Фигура международного масштаба. Не собирлся быть художником, учился на юриста. Но страстью была музыка и изо

Фигура международного масштаба. Не собирлся быть художником, учился на юриста. Но страстью была музыка и ИЗО.

Василий Кандинский родился 16 декабря (4 декабря cт. ст.) 1866 г. в Москве, в семье коммерсанта Василия Сильвестровича Кандинского (1832—-1926). В детстве жил в Одессе. Изучал в Московском университете экономику и право. В 1889 г. прервал учебу по состоянию здоровья, участвовал в этнографической экспедиции в Вологодской губернии. В 1893 г. окончил юридический факультет. Работал художественным директором Кушнерёвской типографии в Москве (1895). Это не эмоциональный, а рациональный человек.

Карьеру художника Кандинский выбрал сравнительно поздно — в возрасте 30 лет. В 1896 г. он обосновался в Мюнхене и затем оставался в Германии до 1914 г. – немецкая культура – вторая его составляющая, любил все немецкое. С 1897 г. обучался живописи в частной студии А. Ашбе (здесь познакомился с Грабарем, Веревкиной, Явленским). В 1900 г. поступил в Мюнхенскую Академию художеств, где обучался у Франца фон Штука (представитель югенштиля). Кандинский был увлечен теософией (модно). Он много времени посвящал теории. Это были книга Е. Блаватской «Ключи теософии» и сочинения антропософов Р. Штейнера и Э. Шере. Имелись на вилле оккультные и спиритические трактаты. Многие термины — «вибрация», «созвучие», «космические лучи», «восхождение» и другие — взяты из этих работ. Теософские мысли воспринимались Кандинским не буквально, но скорее поэтически-мифологически, образуя весьма своеобразный интеллектуальный фон. Знакомство с европейским символизмом давало пищу для размышлений. Кандинский зачитывался романом «Наоборот» Гюисманса и трактатом «О внутренней красоте» Метерлинка. Из немецких поэтов был оценен Стефан Георге с его «тайнами природы» и «духовным искусством». Кандинский был глубоко верующим человеком, молился крайне сосредоточенно, повсюду, где жил, расставлял иконы.

Ахтырка

С 1901 г. Пишет этюды под Мюнхеном, в которых сразу заметно знание фовизма, импрессионистов и немецкого искусства. В эти годы он в основном пишет пейзажи. В 1903 г. Он отправляется в путешествие и в течении 4 лет объехал почти всю Европу (Италия, Австрия, Голландия, Франция, Тунис).

Очень давно

1904 г. Пляж. Кандинский работал темперой в «мозаичной» технике декоративной пуантили, столь типичной для эпохи модерна. Пестрая жизнь, 1904 г. Преимущественно он выбирал русские сцены базаров, прогулок на древних парусных судах, гусляров и грустных красавиц в лесу, иногда перемежающиеся рокайльными и бидермайеровскими стилизациями. Последние произведения «второй» манеры создавались в 1907—1908 гг.

Появляются его основные иконографические темы – всадник, город и гора. «Синий всадник», 1903 г.

Существеннее оказались занятия гравюрой на дереве. Обращением к технике продольной резьбы в ксилографии Кандинский обязан примерам Гогена и Мунка, которых высоко ценил. Здесь появляется особая экспрессионистичность, умение обобщать, находить отношение между пятном и свободным пространством, что так пригодилось ему в дальнейшем. В эпоху модерна гравюра на дереве, как и плакат и карикатура, помогали определять возможности формализации художественных средств и границы условности. Примерами могут явиться гравюры «Игра на гуслях» и «Свет Луны» (1907). Их стиль близок самым современным исканиям тех лет, что совершенно ясно, если вспомнить, скажем, гравюры мастеров дрезденской группы «Мост», с которыми Кандинский тогда познакомился. Эстетика Кандинского формировалась в этой области в связи с занимавшей его проблемой взаимосвязи изображения, звука и слова. Это выразилось в издании сюиты гравюр «Стихи без слов» (1904).

Ар нуво в его творчестве закономерно, он человек эпохи «Наби», радился в 1860-е гг.

Своеобразный «пейзажизм» понимания изобразительных мотивов останется как некая «память» надолго, органично вливаясь в первые абстрактные произведения; иконография «русских сцен» будет использована в дальнейшем; опыты в области ксилографии позволяли быть современным, оценить искусство фовистов и экспрессионистов.

Кандинский был поражен картиной Матисса «Радость жизни» и рядом других его произведений. Чуть позже Кандинский прочитал его статью «Заметки о живописи», опубликованную в 1908 г. Мысли о композиции как об «искусстве размещать различные элементы» и о чистом цвете станут ему близки. Кандинский предельно ясно выскажет свое мнение: «...только Матисс перешагнул через «случайность форм природы».

Матиссовские краски будут жить в абстрактных композициях Кандинского: они экспрессивны, выражают и цвет, и саму «идею» цвета, «працвет» синего, красного, белого, зеленого. Даже манера наложения красок на холст порой напоминает приемы французского художника.

Благодаря Клоду Моне, а затем и Матиссу художник стал осознавать, что форма и цвет не нуждаются в предметной мотивировке. Правда, у Моне и Матисса краски, имеющие чувственную природу, всегда являлись особым эквивалентом зрительного образа, но Кандинский почувствовал, что сможет перешагнуть через это.

Мюнхен, 1908 г. Когда возвращается в Германию пишет ряд пейзажей под фовистов.

1909 г. организует новое мюнхенское отделение художников. При создании объединений он не предъявлял требований эстетического единства, подключая к общему делу художников разной направленности. У Кандинского, кроме того, имелась принципиальная установка на интернационализацию передового искусства.

Работами, сигнализирующими о переменах, стали в 1909 г. «Синяя гора», «Купола», «Пейзаж с лодкой», «Дамы в кринолинах». Фактура утяжелилась, красочные пятна приобрели плотность; композиция начала строиться как взаимодействие обобщенных форм. Это синтетический стиль с напряженными красочными контрастами.

1909 г. Дамы в кринолинах. Отражает характер живописи Кандинского тех лет (что-то от Борисова-Мусатова). Но у Кандинского нет ностальгического восприятия этого ушедшего прошлого. Он делает эти темы современными. В тот же год он знакомится с живописью немецкого экспрессионизма. Символизм и теософия помогли Кандинскому открыть романтическую традицию, более того, прочно связать себя с ней. По его мнению, «романтизм — глубок, красив, его содержание радостно; это кусок льда, в котором сияет огонь». Много давало чтение журналов «Мир искусства», «Золотое руно», «Аполлон», в некоторых он печатался и сам.

Замок в Мурнау

Об эволюции стиля, датах и названиях произведений легко можно узнать по записным книжкам Кандинского и Мюнтер, где под порядковыми номерами отмечались все созданные произведения, давались им названия (нередко и по-русски и по-немецки), делались небольшие композиционные зарисовки. «Импровизация I» (1909), с которой начался новый стиль, не сохранилась. Следующая работа того же 1909 г.— «Погребальная процессия», затем последовали «Ориенталистическое», «Лодки», «На пляже» и др. Сам художник считал, что «импрессии» (т. е. впечатления) передают эффект видимой натуры, «импровизации» выражают впечатления внутренние, а «композиция» для Кандинского звучала, как «молитва», и вызывала в нем «внутреннюю вибрацию». Чаще всего «композиции» были среди его работ самыми большими по размеру и самыми отвлеченными по мотивам (например, «Композиция VI» имеет размеры 195X300 см).

Многие произведения предварялись эскизами (живописными, перовыми и акварельными); наконец, имелись варианты, порой до четырех, отличающиеся по степени абстрагирования изобразительных элементов. Так, «Св. Георгий III» есть в отвлеченном варианте, в «лубочном» и исполненном более реально. Некоторые из вариантов писались на стекле. Само тяготение к некоторой серийности, начавшееся с «Руанского собора» Моне, типично для авангардистского художественного сознания.

Гора, 1909 г. В 1909 году он начинает работать над импровизациями, где все более зашифровывает реальные формы, вплоть до того, что вскоре они полностью исчезают.

Кандинский вместе со своими сподвижниками создает "Новую ассоциацию художников" и, что более важно - объединение "Синий всадник" (в 1911 году, совместно с Францем Марком). «Новое художественное объединение Мюнхена», в которое входят В. Бехтеев, М. Веревкина, А. Явленский, Г. Мюнтер, М. Коган, К. Хофер, А. Канольдт, А. Кубин, В. Издебский, А. Эрбеле, Ле Фоконье и П. Жирье. Прообразом общества, председателем которого стал Кандинский, является дрезденский «Мост». Однако по сравнению с ним мюнхенское общество отличалось пестрым национальным составом. В галерее Танхаузер в сентябре того же года открывается первая выставка объединения. В предисловии к каталогу, фактически являющемся манифестом общества, Кандинский говорит о существовании двух миров, внутреннего и внешнего, и о значении искусства, которое их соединяет. Каждый из художников по-своему решал, каким образом организуются связи таких миров. Кандинский указывал: «... каждый из участников не только знает, как сказать, но знает и что сказать. Разные души — разные душевные звуки, а следовательно, и разные формы: разные гимны красок, разные ключи строя, разный рисунок». На вторую выставку, открытую в той же галерее в декабре 1910 г., были приглашены Пикассо, Брак, Дерен, Вламинк, Кес ван Донген и Руо.

Импровизация

Лирическое

Импровизация 20

1910 г. Мурнау. В декабре 1911 г. С Марком и Маке организует выставку «Синего всадника» и печатает «о духовном в искусстве». Все эти годы Кандинский не порывает связей с Россией, а участвует в выставках художественного объединения «Бубновый валет». Был знаком с Малевичем.

Черное пятно

1911-12 гг. Связана с деятельность Кандинского в «Синем всаднике». Альманах «Синий всадник» мыслился как годовой, где предполагалось представлять теоретические работы, репродукции и хронику. Помимо художников приглашались композиторы Т. Хартман (Ф. Гартман) и А. Шёнберг. В проекте второго тома, который так и не был издан,— фотографии цветов и животных, китч. Финансовую помощь в издании альманаха и устройстве выставок оказывал Герварт Вальден, издатель журнала «Штурм» («Буря»), активно поддерживавший экспрессионизм.

Импровизация 27

Текучая импровизация

С 1910 по 1912 г. он вырабатывает новаторскую концепцию «ритмического» использования цвета в живописи.

С 1914 г. некоторые произведения Кандинского стали называться не по возможным ассоциациям, типа «Концерт» или «Пастораль», а по господствующим элементам формы, вроде «Пейзаж с красным пятном» и т. п.

Принципы двух программных для Кандинского работ ("О сценической композиции" и "О духовном в искусстве") легли в основу сценария "Желтого звука" Шенберга. Композиция имеет сюжет, правда, довольно условный ("абстрактный). В ней участвуют актеры, но это герои-символы. Символично и использование цвета в костюмах персонажей. Так, ребенок в белом и человек в черном воплощают жизнь и смерть. Группы людей в красном и синем символизируют земное и духовное, а великаны в желтом - безумное и низменное. Должен присутствовать у Кандинского и свет, но это просто лучи, освещающие героев и своей динамичностью помогающие связывать сценическое действие с музыкой. (А столь многозначительные рассуждения Кандинского о "движущейся абстрактной живописи", оказывается, имели в виду в основном восприятие абстрактного танца в цветных костюмах.) Есть здесь и примеры контрапункта средств. Так, а третьей картине световому crescendo соответствует музыкальное diminuendo, а тихому шепоту великанов противопоставлен яркий меняющийся цветной свет. В пятой картине Кандинский советует использовать эффект несовпадения темпов музыки и танца.

Сам художник не успел увидеть свой "Желтый звук" на сцене. Предвидя трудности воплощения абстрактной сценической композиции по одному только словесному описанию, Кандинский считал, что главными в опубликованном сценарии останутся предлагаемые им принципы. Как и следовало ожидать, все попытки поставить "Желтый звук" в разных странах в последующие годы внешне очень сильно отличались друг от друга, - что неудивительно, если учесть различие музыкальных решений (музыка Т.Хартмана в США, А.Веберна во Франции, А.Шнитке в СССР ⁾). Подчеркнем, однако: во всех случаях свет использовался согласно театральным канонам, а движущаяся "абстрактная живопись" сводилась к восприятию абстрактного танца в цветных костюмах и в окружении абстрактных декораций.

Москва, 1916 г. Свои главные абстрактные работы он создал в промежутке с 1914 г. по 1940. В 1914 г. художник вернулся в Москву. Война оказала на него сильное воздействие как и на всех художников. В последующие годы работал над реалистическими и полуабстрактными полотнами, в основном пейзажами.

В Москве за редким исключением он не обращается к абстрактным композициям, напротив, он как бы идет в эволюции своего стиля назад: вновь появляются полуимпрессионистические виды, в манере 1908—1909 гг. исполнено полотно «Красная площадь» (1917). Особенно удивляют своей реалистической направленностью виды Суворовского и Смоленского бульваров, написанные из окна.

Золотое облако

Белый мазок

Композиция №5

После революции 1917 г. Кандинский активно занимался общественной работой. В 1918 г. он участвовал в организации охраны памятников, создании Музея живописной культуры ( его целью по мысли Кандинского было теоретически понять природу художественной культуры) и Российской академии художественных наук, преподавал во ВХУТЕМАСе и издал свою автобиографическую книгу «Ступени» (М., 1918).

В 1918—1919 г. он был членом художественной коллегии Отдела ИЗО Наркомпроса, в 1919—1921 г. — председателем Всероссийской закупочной комиссии, учёным консультантом и заведующим репродукционной мастерской, почётным профессором Московского университета. Кандинский также был избран вице-президентом РАХН. Продолжал он и писать — в этот период, в частности, созданы декоративные композиции на стекле «Амазонка» (1918) и «Амазонка в горах» (1919).

В сером, 1919 г.

В декабре 1921 г. Кандинский выехал для организации отделения РАХН в Берлин. Участвовал в Первой выставке русского искусства в Германии. В Россию он не вернулся. В Берлине начал преподавать живопись и стал видным теоретиком школы «Баухауз» (мастерская живописи и рисунка). Знакомится с Миро, Делоне. В его искусстве становится все больше тайнописи, «иероглифического письма», характерного для Клее. Он начинает размышлять о проблемах пространства и потому обращается к графике и черно-белым работам.

Эскиз настенной декорации, 1921 г. С 1921 г. Линия у него начинает носить зооморфный, амебовидный характер. Вскоре получил всемирное признание как один из лидеров абстрактного искусства.

Для Баухауса разрабатывает эскизы керамики. Он все больше стремится внедрить новые качества искусства в сферу производства, а потому они обращается к ДПИ. У него в 1920-е гг. Идет поиск первоначальных форм. Клее и Кандинский вели занятия, чередуясь друг с другом, причем студенты часто ходили и к «Шиллеру» и к «Гете», как шутливо они называли этих двух педагогов (не стоит забывать, что дело происходило в Веймаре). Свои обобщения художники-педагоги высказали в работах «Педагогические эскизы» (1924) Клее и «Точка и линия к плоскости. Пролегомены в науке об искусстве» (1926) Кандинского. Тексты их имеют много точек соприкосновения, хотя заметно, что Клее любит форму подвижную, игровую, зависящую от стихии подсознательного, а Кандинский исследует, начиная с точки, праэлемент любого изображения.

Здесь проявляется немало нового: во-первых, семантизация геометрических форм (что намечалось уже в книге «О духовном в искусстве»), во-вторых, мысли о «молчании» и «покое».

Живопись Кандинского претерпела сильные изменения. Это «холодный», как он сам говорил, стиль. Уже в графическом цикле «Малые миры» (1922) видна последовательная геометризация формы, она может напомнить супрематические композиции К. Малевича. Его произведения Кандинский видел в России.

Иногда он пытался объединить новые приемы со своими прежними, называя работы 1924 г. «ландшафтами». Картины назывались обычно или по характеру основных элементов, в них использованных (углы, пересечения, квадраты и круги), или более отвлеченно: «Приход», «Холодная энергия», «Темный импульс».

После переезда Баухауза в Дессау Кандинский ведет курс стенной живописи, что связано с его концепцией «монументального искусства», которое объединяет все остальные. Самое интересное пространственное решение он исполняет в связи с проектом зодчего Мис ван дер РОЭ — «Музыкальный салон» (1931, абстрактные композиции в керамике).

1923 г. оранжевый.

1924 г. – насыщенный коричневый.

1925 г. В светлом овале.

1925 г. В синем.

В 1928 г. художник принял немецкое гражданство. Знакомится с разными художниками, а 1924 г. – рождение сюрреализма, а потому многие его абстрактные работы 1920-х гг. связаны с сюрреализмом.

1925 г. Желтый, красный, голубой.

У Кандинского в работах всегда есть некое светлое пространство света, открытое. И всегда вместе с этим будет сосуществовать некая тьма. Как в природе, где одно сосуществует с лругим.

Когда в 1933 г. к власти пришли нацисты и закрыли Баухаус, эмигрировал во Францию. Его работы будут включены в выставку дегенеративного искусства в 1937 г.

В 1930-е гг. Он уже будет изображать характерные круглящиеся формы в пространстве.

Конец 1920-х гг.Круги.

Его работы начинают напоминать биологические образования на клеточном уровне. В 1920-е гг. У него много общего с Клее.

Когда Кандинский уехал в Париж он оказался в совершенно другом художественном окружении (Певзнер, Миро, Делоне), вместе с которым участвует в выставке «Абстрактное и конкретное». С 1933 по 1944 г. жил в Париже, активно участвуя в интернациональном художественном процессе.

1931 г. решительный розовый.

1932 г. Зеленый кончик»

1932 г. «Четыре угла»

1933 г. «Мрачная обстановка»

1935 г. «Коричневый с добавлением»

1935 г. «Последовательность»

Кандинский считал, что абстрактная живопись должна участвовать в архитектуре и потому много пишет монументальных работ для росписи стен.

1936 г. Композиция 9.

1937 Тридцать

В 1939 г. получил французское гражданство. В конце жизни создает много разных иероглифических образов. Будто он сочинил свой язык, которым что-то пишет. Небесно голубой, 1940. Использует биоморфизм и круглящиеся формы.

1940 г. Вокруг круга.

1943 г. Белая формула.

Видно некое тревожное чувство, рожденное на подсознательном уровне. В годы войны у него в картинах много черного

1944 г. Умеренный натиск. Т.е. Кандинский и создатель нового языка и нового художественного пространства. От Баухауса взял идею о соединении искусства с жизнью, а потому воспринимал свои работы не как отвлеченное умствование, а как возможный элемент пространства жизни.

Умер Кандинский 13 декабря 1944 г. в парижском пригороде Нёйи-сюр-Сен.

Франц Марк.

«Спящие животные», 1913 г. Здесь начинается выход за приделы фигуративности.

«Лисы» 1913 г. Однако, элементы фигуративной живописи у него так и не исчезли до конца.

«Лани» 1913 г.

«Судьба зверей», 1913 г. Считается его лучшим произведением. «Казалось, что животные гораздо чище людей, но потом и в них я стал находить много отвратительного и тогда мои работы становились все более схематичными».

«Пылающие формы», 1913 г. Первая абстрактная картина. Видно его стремление передать жизнь материи в стихийном освобождении. Но после этой работы он ушел на войну и погиб.

МОНДРИАН, ПИТ (наст. имя Питер Корнелис) (Mondrian, Mondriaan Piet) (1872–1944), голландский художник. Его картины, представляющие собой сочетания прямоугольников и линий, являются примером наиболее строгой, бескомпромиссной геометрической абстракции в современной живописи. Родился 7 марта 1872 в Амерсфорте. Его первые работы были написаны в реалистическом стиле (На базар, 1899; Пейзаж с мостиком, 1895 г., Портрет девочки, 1905 г.).

Начинал преподавателем рисования в начальной школе, ранние работы — пейзажи Голландии в духе импрессионизма. Увлекся теософией Е. П.Блаватской.

Влияние постимпрессионизма – ветряная мельница на закате, 1910 г.

В 1911 он познакомился с кубистами, и их творчество начало оказывать значительное влияние на формирование молодого художника (Пейзаж с деревьями, 1911 г.; Натюрморт с кувшином, 1911 г.). Вскоре Мондриан отказался в своих картинах от малейших намеков на сюжет, атмосферу, моделировку и пространственную глубину и постепенно сознательно ограничивал выразительные средства (Серое дерево, 1912 г.). В 1912–1916 он строил композиции на основе свободно сконструированной и заполнявшей холст пространственной сетки. В это время Мондриан, подобно Жоржу Браку и Пабло Пикассо в период аналитического кубизма, предпочитал палитру рыжевато-коричневых и серых оттенков. П. Мондриан в 1912 г., живя в Париже, начинает геометризи-ровать изображения деревьев и фасадов соборов, подходя к системе, которую позже назовет «неопластицизмом» (так озаглавлена его брошюра 1920 г.). На художника, видимо, оказал большое впечатление математик и философ К. Шойенмакер, издавший ряд книг в середине 1910-х гг. В них он причудливым образом соединил неоплатонизм с современной «позитивной мистикой» чисел, ведущих к поискам «конструкции» в действительности. Опора на математику позволяла художнику выдвинуть теорию «мистерии отношений единичного и множественного», «закон прямого угла», «противопоставление вертикальных и горизонтальных линий, как мужских, так и женских» и т. п. Мондриан вырабатывает определенные правила, в которых обращает внимание на пропорции, ритм, размеры, равновесие в композиции, отношения основных цветов красных, синих и желтых с «нецветами» белыми, серыми и черными. Обычно его живописные композиции представляют системы прямоугольников, некоторые из которых окрашены в «цвета».

В 1914 художник вернулся в Голландию к отцу, который был при смерти. Панно №3 – абсолютно абстрактная работа (1913). Первой мировой войны провел на родине, в 1915 сблизился с художником Тео ван Дуйсбургом, основал с ним вместе движение «Стиль» (нидерл. De Stijl) и художественный журнал того же названия. Композиция № 9, голубой фасад. Журнал стал органом неопластицизма — утопии новой пластической культуры как предельной сознательности в скрупулезной передаче обобщенной красоты и истины самыми аскетическими средствами, основными, первичными красочными тонами, линиями, формами. В 1919 снова уехал в Париж. К этому времени он уже был членом кружка, в который входили Тео ван Дусбург, Ауд, Ритвелд и ван Эстерен. Все они были адептами модернизма, работали в стилях, близких к живописи Мондриана, и, возможно, оказали на него некоторое влияние в переходе от кубистических композиций к чистым геометрическим формам красных, желтых и синих прямоугольников.

Композиция из цветных панелей, 1917 г. В 1917 Мондриан и Тео ван Дусбург основали авангардистский журнал «Де Стиль» и группу с таким же названием. Эстетическая теория, лежавшая в основе этого направления, была названа неопластицизмом. В соответствии с требованиями неопластицизма Мондриан еще больше сократил свои художественные средства, используя только белый, серый, черный и наиболее интенсивные тона основных цветов спектра (темные тона, 1919 г.).

Композиция в красном, желтом, синем, черном, 1921 г. К 1920 стиль Мондриана полностью сформировался. Используя прямые линии жестких контуров, он делал композиции асимметричными, достигая динамического равновесия. Черные линии, 1930 г.

Благодаря отказу от частностей и деталей он надеялся достичь более ясного выражения универсальных первооснов творчества, стремясь обрести то, что он называл «чистой пластической реальностью».

1933 г. композиция из желтых линий. Начинает использовать неустойчивые формы ромба.

New York, New York. 1941г. Это серия работ о Нью-Йорке. В 1940 Мондриан переехал в Нью-Йорк; двумя годами позже состоялась его первая персональная выставка.

В одной из последних работ художника, Буги-Вуги на Бродвее (Нью-Йорк, Музей современного искусства), появилась тенденция к отходу от строгих классических принципов авангарда. В этой работе маленькие квадратики расположены пунктиром на сетке линий, что придает всей композиции новую синкопическую сложность и игривость ритма. Умер Мондриан в Нью-Йорке 1 февраля 1944. Его произведения оказали влияние на многих современных художников, таких, как Александр Колдер, Бен Николсон, Виктор Вазарели и Фриц Гларнер. Целый ряд направлений в современном искусстве, например минимализм и оп-арт, восходят к творчеству Мондриана и кружку «Де Стиль», так же, как и формы современной архитектуры, рекламы и печати.

Пауль Клее.

Отец — немец, преподаватель музыки, мать — певица, от них страсть к скрипке и вокалу передалась сыну. С 1898 Клее учился живописи в Мюнхене, с 1900 — в Академии изящных искусств вместе с Кандинским. В Италии открыл для себя архитектуру и живопись Ренессанса (прежде всего — Микеланджело), в Мюнхене — Гойю, Блейка, Энсора, Ван Гога и Сезанна. В 1911 вошел в экспрессионистскую группу «Синий всадник», познакомился с Арпом. В 1912 в Париже встретился с Робером Делоне, увидел работы Пикассо, Таможенника Руссо, Брака. Большое впечатление на художника произвела поездка в 1914 в Тунис, его работа с восточными мотивами близка аналогичным поискам Матисса. В 1915 познакомился с Рильке. В 1916—1918 участвовал в Первой мировой войне, но служил далеко от фронта.

В 1920 вышло издание повести Вольтера «Кандид» с иллюстрациями Клее. С 1920 по 1930 он преподавал в Баухаусе. В 1925 участвовал в парижской выставке сюрреалистов. В 1933 под давлением нацистов был вынужден отказаться от места профессора в Дюссельдорфской художественной академии и вернулся в Швейцарию. В 1935 большая экспозиция работ Клее прошла в Берне, в том же году у него были обнаружены признаки склеродермии, от которой он позже и умер. В 1937 17 его работ фигурировали на пропагандистской выставке нацистов «Дегенеративное искусство». В 1940 состоялась последняя большая прижизненная выставка мастера в Цюрихе.

Был похоронен в г. Лугано, через несколько лет урна с прахом перенесена на кладбище в Берне.

Наследие Клее входят около 9 000 работ. Связанный с экспрессионистами, он всегда оставался художником-сновидцем — отсюда близость ему таких мастеров, как Гойя, Блейк, Энсор, Мунк, французские сюрреалисты. Вместе с тем, он чрезвычайно интересовался творчеством аутсайдеров — душевнобольных, примитивистов-самоучек, детей. Теоретические труды Клее, его аналитические дневники и переписка имеют для искусства ХХ века не меньшее значение, чем трактаты Леонардо да Винчи — для эпохи Ренессанса.

Эрмитаж, 1918 г. Можно сказать, что эксперимент Клее обращен к созданию формаций чистой видимости, в каждой из которых, как своей естественной среде, проявляется способ видения, независящий от видящего. Видимость эта дофигурна, допространственна,современна. Иначе говоря, первая ошибка в восприятии полотен Клее может заключаться в том, что мы пытаемся созерцать их, соотнося с той пространственной рамкой, которой, как нампредставляется, мы владеем. Клее же открывает другие рубежи живописи, — может быть, даже то, что можно назвать не-живописью в живописи, но не в смысле отрицательного значениячастицы "не", а в смысле позитивном, утверждающем живопись там, где она не-живопись — где она становится живописью. Изображение освобождается от функций репрезентации, теряет свою, и без того хрупкую, исчезающую, связь с изображаемым. В поле изобразительных знаков и их "случайных" геометрий вступают не вещи, не бытие или мир отраженный, а силы, становления сил. Словно повторяя слово в слово формулу Ницше, Клее утверждает: "...становление более важно, чем бытие". Нашему глазу, плывущему в пространстве созерцания, предстоит столкновение с прозрачной стеной, на которой ему не за что зацепиться, — реальность изображаемого дематериализована и само изображение если еще и может представлять собой материальный след, то лишь полностью освобожденный от созерцающего тела, — абсолютно инертный след. Клее определяет задачу:

"...избегать массивного использования материального (дерево, металл, стекло ит.д.) в пользу использования идеальных данных (линия, тон, цвет), которые неявляются затрагиваемыми вещами" .

Даже явление самого полотна как носителя графических и цветовых значений предстает в качестве случайного: то, что перед нами, это не графика-для, а графика-в-себе, и это не образы, а диаграммы сил становления, если хотите, пред-образная материя образа — то, что делает образ видимым и исчезает, как только он появляется. Если же его появление задерживается, то мы сталкиваемся с существованием того, что делает возможным его актуализацию, что дает нам видимое.

	On a Motif from Hamamet. 1914. Tempera on board. 27 x 22.5 cm. Kunstmuseum Basel, Basel, Switzerland.
	Hermitage. 1918. Watercolor on chalk ground. 18.3 x 25.4 cm. Paul Klee Foundation, Kunstmuseum, Berne, Switzerland.
	Cosmic Composition. 1919. Oil on pasteboard. 48 x 41 cm. Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf, Germany.
	Nocturnal Festivity. 1921. Oil on board. 50 x 61 cm. The Solomon R. Guggebheim Museum, New York, NY, USA.
	A Young Lady's Adventure. 1921. Watercolor. 43.8 x 30.8 cm. Tate Gallery, London, UK.
	Crystal Gradation. 1921. Watercolor. 24.5 x 31.5 cm. Kunstmuseum Basel, Basel, Switzerland.
	Revolving House. 1921. Oil on cotton cloth. 37.5 x 52.2 cm. Thyssen-Bornemisza Collection, Madrid, Spain.
	Red Balloon. 1922. Oil on muslin primed with chalk. 31.8 x 31.1 cm. The Solomon R. Guggebheim Museum, New York, NY, USA.
	Senecio. 1922. Oil on gauze. 40.5 x 38 cm. Kunstmuseum Basel, Basel, Switzerland.
	Puppet Theater. 1923. Watercolor on chalk ground. 51.4 x 37.2 cm. Paul Klee Foundation, Kunstmuseum, Berne, Switzerland.
	Carnival in the Mountains. 1924. Watercolor on paper on board. 23.5 x 31.1 cm. Paul Klee Foundation, Kunstmuseum, Berne, Switzerland.
	Botanical Theater. 1924/34. Oil and watercolor on board. 50.2 x 67.2 cm. Private collection.
	Fish Magic. 1925. Oil and watercolor varnished. 76.8 x 98.1 cm. The Philadelphia Museum of Art, Philadelphia, PA, USA.
	Gate in the Garden. 1926. Oil on panel. 54.5 x 44 cm. Huggler Foundation, Kunstmuseum, Bern, Switzerland.
	Reconstructin. 1926. Oil on muslin. 36.3 x 39.3 cm. Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf, Germany.
	Around the Fish. 1926. Tempera and oil. 46.3 x 64.1 cm. The Museum of Modern Arts, New York, NY, USA.
	Attrappen (Omega 5), 1927. Oil and watercolor on cadboard. 56.5 x 42.5 cm. Thyssen-Bornemisza Collection, Madrid, Spain.
	Little Jester in a Trance. 1929. Oil and watercolor on hessian. 50 x 35.5 cm. Museum Ludwig, Cologne, Germany.
	Monument in Fertile Country. 1929. Watercolor. 46 x 30.5 cm. Paul Klee Foundation, Kunstmuseum, Berne, Switzerland.
	Fire in the Evening. 1929. Oil on board. 37 x 36 cm. The Museum of Modern Arts, New York, NY, USA.
	Ad Marginem. 1930. Watercolor varnished. 46.3 x 35.9. Kunstmuseum Basel, Basel, Switzerland.
	Fruits on Red. 1930. Watercolor on silk. 61.2 x 46.2 cm. Stadtische Galerie im Lenbachhaus, Munich, Germany.
	Conqueror. 1930. Watercolor. 41.6 x 34.2 cm. Paul Klee Foundation, Kunstmuseum, Berne, Switzerland.
	Individualized Altimetry of Stripes. 1930. Pastel fixed with flour paste. 18 1/2 x 25 1/8". Paul Klee Foundation, Kunstmuseum, Berne, Switzerland.
	Siblings. 1930. Oil on canvas. Private collection.
	Polyphony. 1932. Tempera on linen. 66.5 x 106 cm. Emanuel Hoffman Foundation, Kunstmuseum, Basel,  Switzerland.
	Ad Parnassum. 1932. Oil on panel. 100 x 126 cm. Paul Klee Foundation, Kunstmuseum, Berne, Switzerland.
	The Future Man. 1933. Watercolor applied by spatula. 61.8 x 46 cm. Paul Klee Foundation, Kunstmuseum, Berne, Switzerland.
	Drawn One. 1935. Gauze. 30.5 x 27.5 cm. Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf, Germany.
	Contemplating. 1938. Paste color on newsprint. 47.2 x 65.8 cm. Galerie Beyeler, Base,  Switzerlandl.
	Heroic Roses. 1938. Oil on stained canvas. 68 x 52 cm. Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf, Germany.
	Red Waistcoat. 1938. Paste color, waxed. 65.1 x 42.5 cm. Kunstzammlung Nordrhein-Westfalen, Dusseldorf, Germany.
	Woman in Peasant Dress. 1940. Paste color on paper. 48 x 32 cm. Paul Klee Foundation, Kunstmuseum, Berne, Switzerland.
	Woman in Peasant Dress. 1940. Paste color on paper. 48 x 32 cm. Paul Klee Foundation, Kunstmuseum, Berne, Switzerland.
	Death and Fire. 1940. Oil on paper. 46 x 44 cm. Paul Klee Foundation, Kunstmuseum, Berne, Switzerland.