурсов "Слова", по-видимому, и почерпнута идея композиции: поле отшумевшего сражения как жатва, которую собрала смерть. Оставив прозу быта ради поэзии грезы и мечты, Васнецов настойчиво разрабатывает сказочные и былинные сюжеты ("Ковер-самолет", 1880; "Аленушка", "Три царевны подземного царства", обе картины 1881; "Витязь на распутье", 1882; "Иван-царевич на Сером Волке", 1889; "Богатыри", 1898). По словам художника, им движет стремление "в своем истинно-национальном отразить вечное, непреходящее". Так складывается оригинальный васнецовский текст, а вместе с тем и новый жанр русской живописи. Многое удается художнику: в его героях проступают типические национальные черты; тонко чувствуя естественную красоту природы, он умеет согласовать ее с эмоциональным строем сюжетного мотива (особенно выразителен в этом смысле пейзаж "Аленушки"); его палитра становится более насыщенной. И все же это не скрывает раздвоенности Васнецова. Там, где сам сюжет дает полную свободу фантазии, изобразительный язык сохраняет привязанность к непосредственно воспринимаемой реальности. Как отметил А. М. Эфрос, "передвижническая эстетика Васнецова стремилась наделить создания народной поэзии осязательностью, столь же бесспорной, как у обычных живых существ, и вместе с тем не потерять сказочности; до конца преодолеть это противоречие вообще нельзя, но художник может приблизиться к равновесию натурализма и фантазии при огромной силе воображения и столь же большом мастерстве выполнения; первым свойством Васнецов наделен в должной мере: образы, им найденные, всенародны в своей простоте и естественности; но второе свойство не было на такой же высоте: его живописное мастерство отстает...". Так или иначе, огромному успеху Васнецова-сказочника у широкой публики способствовала не только сюжетика, заново открытая им для живописи; сама его двойственность обернулась здесь достоинством "адаптированного перевода" поэзии на язык украшенной архаизмами живописной прозы. Легко удовлетворяя эстетически непритязательный вкус, Васнецов зачастую оказывался на грани банальности. Его таланту было дано развиваться не столько вглубь, сколько вширь, о чем свидетельствует энергия, с которой он осваивал разные области искусства. Один из самых деятельных участников Абрамцевского (Мамонтовского) кружка, Васнецов всячески способствовал изучению в нем народного творчества и созданию мастерских по возрождению крестьянских ремесел. Вместе с В. Д. Поленовым он проектировал церковь в Абрамцеве (1882), там же по его рисунку была построена "Избушка на курьих ножках" (1881-83). Васнецову принадлежат и другие архитектурные проекты (в том числе фасад Третьяковской галереи). Среди его несомненных удач - декорации и костюмы для театра С. И. Мамонтова к спектаклю "Снегурочка" А. Н. Островского и одноименной опере Н. А. Римского-Корсакова (1881-85). Широкий отклик вызвали монументальные работы Васнецова: это панно "Каменный век" (1883-85) для московского Исторического музея, а также начатые в 1885 г. и занявшие более десяти лет росписи Владимирского собора в Киеве. Колоссальный труд, вложенный Васнецовым и его помощниками в роспись (около 2000 квадратных метров), не вполне onравдал надежды художника: ему не удалось избежать академического эклектизма и иллюстративности, чуждой духу монументального искусства. Однако этот опыт оказал значительное влияние на русскую художественную школу в целом. Киевские работы отозвались усилением декоративного начала в станковой живописи Васнецова, о чем свидетельствует его картина "Царь Иван Васильевич Грозный" (1897). Широта эстетической ориентации, многообразие форм художественной практики, стремление сделать искусство орудием преобразования жизненной среды - все это позволяет видеть в Васнецове непосредственного предшественника модерна. Не случайно М. А. Врубель говорил, что его поколение многим обязано Васнецову. Знаменательно и то, что среди ранних символистских стихов А. А. Блока два вдохновлены именно васнецовской живописью ("Сирин и Алконост" и "Гамаюн, птица вещая"). жүктеу/скачать 1.55 Mb. Достарыңызбен бөлісу:
|
