Живопись Испании 16 – первой половины 17 века



Дата20.07.2016
өлшемі77.81 Kb.

Живопись Испании 16 – первой половины 17 века

Это была эпоха расцвета испанской культуры, когда в театрах шли произведения Лопе де Вега, Тирсо де Молины, а Сервантес создал бессмертного «Дон Кихота». Искусство Испании отличается совмещением реалистических черт с возвышенным и прекрасным. Заметно сильное преобладание религиозных сюжетов, что было вызвано сильнейшим влиянием католической церкви, не отступившей в Испании под натиском Реформации.

Центрами ренессансной культуры стали города Валенсия, Севилья, Толедо.

Эль Греко (1541 – 1614)

Этого художника отличали интерес к философии, мятежность натуры, аристократическая утонченность образов, мистическая экзальтация, трагизм образов – все это черты кризиса гуманистического мировоззрения.

О самом художнике известно немного: его имя обозначает его происхождение – грек. Он родился на острове Крит, до 1570 года учился в Венеции у великих мастеров, затем отправился в Рим, но с 1577 года жил в Испании, в Толедо. Он считается испанским живописцем.

Сюжеты Эль Греко – это мученичества святых, подвижничество аскетов, изможденных постоянным постом, герои его в состоянии мистического экстаза. Отсюда возвышенные, как бы тянущиеся к небу удлиненные фигуры. Низкий горизонт увеличивает их масштабы. Деревья, скалы, облака на его картинах кажутся живыми, подвижными, контуры трепещут. Мир подвержен изменениям, и человек не в силах с ним совладать.

Колорит Эль Греко пронзительно – светлый, голубовато-серо-стальной тон, яркая киноварь, лимонно-желтый, изумрудно-зеленый, синий, бледно-розово-фиолетовый.

«Погребение графа Оргаса» (1586 – 1588)

На полотне прославление графа Оргаса, умершего за 250 лет до картины. По преданию, во время похорон свершилось чудо: двое святых сошли с небес и положили тело графа в могилу. Картину заказала церковь Санто Томе в Толедо, бывшем тогда столицей Испании. Картина предназначалась для капеллы, где похоронен граф Оргас. На полотне мы видим неизбежность смерти, но моральный подвиг, совершенный графом при жизни, а он был известен своими добрыми делами, награждается после смерти. Основу цветовой гаммы составляет контраст черных нарядов идальго, серой одежды

монаха и золотых и парчовых мантий святых. Пламя факелов освещает белую одежду воодушевленного священника, сверкают написанные с поразительной достоверностью доспехи с серебряной насечкой, в которые облачен умерший граф. Все создает таинственную, мрачную и торжественную гармонию. Внизу – земной мир. Перед нами портреты толедцев: лица строгие, замкнутые, бледные, утонченные, на них изумление и скорбь. Фигуры неподвижны, но жесты рук выдают затаенную взволнованность. Священник в прозрачном верхнем облачении – настоятель церкви, где был погребен граф. Человек, устремивший взгляд на зрителя, возможно, сам художник. Мальчик слева – сын художника, из кармана у него выглядывает платок, на котором стоит год его рождения – 1578. Ноги графа поддерживает Св. Стефан – мученик, побитый камнями в 35 г. Н.Э. На его стихаре сцена его гибели. Фигура монаха слева повторяет позу священника с библией справа. Справа от графа – Св. Августин в епископской митре.

Если в нижней части картины царит скорбь и неподвижность, то в верхней все полно движения, там – небесный мир. Центр его составляют три фигуры: Христос в сияющих одеждах, Иоанн Креститель, почти обнаженный, и Богоматерь, склонившаяся навстречу душе графа. Слева на облаках восседают райские музыканты, ангел с крыльями стремительно возносится вверх. Над Богоматерью апостол Петр с ключами от рая, среди небожителей человек с черной бородой – король Испании Филипп Второй. Распятие справа связывает земной и небесный мир воедино. Небо освещено холодным светом, краски прозрачны. Эль Греко демонстрирует великолепное мастерство в изображении рефлексов стали на доспехах графа, жемчугах, узорах белых кружев на черном бархате. Картина поражает соединением мистического и реального.



«Апостолы Петр и Павел» (Эрмитаж)

Перед нами противопоставление различных типов людей. Слева Петр с изможденным лицом, на котором читается печать неуверенности, сомнений. Колорит его фигуры холодный: переливчатый, золотисто-зеленый. Справа – повелительно-властный Павел, великий проповедник и распространитель христианства по миру, ставший христианином уже после смерти Иисуса. Павел строг, сдержан, полон внутреннего горения. Пылает его плащ, нарисованный темно-красной краской, жесты рук как бы ведут диалог. Фигуры возвышенны, пропорции искажены, удлинены.



«Вид Толедо в грозу» представляет город во власти космических сил. Кажется, что это город призрак, появившийся лишь на миг, пока сверкает молния и грохочет гроза.

Хусепе Рибера (1591 – 1652)

На полотнах этого художника религиозные темы, данные с жизненной достоверностью, бытовой конкретностью.



«Святая Инесса» (1641)

Перед нами трогательно хрупкая девушка, которую вывели на позор перед толпой за то, что она была тайной христианкой. Но в это время у нее чудесным образом выросли волосы и ангел, спустившись с небес, укрыл ее тело покрывалом. Ее угловатая фигура сочетается с грацией юности. Лицо девушки – мученицы озарено лучистым взглядом, вокруг ее фигуры рассеян свет, контуры смягчены, возникает атмосфера духовности, которой противостоит холодная реальность каменного пола площадки и темного провала, из которого вывели Инессу.



«Веласкес Диего (1599 – 1660)- величайший живописец Испании.

Несмотря на то, что Веласкес был придворным живописцем, он сумел сохранить идеи гуманизма, верность демократическим традициям и любовь к простым людям, которые впервые предстают на его полотнах во всем своем величии.

Начинал Веласкес свой творческий путь с жанровых картин. На них представали незатейливые сцены народного быта: харчевни, завтраки, убогая утварь, но в то же время суровая красота народной жизни.

«Водонос» (1618)

Веласкесу было только двадцать лет, когда он создал эту поразительную по реализму картину, на которой представлены простолюдины. Старый водонос с чувством собственного достоинства подает мальчику бокал холодной прозрачной воды. Стеклянный бокал написан с поразительной достоверностью. Капельки воды застыли на глиняном кувшине. Уже в этой картине Веласкес находит сочетание черного и коричневого, которое он будет так любить. Замечательно передана фактура вещного мира: одежда, посуда. С этой картиной Веласкес из родной Севильи перебрался в Мадрид, где вскоре стал придворным художником Филиппа Четвертого.



«Филипп Четвертый» (1628)

Перед нами анемичное лицо, холодное, с бесстрастными глазами и тяжелой челюстью. Но фигура импозантна, представительна, пропорции удлинены, широко развернуты плечи, небольшая голова. Темный плащ придает величественность строгому силуэту. Поза статична, неподвижна, движения сдержаны, гордое лицо замкнуто. Все это говорит о высокомерной отчужденности короля. В цветовой гамме контраст холодного лица, белого воротника и темного плаща.



«Вакх» на этой картине Веласкес придает простой пирушке простолюдинов характер проявления вечных сил природы, поэтому здесь в виде простого испанского юноши изображен бог вина Вакх.

«Сдача Бреды» (1634-1635)

Перед нами эпизод войны за независимость Голландии. В 1625 году голландцы сдали испанцам крепость Бреду. Веласкес запечатлел момент передачи ключей от крепости испанскому полководцу. Это первое реалистическое историческое полотно в Европе. Строгие ряды испанцев под ровным строем пик противопоставлены живописной группе голландских солдат. Но голландцы не теряют чувство собственного достоинства. Поразительно точно написан круп лошади, уводящий наш взгляд в глубину. В глубине видны войска испанцев и голландцев. Прекрасно передана фактура одежд, оружия, знамен. Это история, представшая на полотне.



«Венера перед зеркалом» (1649)

Несмотря на строжайший запрет изображать обнаженное человеческое тело, не снятый в Испании и в эпоху Возрождения, Веласкес на этой картине воспел женскую красоту. Но его Венера – не античная богиня, аристократически утонченная или роскошная женщина, как у Тициана, а скорее, простая крестьянка, с не очень юным лицом, которое смутно отражается в зеркале. Перед нами гимн красоте испанской женщины.



«Портрет инфанта Фердинанда»

Веласкес создает портрет на пейзажном фоне, передана воздушная глубина, мягкий серебристый свет окутывает фигуру, видна большая элегантность, и при этом естественность мальчика. Веласкес воспроизводит все детали костюма, шелк ленты, ткани, фактуру щеголеватой шляпы.



«Портрет папы Иннокентия Десятого» (1650)

Портрет был создан во время второй поездки в Италию. Это величайшее создание реалистического портрета. Сам папа сказал про свое изображение знаменательные слова: «Слишком похож». Тяжелый взгляд смотрит недоброжелательно. Видно, что изображенный хитер, жесток, двоедушен, но вместе с тем умен, решителен, проницателен. В цветовой гамме преобладает мощное звучание темно-красных, вишневых, пурпурных, пламенно-розовых оттенков накидки, скуфьи, кресла, фона. Контраст этому – голубые глаза, белоснежный воротник, мерцающие складки кружевного белого стихаря. На картине видно влияние венецианской школы, что сблизило Веласкеса с Рубенсом, с которым он познакомился в 1628 году.



«Менины» (1656)

Сложнейшее полотно, на котором предстает внутренняя жизнь с ее изменчивостью, контрастами. Менины – это фрейлины при дворе испанской инфанты – дочери короля. На картине мы видим инфанту Маргариту в окружении фрейлин. А плева – сам художник перед мольбертом, с кистью в руке. Кого же он пишет? Ведь он не может писать девочку, так как она стоит не перед ним, а позади холста. Ответ дает зеркало в глубине комнаты. Там смутно отражается королевская чета. Именно их пишет Веласкес, а Маргарита только на минуту зашла в комнату. Так выхвачена сцена из повседневного быта двора. Дворцовый уклад подчинялся особым правилам. Мы видим, как почтительно склонилась (по этикету) фрейлина перед инфантой, подавая ей красный терракотовый кувшинчик, вероятно, с прохладительным напитком. Но жанровая сцена нарушает статичность, неподвижность придворной жизни. Изображение королевской четы в зеркале напоминает нам «Чету Арнольфини» Ян ван Эйка. Картина находилась в Мадриде, и Веласкес ее не раз видел. Справа дремлет собака, значит, сеанс позирования продолжается уже давно. Художник не торопится при изучении своих моделей. На груди его мы видим крест ордена Святого Иакова. Но орден был получен художником уже после завершения картины, поэтому Веласкес дописал свою награду позже. Дворецкий в глубине указывает на чету короля – нельзя, чтобы они остались незамеченными. Позади второй фрейлины беседуют монахиня и священник, напоминая нам о могуществе католицизма в Испании. Придворные карлики и шуты часто появляются на полотнах Веласкеса. Придворный шут Николасито, дурачась, наступает на сонного пса, что придает картине еще большую живость. Игра света и тени на боковой стене увеличивает глубину изображения. Глубину пространства помогает создать необычно большое изображение потолка. Крюки для подвески люстр подводят наш взгляд к зеркалу.

Цветовая гамма картины необыкновенно богата: общий тон серовато-зеленый и серо-коричневый. Господствуют черный и серебристо – белый, серо-жемчужный тона. В них вписаны розовое платье инфанты, золотистые волосы, обрамляющие умное, живое и немного надменное лицо будущей императрицы. На платьях инфанты и фрейлин кораллово-красные и голубые цветы. Полотно стало размышлением Веласкеса на темы живописи и роли художника. Веласкес сумел необыкновенно высоко поднять престиж профессии художника в Испании. Картина оказало огромное влияние европейскую живопись: Франсиско Гойя, Эдурд Мане, Пабло Пикассо многому учились у Веласкеса.

«Пряхи»

Перед нами впервые в европейской живописи предстает красота и поэтичность человеческого труда. Изображена гобеленная мастерская, где пряхи, девушки из простого народа, ткут полотно по заказам. На заднем плане – нарядные дамы, заказчицы, рассматривающие великолепный гобелен. А на самом гобелене изображен (выткан девушками) миф об Арахне, которая соревновалась с Афиной в искусстве ткачества. Два источника света создают ощущение глубины интерьера. Мерцает золотистый свет. Серо-голубые, розовые, светло-синие, сиреневые, блекло-желтые, светло-красные, серебристо-белые тона создают удивительно красочную гамму картины. Девушка на переднем плане удивительно напоминает Венеру перед зеркалом Веласкеса. Тот же тип деревенской, народной красоты. Многообразие реального мира, прославление труда красота, переданная через обыденную жизнь – величайшие завоевания Веласкеса в живописи.









Достарыңызбен бөлісу:




©dereksiz.org 2020
әкімшілігінің қараңыз

    Басты бет