Учебное пособие для студентов педагогического колледжа по специальности Педагогика

В картинах сезанновского периода геометризация форм подчеркивает ус­тойчивость, предметность мира, массивные объемы как бы раскладываются на плоскости холста, цвет выделяет отдельные грани предмета (П.Пикассо «Три женщины», 1909 г.).

В следующем аналитическом периоде предмет дробится на мелкие грани и сходящиеся под углом плоскости, которые четко отделяются друг от друга, используется ограниченный набор красок. Изображение одного и того же предмета показано с разных сторон одновременно во многих ракурсах. Это приводит к ритмической игре форм, плоскостей, объемов. Изображение словно расплывается на холсте (П.Пикассо «А.Воллар», 1910 г.).

В последний синтетический период предпочтение отдается декоративному началу; картина превращается в красочное плоскостное панно (П.Пикассо «Гитара и скрипки», 1913 г.; Ж.Брак «Женщина с гитарой», 1913 г.). Основ­ным становится прием коллажа. Объект как бы собирается, синтезируется из разнообразных фрагментов или знаков — слов, цифр, нот, обрывков газет, цветной бумаги, обоев, схематических рисунков и красочных мазков. Отказ от изображения пространства и объема как бы компенсируется прикладыва­нием реальных объемных конструкций к плоскости холста. В то же время появляется кубическая скульптура с геометризацией форм, деформированием фигур, обозначением металлическими полосами только их внешних кон­туров и др.

Кубизм ставил цель — познать реальность, раскрыть внутреннюю, фило­софскую сущность предметов с помощью новых средств. Он знаменовал со­бой отказ от реализма и явился вызовом стандартной красивости официаль­ного салонного искусства. В картинах П.Пикассо кубического периода созда­ется трагический образ грандиозного изломанного, разрушающегося мира.

В XX в. продолжается поиск новых идей, образов, форм, новых красок и технических средств создания живописных произведений, что несомненно приведет к появлению новых стилей в живописи. Надеемся, что при этом идейные и технические достижения художников предыдущих эпох не будут забыты, так как в ходе исторического развития живописи накоплены огром­ные духовные сокровища.

Противоречивая природа авангардизма обознпачилась в тяготении одних его направлений к формализму (победа словесной образности и символики над содержанием в поэзии и прозе, акцентация колорита, композиционной структуры и бессюжетность в живописи, атональностькакофония в музыке), а других, наоборот, - к отрицанию естественной сути искусства и утилитаризму (слияние искусства с производством, бытом и политической публицистикой). В своих крайних формах смыкается с декаденством, модернизмом, абстрактным искусством. Талантливые представители авангардизма начала 20века футуризма, имажинизма, конструктивизма и др. которые последовательно придерживались прогрессивного мировоззрения, смогли преодолеть узкие рамки этих направлений и обогатили культуру новыми художественными ценностями (С. Дали, В. Маяковский, Б. Бехт и др.).

Для андеграунда характерны разрыв с господствующей идеологией, игнорирование стилистических языковых ограничений, отказ от общепринятых ценностей, норм, от социальных и художественных традиций, нередко эпатаж публики, бунтарство. Как правило, такие произведения издаются либо нелегально, либо пишутся "в стол", т.е. без надежды на публикацию. Однако с течением времени запреты ослабевают или снимаются, в этом случае произведение приходит к читателю, хотя и с определенной задержкой.

Термин начал употребляться во второй половине ХХ века по отношению:

- к странам, где искусство было подчинено государственной идеологии;

- к течениям в разных странах, где массовое искусство ориентировано на рынок.

Абстракционизм – направление нефигуративного искусства, отказавшегося от приближенного к действительности изображения форм в живописи и скульптуре. Одна из целей абстракционизма – достижение "гармонизации", создание определенных цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации. Основоположники: Василий Кандинский – работал в Германии, где и создал первые абстрактные композиции; Казимир Малевич – создатель знаменитого "Черного квадрата", Пит Мондриан.

Фовизм – направление во французской живописи и музыке конца ХIХ – начала ХХ века. Фовизм живописи характеризуется яркостью цветов и упрощением формы. Как направление просуществовало недолго – примерно с 1898 по 1908 год. Вдохновителями фовинистов послужили постимпрессионисты Ван Гог и Гоген, предпочитавшие субъективный интенсивный цвет цвету мягкому и натуральному, свойственному импрессинистам. Главой этой школы считается

1. 
   Сообщение названия картины, ее автора.
   
2. 
   О чем написана картина?
   
3. 
   Что самое главное в картине (выделить композиционный центр), как оно изображено (цвет, расположение, построение, расположение).
   
4. 
   Что изображено вокруг главного в произведении и как с ним соединены детали (установить связь между содержанием произведения и средствами его выражения).
   
5. 
   Что красивого, интересного показал художник своим произведением?
   
6. 
   О чем думается, вспоминается, когда смотришь на эту картину? Какое настроение, чувство она вызывает?
   

1. 
   Сравнить репродукции одного художника, изображающие разные времена года (И.И. Левитан "Золотая осень" и "Март") и написанные в разных колоритах.
   
2. 
   Сравнить репродукции разных художников, изображающих одно время года (В.Н. Башкеев "Голубая весна", А.К. Саврасов "Грачи прилетели, И.И. Левитан "Весна – большая вода").
   

Существует много разновидностей портрета. К жанру портрета относятся: поясной портрет, бюст (в скульптуре), портрет в рост, групповой портрет, пор­трет в интерьере, портрет на фоне пейзажа. По характеру изображения выде­ляют две основные группы: парадные и камерные портреты. Как правило, парадный портрет предполагает изображение человека в полный рост (на коне, стоящим или сидящим). В камерном портрете используется поясное, погрудное, поплечное изображение. В парадном портрете фигура обычно дается на архи­тектурном или пейзажном фоне, а в камерном — чаще на нейтральном фоне.

По числу изображений на одном холсте помимо обычного, индивиду­ального, выделяют двойной и групповой портреты. Парными называют портреты, написанные на разных холстах, если они согласованы между собой по композиции, формату и колориту. Чаще всего это портреты супругов. Нередко портреты образуют целые ансамбли — портретные галереи.

Портрет, в котором человек представлен в виде какого-либо аллегориче­ского, мифологического, исторического, театрального или литературного пер­сонажа, называют костюмированным. В наименования таких портретов обыч­но включаются слова «в виде» или «в образе» (например, Екатерина II в виде Минервы).

Портреты различают и по размеру, например миниатюрный. Можно вы­делить еще автопортрет — изображение художником самого себя. Портрет не только передает индивидуальные черты портретируемого, или, как говорят художники, модели, но и отражает эпоху, в которую жил изображаемый че­ловек.

Искусство портрета насчитывает несколько тысячелетий. Уже в Древнем Египте скульпторы создавали довольно точное подобие внешнего облика че­ловека. Статуе придавали портретное сходство для того, чтобы после смерти человека его душа могла в нее вселиться, легко отыскать своего владельца. Этим же целям служили и живописные файюмские портреты, выполненные в технике энкаустики (восковой живописи) в I—III вв. Их отличает яркая жизненная образность, объемная светотеневая моделировка форм, которая со временем претерпела изменения.

Идеализированные портреты поэтов, философов, общественных деяте­лей были распространены в скульптуре Древней Греции. Правдивостью и точной психологической характеристикой отличались древнеримские скульп­турные портретные бюсты. Они отражали индивидуальные черты.

Изображение лица человека в скульптуре или живописи во все времена привлекало художников. Особенно расцвел жанр портрета в эпоху Возрож­дения, когда человек стал мерой всего (Леонардо да Винчи, Рафаэль, Джор­джоне, Тициан, Тинторетто). Мастера Возрождения углубляют содержание портретных образов, наделяют их интеллектом, душевной гармонией, а иногда и внутренним драматизмом.

В XVII в. в европейской живописи на первый план выдвигается камерный, интимный портрет в противоположность портрету парадному, официально­му, возвеличивающему. Выдающиеся мастера этой эпохи — Рембрандт, Ван Рейн, Ф.Гальс, Ван Дейк, Д.Веласкес — создали галерею замечательных об­разов простых, ничем не знаменитых людей, открыли в них величайшие богатства доброты и человечности.

В России портретный жанр активно начал развиваться с начала XVIII в. Ф.Рокотов, Д.Левицкий, В. Боровиковский создали серию великолепных пор­третов знатных людей. Особенно прелестны и очаровательны, пронизаны ли­ризмом и духовностью женские образы. В первой половине XIX в. главным героем портретного искусства становится мечтательная и одновременно склон­ная к героическому порыву романтическая личность (на картинах О.Кипрен­ского, К.Брюллова).

Становление реализма в искусстве передвижников отразилось и на искус­стве портрета. Художники В. Перов, И.Крамской, И.Репин создали целую портретную галерею выдающихся современников. Индивидуальные и личные черты портретируемых, их духовные особенности художники пе­редают с помощью характерного выражения лица, позы, жеста. Человек изображался реалистично, давалась оценка еще и его общественному положению. В XX в. портрет сочетает самые противоречивые тенденции — яркие реалистические индивидуальные характеристики и абстрактные экспрессив­ные деформации моделей (П.Пикассо, А.Модильяни, Э.А.Бурдель во Фран­ции, В.Серов, М.Врубель, С.Конёнков, М.Нестеров, П.Корин в России).

Портреты доносят до нас не только образы людей разных эпох, отражают историческое время, но и говорят о том, каким видел мир художник, как он относился к портретируемому.

Замечательными русскими портретистами были Ф.Рокотов, Д.Левицкий, В.Боровиковский, В.Серов и другие.
3.2. Натюрморт
Своеобразные портреты вещей, их тихую жизнь изображают художники в натюрморте.

Натюрморт — жанр изобразительного искусства или произведение этого жанра. Сама постановка, которая является объектом изображения, тоже называется натюрморт. Он может состоять не только из неодушевленных предметов, но включать и природные формы.

Искусство натюрморта как жанр возникло в Голландии в начале XVII в. Знаменитые голландские натюрморты передают радость бытия; рассматривая их, кажется, ощущаешь вкус реальных плодов, рыбы, напитков. Они словно поют гимн материальному миру. Художники изображали самые обычные вещи, но это было красиво и поэтично. Одни любили натюрморты скромные, с не­большим количеством предметов, а другие писали на огромных холстах много дичи, рыбы, цветов (в Голландии П.Клас, В.Хеда, во Фландрии Ф.Снейдерс и др.). Основной мотив натюрморта мог быть дополнен изображением лю­дей, зверей, птиц, насекомых.

Строгостью и свободой композиции, тонкостью колористических ре­шений, удивительной человечностью выделяются произведения одного из самых замечательных мастеров натюрморта — французского художника Ж.Шардена.

В XIX в. многие ведущие мастера живописи, работавшие в разных жанрах, писали и натюрморты, особенно постимпрессионисты, для которых мир ве­щей был одной из основных тем (П.Сезанн, Ван Гог).

С начала XX в. к жанру натюрморта обращаются художники самых разных стилистических направлений. Они экспериментируют с цветом, формой и пространством, увлекаются поиском разнообразной фактуры. Натюрморты выполняют и в строгой реалистической, и в декоративной манере, и в манере кубизма.

Изображение прекрасного мира вещей увлекало очень многих художников. В русском искусстве П. Кончаловский, И. Машков, Р.Фальк, К.Петров-Водкин, М.Сарьян, Ю.Пименов и другие создали великолепные натюрморты, раскрывающие не только красоту вещей, но вместе с тем и мир человека, его мысли и чувства. Каждый художник нашел для решения этой сложной задачи свои выразительные средства. Порой человек незримо присутствует на карти­не, и кажется, что он только что вышел и может вернуться в любой момент. Например, на картине Ю.Пименова «Ожидание» (1959 г.) изображен одино­ко стоящий телефонный аппарат со снятой трубкой, а капли дождя на окон­ном стекле подчеркивают тоскливость этого ожидания, вызывают знакомые ассоциации. В другом натюрморте этого же художника — «Актриса» через предметы раскрывается не только мир профессии, но и характер человеке хозяина этих вещей.

В ином типе натюрморта вещи говорят прежде всего о себе, предлагаю полюбоваться красотой их формы, цвета, фактуры. Например, полотно И.Машкова «Снедь московская. Хлебы» словно передает аромат свежеиспеченной хлеба, предлагает полюбоваться богатством и разнообразием булок, батонов, караваев и калачей.

Мир вещей в натюрморте всегда выражает внешние приметы жизни опре­деленной исторической эпохи.

Пейзаж может носить исторический, героический, фантастический, ли­рический, эпический характер. Например, пейзаж И.Левитана часто имену­ется «пейзажем настроения». На его картинах воплощаются изменчивые на­строения, состояния тревоги, скорби, предчувствия, умиротворенности, радости и др. Поэтому художник передает объемную форму предметов обоб­щенно, без тщательной проработки деталей, трепетными живописными пят­нами. Так написаны им в 1895 г. картины «Март» и «Золотая осень», знамену­ющие высшую точку в развитии русского лирического пейзажа.

Благодаря И.Шишкину, сумевшему создать на своих полотнах обобщен­ный эпический образ русской природы, русский пейзаж поднялся до уров­ня глубоко содержательного и демократического искусства («Рожь», 1878 г.; «Корабельная роща», 1898 г.). Сила шишкинских полотен не в том, что они почти с фотографической точностью воспроизводят знакомые ландшафты среднерусской полосы, искусство художника гораздо глубже и содержатель­нее. Бескрайние просторы полей, колышащееся под свежим ветром море колосьев, лесные дали на картинах И.Шишкина порождают мысли о вели­чии и мощи русской природы.

Часто пейзаж служит фоном в живописных, графических, скульптурных (рельефы, медали) произведениях других жанров. Художник не только стре­мится точно воспроизвести выбранный пейзажный мотив, но и передает свое отношение к природе, одухотворяет ее, создает художественный образ, обла­дающий эмоциональной выразительностью и идейной содержательностью.

Человек начал изображать природу в далекие времена. Элементы пейзажа можно обнаружить еще в эпоху неолита, в рельефах и росписях стран Древне­го Востока, особенно в искусстве Древнего Египта и Древней Греции. В сред­ние века пейзажными мотивами украшали храмы, дворцы, богатые дома. Пейзажи нередко служили для передачи условных пространственных пост­роений в иконах и в миниатюрах.

Как самостоятельный жанр пейзаж окончательно сформировался в XVII в. Его создали голландские живописцы. Еще в XVI в. художники обратились к изучению натуры (П.Брейгель в Нидерландах). Особый расцвет пейзажной живописи наблюдался в XVII—XVIII вв. (П.Рубенс во Фландрии, Рембрандт и Я.Рейсдал в Голландии, Н.Пуссен, К.Лоррен во Франции). Были созданы система валеров, световоздушная перспектива. В XIX в. творческие открытия мастеров пейзажа, завоевания пленэрной живописи (К.Коро во Франции, А.А.Иванов, А.Саврасов, Ф.Васильев, И.Шишкин, И.Левитан, В.Серов в России) продолжили импрессионисты (Э.Мане, К.Моне, О.Ренуар во Франции, К.Коровин, И.Грабарь в России), открывшие новые возможности в передаче изменчивости световоздушной среды, неуловимых состояний природы, богатства красочных оттенков.

Крупные мастера конца XIX—XX в. (П. Сезанн, П. Гоген, Ван Гог, А. Матисс во Франции, А.Куинджи, Н.Рерих, Н.Крымов в России, М. Сарьян в Армении) расширяют эмоциональные, ассоциативные качества пейзажной живописи. Традиции русского пейзажа обогатили А.Рылов, К. Юон, А.Ост­роумова-Лебедева, А.Куприн, П. Кончаловский и другие.

Особое развитие получил пейзаж в искусстве Востока. Как самостоятельный жанр он появился в Китае еще в VI в. Пейзажи китайских художников, выполненные тушью на шелковых свитках, очень одухотворенны и поэтичны. Они имеют глубокий философский смысл, как бы показывают вечно обнов­ляющуюся природу, беспредельное пространство, которое кажется таковым: из-за введения в композицию обширных горных панорам, водных гладей и туманной дымки. В пейзаж включаются человеческие фигурки и символичес­кие мотивы (горная сосна, бамбук, дикая слива), олицетворяющие возвы­шенные духовные качества. Под влиянием китайской живописи сложился и японский пейзаж, отличающийся обостренной графичностью, декоративны­ми мотивами, более активной ролью человека в природе (К.Хокусай).

Жанр пейзажа не только выражает бесконечное многообразие и красоту природы в разное время года, в различных климатических условиях, при сол­нечном и лунном освещении, но и передает чувства и настроения. Сравните пейзажи К.Коро, Ван Гога, П.Сезанна, и вы увидите, что в основе любого из них — реальная природа, но при этом образы возникают самые разные, по­тому что главное — это индивидуальность художника. Он рисует не натуру, а передает свое внутреннее состояние в живописи, поэтому у каждого художни­ка свои любимые цветовые сочетания, приемы, индивидуальное отношение к цвету.

И.И. Левитана можно назвать певцом русской природы. Замечательными рус­скими пейзажистами были Ф.А. Васильев, В.Д. Поленов, А.К. Саврасов, И.И. Шиш­кин и другие.

Морские пейзажи называют «маринами», они составляют самостоятель­ный жанр. Яркий пример — картины И.К. Айвазовского.
Вопросы

1. 
   Назовите основные черты живописи античной эпохи. Каково было ее назначение?
   
2. 
   Расскажите о содержании средневековой живописи.
   
3. 
   Какие полотна создавали художники эпохи Возрождения? Что являлось мерой всех вещей и центром живописных произведений этого периода?
   
4. 
   Дайте характеристику различным живописным системам в европейском искусстве в XVII—XVIII вв.
   
5. 
   Какую роль играла живопись в общественной жизни XIX в.?
   
6. 
   Расскажите об отличительных особенностях живописной системы имп­рессионистов.
   
7. 
   Возможны ли импрессионистические черты в скульптуре?
   
8. 
   Какие современные течения и направления в живописи вы знаете?
   

В книжной графике, иллюстрациях к сказкам, басням, аллегорическим и са­тирическим произведениям животное часто «очеловечивается», то есть наде­ляется присущими людям чертами, с по­ступками и переживаниями, свойствен­ными человеку, животных одевают в костюмы. Например, рисунки Е.Рачева и Ю.Васнецова.

Для скульптуры и мелкой пластики, декоративного и прикладного искусства (резьба по дереву, кости, камню, гли­няная игрушка, вышивка) особенно су­щественна декоративная выразительность фигуры, силуэта, фактуры, цвета жи­вотного.

Фольклорные, гротесковые и сказоч­ные образы зверей и птиц встречаются в искусстве разных стран и народов.

Произведения первобытного искусст­ва — наскальные рисунки зверей, пе­щерная живопись свидетельствуют об острой наблюдательности древних худож­ников. Например, росписи пещеры Альтамира (Испания) — объемные изобра­жения мамонтов, оленей, бизонов в характерных позах и движениях. Тесно связанное с первобытными мифологи­ческими воззрениями, искусство основывалось на одухотворении сил природы (анимизм) и культе животных (тотемизм).

Изображения животных встречаются в античной скульптуре, вазописи, мозаиках.

В эпоху Возрождения художники начали рисовать животных с натуры. Величайший мастер рисунка А.Дюрер любил изображать лошадей, зайцев и других зверей. Его рабо­ты отличает реалистическая точность и пла­стическая выразительность.

В искусстве Востока к изображению зве­рей и птиц с давних времен относились с особым вниманием. Для них характерны изысканная красота линии, пятен, форм, философская утонченность и опоэтизированность образов.

В русском искусстве яркие образы живот­ных создали такие прославленные художни­ки, как Е. Лансере, П. Клодт, В. Серов. Выра­зительным и точным изображением львов, медведей, собак, котов, лошадей, коров про­славились скульпторы России. Например, за­мечательные конные статуи П.К. Клодта ук­рашают мосты в С.-Петербурге.

Творчество известных русских художни­ков-анималистов В.А. Ватагина, И.С.Ефи­мова, Е.И.Чарушина, А.М. Лаптева и дру­гих отмечено сочетанием познавательного восприятия животного мира с яркой об­разной характеристикой.

Например, в иллюстрациях Е.И.Чарушина мир зверей раскрыт в ярких образах, с боль­шой теплотой и гуманностью. У него свои приемы передачи формы, цвета и фактуры. Его герои и реалистичны, и сказочны одновременно. Он стремится лаконичными средствами выразить характер каждого зверя, передать радость общения с живым.

Чарушин настолько хорошо изучил животных, что, создавая свои рисунки, с легкостью добивался точности в передаче формы или пропорции. Каждая иллюстрация не похожа на другую, в каждой свой выразительный образ — определенный характер в опреде­ленном состоянии. Герои Е.И. Чарушина добры, обаятельны. Они легко входят в сказочный мир. Художник любил изображать звериных детенышей - пушистых, мягких и еще совсем беспомощных.

Чарушин выработал свой метод иллюстрирования — чисто живописный. Он рисует необычайно искусно, не контурно, а, можно сказать, анти­контурно, пятнами и штрихами. Зверь может быть изображен просто «лохматым» пятном, но в нем ощущается и настороженность позы, и характерность движения, и особенность фактуры — упругость поднятой дыбом длинной и жесткой шерсти вместе с пуховой мягкостью густого

Главным художник считал создание образа, «а если нет образа, так и изображать нечего, и остается другой процесс работы — вроде рукоделия; это путь, идущий от механических навыков».