Пояснительная записка: Энциклопедический словарь художников это научное издание, содержит биографическую информацию о художниках разных эпох
жүктеу/скачать 1.55 Mb.
|
- Бұл бет үшін навигация:
- САВРАСОВ Алексей Кондратьевич
- САПУНОВ Николай Николаевич
- СЕРЕБРЯКОВА Зинаида Евгеньевна
- СЕРОВ Валентин Александрович
- СОРОКА Григорий Васильевич
САВИЦКИЙ Константин Аполлонович 
Типичный представитель передвижничества, замечательный мастер жанровой живописи К. А. Савицкий был разночинцем по происхождению. Учился в АХ (1862-73) вместе с И. Е. Репиным, дружба с которым, а также сближение с И. Н. Крамским, М. М. Антокольским, И. И. Шишкиным, В. В. Стасовым предопределили во многом идеалы и творческие стремления художника. Уже в годы ученичества он связал свою деятельность с ТПХВ, стал его экспонентом. За это академическое начальство отчислило Савицкого перед самым конкурсом на большую золотую медаль, что лишило молодого художника академического пенсионерства и поставило в трудное материальное положение. Лето 1873 г. Савицкий вместе с И. Н. Крамским проводит на станции Козловка-Засека под Тулой, где "возгорается" замыслом картины "Ремонтные работы на железной дороге" (1874) - первого и одного из наиболее значительных своих произведений. Вслед за Репиным, написавшим за год до того "Бурлаков", Савицкий в картине отражает не отдельный, пусть даже значимый, факт, а целое явление современной ему жизни, сохраняя естественность и непреднамеренность жизненной сцены. Главным героем монументального полотна становится крестьянство. В сложной, но мастерски построенной композиции, где представлено огромное количество людей, движущихся в различных направлениях, Савицкому удалось прекрасно передать ритм и напряженность тяжелейшего труда крестьян, ставших рабочими-поденщиками на строительстве железной дороги. Здесь впервые с небывалой силой проявилось то "хоровое начало" (В. В. Стасов), которое будет свойственно творчеству художника и позднее. Двое персонажей первого плана (мужчины с гружеными тачками) намеренно выделены среди остальных, в них подчеркнуты сила, упорство, решительность. Колорит картины строится на тональном единстве серых, желтых, сине-серых, коричневых красок. Показанная на III передвижной выставке, эта картина сделала имя автора широко известным и получила положительную оценку в среде художников и в прессе. П. М. Третьяков приобрел ее для своей галереи. После продажи картины молодой художник смог выехать во Францию, где уже жили его друзья - пенсионеры АХ И. Е. Репин и В. Д. Поленов. Вместе с ними Савицкий изучал опыт французских живописцев, работал над проблемой пленэра. В созданных им во Франции картинах - "Море в Нормандии (Рыбак в беде)" (1875), "Путешественники в Оверни" (1876) - он в основном сосредоточился на передаче световоздушной среды. Последняя многофигурная композиция интересна как развернутая жанровая сцена, где с большой наблюдательностью переданы различные социальные типы. Пробыв во Франции около двух лет, художник возвращается на родину и окунается в гущу проблем российской действительности. Он делает много рисунков на различные темы. Переведенные в гравюру, эти рисунки воспроизводились в журналах "Всемирная иллюстрация", "Пчела", "Художественный журнал", "Север", "Артист". Созданные в последующие годы капитальные произведения художника - многофигурные картины "Встреча иконы" (1878) и "На войну" (1880-88) - явились его откликом на события, связанные с начавшейся в 1877 г. русско-турецкой войной. Главная тема этих полотен - судьбы крестьянства. Не случайно Савицкого назовут позднее "Некрасовым в живописи", "печальником горя народного". Картина "Встреча иконы" может рассматриваться как своеобразная параллель репинскому "Крестному ходу в Курской губернии" (1880-83). В сходных сюжетах оба художника представили огромное множество людей, толпу, показав различие характеров и состояний. Но в отличие от Репина, на грандиозном по замыслу полотне которого изображены представители практически всех сословий русского пореформенного общества, Савицкий дал в основном образы крестьян, но образы типичные и глубокие. Здесь старики и старухи, мужчины, женщины, дети. Некоторые молятся неистово, другие сдержанно, иные просто стоят в безмолвии, к то-то торопится, бежит. "В картине... сто разных желаний, надежд и ожиданий несутся из этих бедных человеческих грудей вокруг иконы..." - писал В. В. Стасов. Над картиной "На войну" Савицкий начал работать в 1880 г., выполнил ее первый вариант, который впоследствии разрезал на части. Во втором варианте полотна (1888) художник стремился к решению новой задачи - созданию живописной эпопеи. Изображены проводы на войну, идут последние минуты прощания. Композиция строится из отдельных групп; каждая группа - семья, провожающая своего кормильца. Одни персонажи - сдержанны, мужественны, другие - во власти эмоций и переживаний, но всех объединяет общая беда. В цветовом решении полотна художник отказывается от тонального колорита своих ранних картин и работает локальными пятнами, яркими, но уравновешивающими друг друга. В 1891 г. Савицкий переехал в Москву, где наряду с творческой работой занимался преподаванием в МУЖВЗ. Но в полной мере талант Савицкого как организатора и педагога развернулся позднее, в Пензе (с 1897), где он стал директором вновь открытого художественного училища. Среди работ последнего периода наиболее интересны картины "Павшая лошадь ("Кормилица ты наша")" и "Спор на меже" (обе 1897), в которых заметны поиски новых выразительных средств, близких к живописи художников молодого поколения. САВРАСОВ Алексей Кондратьевич 
А. К. Саврасов родился в семье мелкого торговца, сумевшего стать купцом третьей гильдии. Он рано начал рисовать (даже подростком делал пейзажные "картинки" на продажу) и поступил в МУЖВ, сразу избрав своей специальностью пейзаж. После окончания учебы в 1850 г. жизнь его складывалась довольно благополучно. Он добросовестно работал, изредка получал неплохие заказы, однажды даже от великой княгини Марии Николаевны - на виды близ ее дачи под Петербургом. Картины его нравились и постепенно завоевывали ему скромную известность и уважение коллег. Он удачно женился. В 1854 г. Саврасов получил звание академика, а три года спустя - младшего преподавателя перспективной и ландшафтной живописи в родном училище. Преподавал он не столько методично, сколько увлеченно, прививая ученикам любовь к природе. Совсем не случайно из его мастерской вышли И. И. Левитан и К. А. Коровин, вспоминавшие учителя с восторгом и благодарностью. Время от времени Саврасов совершал ближние и дальние поездки (в том числе и в Западную Европу), обогащая себя новыми впечатлениями, но милее всего художнику была Центральная Россия, неброская природа которой помогала ему понемногу изживать заученные приемы изображения. Переломным в судьбе Саврасова оказался 1871 г., когда он выступил на I выставке ТПХВ, одним из организаторов которого был. В картине "Грачи прилетели", основываясь на самом заурядном, даже неказистом мотиве (этюды к картине были исполнены в деревне Молвитиново Буйского уезда Ярославской губернии), он сумел с непривычной для своего времени эмоциональной силой поведать о переходной весенней поре, когда природа начинает пробуждаться от зимней спячки. "Грачи прилетели" Саврасова и "Оттепель" Ф. А. Васильева (показанная на той же выставке), проложив дорогу лирическому направлению в отечественной живописи, открыли собою новую эпоху. Картина стала подлинной вершиной творчества Саврасова и обессмертила его имя. У него была и вторая вершина, пожалуй не уступавшая первой, - картина "Проселок", исполненная два года спустя, но она, волей обстоятельств, долго пребывала в неизвестности: художник подарил ее своему другу, едва закончив и никому не успев показать. Обнародованная лишь в 1893 г., она была высоко оценена, но время шло уже совсем другое, и ошеломить она уже не могла. В общем сознании Саврасов был, да и остается до сих пор, автором всего лишь одной картины. Ему и в самом деле не удалось создать ничего сколько-нибудь приближающегося к ней, кроме "Проселка", им же скорее всего не оцененного. Между тем он продолжал работать с прежней серьезностью и увлеченностью. Не исключено, что горькие размышления о своей странно сложившейся творческой судьбе стали одной из причин постигшего его несчастья: он катастрофически пристрастился к вину. В середине 1870-х гг. от него вынуждена была уйти жена с двумя любимыми им дочерьми, а в 1882 г. он был уволен из училища. Попытки близких людей остановить его падение ни к чему не приводили. Все это время художник продолжал работать, главным образом на продажу, - варьировал на разные лады тему ранней весны или воспроизводил (десятками) своих знаменитых "Грачей". Редкие проблески живого чувства тут соседствовали с чертами жалкой вульгарности, угождавшей низкому вкусу его нынешних покупателей. Последние годы Саврасов влачил полунищенское существование, то снимая какое-то жалкое жилье, то скитаясь по ночлежкам, давно забытый всеми. На похоронах его присутствовали только П. М. Третьяков и швейцар из училища. САПУНОВ Николай Николаевич 
Весной 1907 г. в Москве на Мясницкой улице открылась художественная выставка под странно звучащей вывеской "Голубая роза". Организаторы и участники ее-в большинстве молодые живописцы, сдружившиеся в первые годы нового века в МУЖВЗ, - самим этим названием декларировали свой уход от изображения скучной реальности, к поискам некоей новой красоты, какой, вообще-то, и нет на свете (как не бывает роз голубого цвета). Одним из участников был Н. Н. Сапунов, учившийся с 1893 г. у И. И. Левитана и окончивший училище в 1901 г. с серебряной медалью. Он показал свои работы на темы "Балаганчика" А. А. Блока, уже поставленного в его декорациях Театром В. Ф. Комиссаржевской в Петербурге (1906). "Идеальной постановкой маленькой феерии "Балаганчик" я обязан В. Э. Мейерхольду, М. А. Кузмину и Н. Н. Сапунову", - писал Блок. Как театральный художник в характерном для времени символистском репертуаре Сапунов уже выступал несколько раньше (неосуществленная "Смерть Тентажиля" М. Метерлинка, вместе с С. Ю. Судейкиным, 1905; "Гедда Габлер" Г. Ибсена, 1906). Его театральные работы красочны, декоративны, художник превращает сцену в оживающую нарядную и сочную живопись ("Шарф Коломбины" А. Шницлера, "Голландка Лиза" М. А. Кузми-на, обе 1910, Дом интермедий в Петербурге). А в живописи Сапунов нередко театрален, зрелищен, недаром по мотивам собственных декораций он затем писал яркие картины. Среди его любимых живописных тем, дающих возможность развернуть нарядные феерии звучных и светлых, слегка выцветших, словно на гобелене, красок, были праздники и народные гулянья, карусели, маскарады ("Карусель", 1908; "Весна. Маскарад", 1912, и др.). В праздничное зрелище превращает его кисть и спокойный обряд чаепития ("Чаепитие", 1912). Смелая красочность съедает в работах Сапунова глубину пространства, сближает с ковровой поверхностью холста яркие цветные пятна одежд, голубоватую зелень деревьев, пестрые обои купеческого интерьера. Легкую матовую темперу художник предпочитал тяжелому, густому маслу. Еще один его любимый жанр - декоративный натюрморт, с вычурно-нарядными вазами, драгоценным золоченым фарфором и цветным стеклом на фоне мерцающего шелка, с крупными, пышными, чуть приувядшими, потерявшими свою упругость цветами, словно тающими в напоенной их густым, пряным ароматом атмосфере пышности и богатства. В них есть всегда некая чрезмерность, почти приторное изобилие матово-нежных оттенков голубого, золотистого, сиреневого и холодного розового ("Голубые гортензии", 1907; "Пионы", 1908; "Цветы и фарфор", 1912, и др.). Короткая жизнь талантливого художника оборвалась внезапно и нелепо: он утонул, катаясь летней белой ночью на лодке. СЕРЕБРЯКОВА Зинаида Евгеньевна 
Зинаида Евгеньевна Серебрякова родилась 12 декабря 1884 года в родовом имении Нескучное под Белгородом. Дед по матери - Николай Леонтьевич Бенуа - был профессором, академиком, председателем Петербургского общества архитекторов, его сын Александр Николаевич Бенуа, "дядя Шура", - знаменитым художником, основателем "Мира искусства", отец Евгений Александрович Лансере - известным скульптором. Женская гимназия, художественная школа княгини К. Н. Тенишевой, мастерская портретиста О. Э. Браза... В начале XX века благодаря усилиям художников "Мира искусства" в культурный обиход России вернулись имена отечественных живописцев прошлого: Рокотова, Левицкого, Боровиковского и Венецианова. Именно творчество Венецианова повлияло на творчество Зины Лансере - несмотря на повальное увлечение творческой молодежи того времени французским импрессионизмом, а потом сюрреализмом и кубизмом, она с тех пор была верна русской реалистической традиции. В 1905 году она вышла замуж за студента-путейца Бориса Серебрякова, они познакомились в Нескучном - дом Серебряковых был недалеко от дома Лансере. Медовый месяц и много времени после него молодые провели в Париже. Здесь Серебрякова совершенствовала свое живописное мастерство. Автопортрет "За туалетом" на выставке художников "Мира искусства" в 1910 году имел громкий для скромной 25-летней художницы успех. "Автопортрет Серебряковой несомненно самая радостная вещь... Здесь полная непосредственность и простота: истинный художественный темперамент, что-то звонкое, молодое, смеющееся, солнечное и ясное, что-то абсолютно художественное..." - писал Александр Николаевич Бенуа. Но даже он, "дядя Шура", не предполагал, что картины племянницы будут приобретены Третьяковской галереей. Зинаида Серебрякова становится духовным центром художественной династии Кавос - Лансере - Бенуа, восходящей к Франции XVIII-го века. "Я решила остаться с детьми в Нескучном, но на хуторе, где дом был маленький, и его можно было протопить зимой легче, чем большие высокие комнаты... Мой муж Борис Анатольевич был в командировке, зима в этот год наступала ранняя, все было занесено снегом - наш сад, поля вокруг, всюду сугробы, выйти нельзя. Но в доме на хуторе тепло и уютно, и я начала рисовать себя в зеркале...", - так вспоминала Зинаида Евгеньевна об истории написания этого автопортрета. В 1911 году Зинаида Серебрякова написала автопортрет "Девушка со свечей". С картины смотрит, полуобернувшись, счастливая, влюбленная барышня, почти девочка - юная, непосредственная, трепетная, светящаяся душа самой художницы. Во время революции 1917 года дом в Нескучном сожгут - вместе с библиотекой, множеством рисунков и холстов. А в 1919 году на руках у Серебряковой умирает от сыпного тифа муж Борис Анатольевич. Одна с четырьмя маленькими детьми и старенькой мамой Екатериной Николаевной... Казалось, крепкий дом, дом семьи рухнул... К этому времени относится самая печальная из картин Серебряковой - "Карточный домик": Саша, Таня, Катя, Женя - четверо осиротевших детей складывают хрупкий, способный разрушиться в мгновенье карточный домик. Но это семья и это дом... Именно дом, ощущение семейного тепла, домашнего очага - для Серебряковой были самыми важными опорами и в жизни, и в творчестве. В 1924 году "дядя Шура" помогает племяннице уехать в Париж, дети с бабушкой остаются в Петербурге. Спустя некоторое время с помощью Красного Креста удается переправить через границу сына Сашу и дочь Катю. Женя и Таня остались со слепнущей бабушкой в России. А потом - выставки во Франции, Бельгии, Англии и страшная мучительная двойственность - разорванность семьи, дома. Вплоть до 1940 года Серебрякова оставалась советской гражданкой и надеялась на воссоединение с детьми, оставшимися в России. Во время оккупации Гитлером Франции пришлось выбирать между французским паспортом и концлагерем. От советского гражданства пришлось отказаться, связь с Родиной прервалась на многие годы. В России Серебрякову вспомнили после войны: во время оттепели Зинаиду Евгеньевну наконец-то, после 36 лет разлуки, смогла посетить дочь Татьяна (ставшая художником-декоратором во МХАТе). Благодаря возрастающему интересу к русской живописи Серебряного века удалось устроить персональные выставки Серебряковой в Москве, Киеве и Ленинграде. Успех ее в Советской России в 1965 году превзошел самые радостные воспоминания молодости - Серебрякову ставили вровень с Боттичелли и другими великими мастерами. 80-летней художнице не по силам было посетить Родину, но она ощутила наконец всероссийское признание, признание ее дома, ее России. И на чужбине, где, как говорится в пословице, и звезды из олова, Зинаида Евгеньевна сохранила чувство дома... Она скончалась 19 сентября 1967 года и похоронена была по православному обряду на русском кладбище в Сен-Женевьев-де-Буа. СЕРОВ Валентин Александрович 
В. А. Серов, родившийся в семье известного русского композитора, был от природы наделен дарованием очень крупного масштаба и редкостной универсальности: он был в равной степени силен в восприятии и передаче и цвета, и формы. Ему повезло и с профессиональной подготовкой. В детстве в течение нескольких лет он занимался под руководством И. Е. Репина, а с пятнадцати лет - в АХ под руководством П. П. Чистякова. В искусство он вошел стремительно. Две работы, показанные на выставке в 1888 г., - "Девочка с персиками (Портрет В. С. Мамонтовой)" (1887) и "Девушка, освещенная солнцем (Портрет М. Я. Симонович)" (1888) - имели сенсационный успех и были восприняты как новое слово в искусстве. Обе они до сих пор считаются жемчужинами отечественной живописи. Серов был последним великим реалистом в русском искусстве: он бесконечно доверял богатству духовных ценностей, содержащихся в реальной жизни, и владел умением извлекать эти ценности, делясь ими со зрителем. Вместе с тем ему была присуща и удивительная чуткость к процессам, происходившим в мировой живописи на рубеже XIX и XX вв., - к выработке новых форм изображения и выражения, к разрушению старых традиционных жанров и созданию новых, "промежуточных". Внимательно наблюдая за этими процессами, он стремился плодотворно использовать их результаты и не боялся, будучи маститым художником, шокировать современников своей смелостью. Это позволило ему стать связующим звеном между классическим искусством XIX в. и исканиями начала XX в. Недаром за годы преподавания в МУЖВЗ (1897-1909) Серову удалось воспитать целую плеяду будущих новаторов: Н. Н. Сапунова, И. И. Машкова, П. В. Кузнецова, Н. П. Крымова, К. С. Петрова-Водкина, С. Ю. Судейкина, К Ф. Юонаидр. Фанатическое стремление к совершенству, феноменальная требовательность к себе и упорство в достижении поставленной цели помогали Серову неизменно сохранять высокий уровень мастерства. Творчество его было многообразно, и во всем он проявлял себя как истинный мастер. Он был великолепным рисовальщиком, владевшим всеми рисовальными техниками, и диапазон его возможностей был широк - от уникального в своем роде большого портрета Ф. И. Шаляпина (1905), исполненного углем, до крохотных изображений, исполненных графитным карандашом, среди которых попадаются такие шедевры, как зарисовки с В. И. Качалова (1908) и Т. П. Карсавиной (1909). Так же уверенно он чувствовал себя и в печатных графических техниках - литографии и офорте - и создал несколько прекрасных эстампов. С 1895 г. до самой смерти он трудился над громадной (более 150 листов) серией иллюстрации, в которых продемонстрировал совершенно оригинальный подход к басням И. А. Крылова. В годы первой русской революции ему случилось сделать несколько политических карикатур, и они оказались превосходными. Он отлично оформил постановку оперы своего отца А. Н. Серова "Юдифь" на сцене Мариинского театра (1907), к балету "Шехерезада" (на музыку Н. А. Римского-Корсакова) для "Русских сезонов" в Париже подготовил эскиз декоративного занавеса (1911), а когда с исполнением занавеса в натуре возникла заминка, то собственноручно, с двумя помощниками, расписал его огромную поверхность. Всего лишь раз испробовав силы в театральной афише, он создал для "Русских сезонов" подлинный шедевр - лист с изображением танцующей А. П. Павловой (1909). Сильное воображение и тонкое чувство стиля позволяли Серову с успехом обращаться в живописи к исторической теме: он написал картину "Петр I" (1907), а также несколько композиций, посвященных России XVIII столетия, - они чаще исполнялись как иллюстрации к изданию "Великокняжеская и царская охота", но переросли в самостоятельные произведения, настолько ярко в них был передан дух эпохи. С таким же успехом Серов обращался к античной мифологии - в картинах "Одиссей и Навзикая" и "Похищение Европы" (обе 1910). Все же основу его искусства составляла работа с натуры, и главными для него оставались те жанры, которые на такую работу преимущественно опираются, - пейзаж и портрет. Но "чистых" пейзажей Серов почти не писал, он настолько насыщал их элементами бытового жанра, что они становились, скорее, картинами жизни, протекающей в данном месте и в данный момент:"Линейка из Москвы в Кузьминки" (1892), "Октябрь. Домотканово" (1895), "Баба в телеге" (1896), "Зимой" (1898), "Купание лошади" (1905). Сходное происходило и с портретами Серова, которые преобладали в его творчестве и приносили ему громкую славу. Они представляют собою портреты-картины, в каждом из них персонаж показан во взаимодействии со своей средой, иной раз таком активном, что жанр не поддается точному определению. Серов был, без сомнения, первым портретистом своего времени. Его отличала способность глубоко воспринимать индивидуальность человека и умение сделать эту индивидуальность ощутимой для зрителей. Он оставил после себя обширную портретную галерею, запечатлевшую людей различных сословий, разного возраста и пола: и своих близких - Н. Я. Дервиз с ребенком (1888-89), отца, А. Н. Серова (1895); и деятелей искусства - И. И. Левитана (1893), Г. Н. Федотову и М. Н. Ермолову (1905); и светских дам - 3. Н. Юсупову (1900-02), Г. Л. Гиршман (1907), О. К. Орлову (1911); и деловых людей - А. В. Морозова (1901), М. А. Морозова (1902), В. О. Гиршмана (1911); и членов царской фамилии; и даже детей, портретировать которых вообще чрезвычайно трудно, - "Дети. Саша и Юра Серовы" (1899), "Мика Морозов" (1901). Чести позировать ему домогались, но многие побаивались его пронзительного глаза - способности увидеть в человеке глубоко потаенное. Портретная живопись была триумфом Серова и его нескончаемой каторгой. Он работал много, не щадил себя и умер в расцвете лет от сердечного приступа, на новом подъеме своего замечательного дарования. СОРОКА Григорий Васильевич 
Г. В. Сорока родился в семье крепостного крестьянина. Восемнадцати лет он был взят в дом хозяина (имение "Островки"), помещика Н. П. Милюкова. Вскоре обнаружил способности к рисованию и стал одним из учеников А. Г. Венецианова, жившего неподалеку в своем имении Сафонково. В течение нескольких лет Сорока то жил в Сафонково, занимаясь под руководством своего наставника, то возвращался в "Островки" с каким-то заданием от него. Становление Сороки как художника было невероятно быстрым. Его чудом сохранившиеся портретные рисунки 1842 г. говорят об умении передать сходство и о явных навыках в рисовании; картина "Гумно" (1843) уже достаточно профессиональна, а "Кабинет дома в "Островках", имении Н. П. Милюкова" (1844) - одно из самых поэтичных изображений интерьера во всей русской живописи. Творческий путь Сороки продолжался не более десяти лет, и нам достоверно известно лишь около 20 его работ, а датировка их очень приблизительна. Они не равноценны. Наибольших успехов Сорока добился в пейзажной живописи. "Флигель в "Островках"..." (первая половина 1840-х) прямо перекликается с более поздними пейзажами русских художников конца XIX - начала XX в. Четыре пейзажа, исполненные в селе Спасском Тамбовской губернии (принадлежавшем родственникам Милюковых), - "Вид на плотину", "Рыбаки", "Вид на озеро Молдино", "Вид в имении Спасское" (все ок. 1847) - поражают эпическим размахом восприятия и изображения природы. Еще три пейзажа, написанные дома, в "Островках", - "Вид на озеро Молдино в усадьбе "Островки"", "Часовня в парке" и "Вид в "Островках"" (все конца 1840-х), - напротив, отличаются камерным, подчеркнуто интимным характером. Кроме "Кабинета дома в "Островках", имении Н. П. Милюкова" он написал еще одну интерьерную картину, "Отражение в зеркале" (1840-е), - сложную по пространственному решению и безупречную по исполнению. В портретной же живописи Сорока был заметно скован - тут нужна была более основательная школа, чем та, которую он успел получить. Тем не менее его портрет Е. Н. Милюковой (конец 1840-х) способен соперничать со многими портретами своего времени, а автопортрет, написанный тогда же, трогает драматизмом, скрытым под внешней сдержанностью. Судьба Сороки действительно была крайне драматична. Попытки добиться вольной окончились безрезультатно. Успевший поверить в свои возможности и ощутить себя творцом, художник продолжал зависеть от помещичьего произвола, а смерть Венецианова (1847) отняла у него не только наставника, но и заступника в тяжело сложившихся отношениях с хозяином. Известно, что в 1850-х гг. он покинул усадьбу и вернулся в родную деревню Покровское; там женился (1852), у него родились два сына, потом дочь. Крестьянской работы Сорока не знал и зарабатывал на жизнь как художник, но писал уже не картины, а иконы (таких икон было впоследствии найдено не менее десятка); пытался преподавать рисование крестьянским детям, но попытка потерпела неудачу. Он начал сильно пить. В 1864 г. оказался каким-то образом причастен к крестьянским волнениям, начавшимся в связи с отменой крепостного права и несправедливыми условиями выкупа земли у помещика (то ли писал прошения, то ли подговаривал односельчан к неповиновению), и был наказан за это. Наказание стало последней каплей, переполнившей чашу терпения, - Сорока покончил с собой. жүктеу/скачать 1.55 Mb. Достарыңызбен бөлісу:
|