Джон Чемберлен, по коллажам – Клас Ольденбург. Рой Лихтенштейн

Поп-арт

Представитель поп-арта, чьи работы, в стиле комиксов, символизировали опошление культуры в современной американской жизни. Используя яркие, «кислотные» цвета и промышленные типографские методы, он иронически соединял объекты и стереотипы «массовой культуры» и близкие ему образцы «высокого» искусства живописи. Первичные спектральные цвета - красный, желтый и синий, резко ограниченные черным – стали его фаворитами. Иногда он использовал и зеленый.

В 1961 год Лихтенштейн сделал свои первые работы в стиле поп-арт, используя картинки из комиксов или мультфильмов и технологию пришедшую из промышленной печати. Первый успех Лихтенштейну принесли его работы на темы комиксов и журнальной графики. Свои темы он брал из газет и телевидения. Художник выбирал понравившуюся ему картинку, вручную увеличивал её, перерисовывая растр, и выполнял в большом формате, используя трафаретную печать и шелкографию. В самом изображении при этом усиливались черты иронии и сарказма. Несмотря на то, что многие из его картин являются сравнительно небольшими, методы обработки объекта, применяемые Лихтенштейном, изображения  кажутся массивными и грандиозными по размеру! В основе его дизайна лежит удивительный контраст – контраст цвета и форм. Как результат – «визуальная провокация». Цвета и элементов оказывается больше, чем «ожидает» увидеть глаз.

«В машине» В этом увеличенном фрагменте популярного комикса Лихтенштейн достигает сильного впечатления благодаря яркому открытому цвету и простоте стиля. Точно, но в огромном масштабе воспроизводя оригинал, художник имитирует точки растра - технику печати дешевых комиксов и газет. Лихтенштейн использовал образы массовой культуры, материалы и продукты промышленного производства, при этом часто изымал их из контекста и пародировал. Преувеличивая и упрощая эти образы, он не давал социальный комментарий к сюжету, а лишь стремился показать зрителю эстетические ценности США 1960-х годов.

Главным центром поп-арта был Нью-Йорк, где развернулась деятельность Роберта Раушенберга и Джасперта Джонса. Джонс выставил «Банки из-под кофе», «Три флага». Раушенберг – наиболее сложный из всех вышеперечисленных творцов. В 59 г. он выставил работу «Подарок Аполлону» - перепачканный красками кухонный шкафчик на колесиках с привязанным к нему на цепочке грязным ведром. Таков современный подарок богу искусств. С 1963 г. Раушенберг освоил метод шелкографии – способ перенесения на холст различных фотографий, афиш, репродукций которые он комбинирует с кусками масляной живописи и реальными предметами. На венецианской Биеналле Раушенберг выставил огромные холсты с фотографиями переведенных вертолетов, похорон Кеннеди, фрагментом картины Рубенса, чертежами, птицами. Агитация за его работы началась за полгода до выставки, но жюри, состоявшее из немецких и французских искусствоведов, подвергли его «шедевры» критике, и все-таки Раушенберг был удостоен золотой медали.

Сын чешских эмигрантов, Уорхолл достаточно поздно пришел в искусство. Он стал рано проявлять таланты в искусстве и изучал коммерческое искусство в Институте технологии Карнеги в Питтсбурге. После окончания образования в 1949 году он переехал в Нью-Йорк и начал успешную карьеру в иллюстрировании журналов и в рекламе. Это была эпоха 60-х годов с их вулканическим всплеском молодежной энергии, жаждой обновления, активизацией массовой культуры и появлением поп-арта. Именно эта Америка стала главным героем произведений Уорхола, принесших ему славу первой среди художников суперзвезды. Америка прославилась искусством создания идолов, поклонение которым стало новой религией новейшего времени.

В 1962 году Уорхол создал сенсационную серию полотен, на которых были изображены, зачастую в кричащих цветах, банки кока-колы и консервов, в том числе — знаменитые изображения банки томатного супа «Кэмпбелл», ставшие визитной карточкой Энди Уорхола. Изображения этих банок повторяли ряды супермаркета, так художник провел знак торгового равенства между любым продуктом, который можно купить и продать. В конце-концов он просто выставил купленную в магазине банку. Мир мертвого железа и малокачественного супа вступил в борьбу с прежним искусством.

«Сто бутылочек «Кока-колы». В этой работе предстал апофеоз американизма. Любой житель Америки, включая и самого президента, имеет право на такую вот бутылочку знаменитого напитка. Внешне абсолютно неразличимые бутылки «Кока-колы» предстают частью рекламы напитка, что также напоминает о роли рекламы в Америке и в современном мире. Наш мир – не частные, с любовью сделанные вещи, а массовое производство дешевых товаров, которые доступны в Америке всем – так мог бы сказать этот художник.

100 изображений Мерилин Монро.

Портрет Мэрилин создан под влиянием ее скандальной и загадочной смерти. Уорхолл увидел цветной снимок актрисы. Банальность этого снимка и стандартность образа типичной голливудской блондинки вдохновили художника. 100 изображений Мерилин Монро, сделанных методом шелкографии говорят, что, возможно, человек в мире коммерции и рекламы, став популярным, теряет свою индивидуальность и становится частью мира рекламы. От левой части панели, где Мерилин выполнена в цвете, художник перешел к черно-белой правой части, возможно, намекая на стирание живых черт актрисы.

Затем Уорхол стал создавать выполненные в кислотной манере образы кумиров современного общества: Элвиса Пресли, Мика Джаггера, Мао Цзэдуна и др.

На созданной им студии, которая так и называлась «Фабрика» Уорхолл писал картины полу конвейерным методом. Активно используя трафаретную печать, он лишь небрежно правил готовые вещи, сознательно стандартизируя, повторяющиеся серии картин. Излюбленный художником прием многократного повторения образов выражал мысль Уорхолла о неприятии искусства как уникального творения, отражающего личность автора.

В конце 60-х гг. он отходит от бурной живописной деятельности и посвящает себя кино. Любитель всего чрезмерного, он выпустил фильм длиной в 25 часов. Он пробовал себя и в фотографии, создавал и выпускал журнал "Interview», который пропагандировал моду, стиль и роскошь. Он также выступил дизайнером обложек ряда концептуальных альбомов, например, группы The Rolling Stones. Вокруг Уорхола сложилась особая субкультура молодёжи, одна из участниц которой — феминистка Валери Соланас — в 1968 г. выстрелила в «учителя», тяжело ранив его. Хотя жизнь Уорхола удалось спасти, в течение двух последующих лет он оставался инвалидом, а в 1987 году умер от последствий этого ранения.

Деятельность попартистов была сильно похожа на аналогичные работы дадаистов за 40 лет до того. Но в их искусстве уже не было и намека на социальный протест начала века. С 64 г. творчество их проникло во все официальные залы ведущих стран мира. В целом, поп-арт отразил такие черты американской жизни как машинизацию, культ всего полезного, бездушность, отсутствие интереса к внутреннему миру человека.

Оп-арт

Особенностью развития современного искусства является калейдоскопически быстрая смена течений и направлений. Так к весне 1965 г. пресса и реклама все большее внимание стали уделять не поп-арту, а новому направлению. Новое направление называют оптическим искусством. Оп-арт занялся поисками новой абстракции. На полотнах оп-артовцев появилась иллюзия сложнопостроенного пространства. Впрочем, создатели оп-арта отказались от холстов и красок и стали работать с линзами, вращающимися механизмами, зеркалами с направленными на них световыми потоками. Их задачей было поразить глаз то разлагающимися спектрально чистыми цветами, то созданием иллюзии уходящего вглубь пространства, состоящего как бы из кубиков, линий, кругов. Оп-арт больше напоминал научную и рекламную деятельность, он способствовал созданию новых приемов для ряда зрелищных аттракционов. Так во время одного из вернисажей у двух женщин закружилась, голова от такого кручения и световых эффектов, и они упали в обморок.

Искания оп-артовцев оказали большое влияние на развитие моды: тканей, мебели, посуды, одежды. Так окраска век черно-белыми квадратами была применена впервые именно как элемент оп-арта.

Наиболее яркая фигура оп-арта – Виктор Вазарели, венгр по происхождению, начавший опыты со светом еще в 1948 г.

Кинетические искусство

Кинетическое искусство – это громадные по размерам, движущиеся и скрежещущие, подвешенные к потолку, вращающиеся и гудящие экспонаты. Они состоят из станков, клавиш счетных машин, музыкальных инструментов. Это и металлические стружки, которые притягиваются невидимыми магнитами, бегают по плоскости, груда цилиндриков, из которых по непонятным причинам поднимаются отдельные цилиндрики. Гюнтер Юкер, например, работает преимущественно только с гвоздями. Самый известный представитель кинетического искусства – Жан Тингели. Он создатель саморазрушающихся машин, которые символизируют нигилизм, безнадежность всяких усилий человека в мире цивилизации. Самое яркое произведение Тингели – машина-аттракцион «В знак уважения Нью-Йорку». Произведение весны 1960 г. На эту машину ушло 80 велосипедных колес, мотоциклов и колясок, поврежденное пианино, помятый игрушечный фургон, эмалированный таз, стеклянные бутылки и так далее. Машина должна была сама себя перепилить, сжечь и уничтожить на глазах публики, собравшейся в парке Музея современного искусства. Для этого она была оборудована 15 моторами. Но до конца саму себя машина не уничтожила, и ей пришлось помогать. Причем пожарный с огнетушителем не понял замысел художника и бросился тушить машину, когда она загорелась.

Рубеж 60-70-ых гг.

Это важнейшая эпоха последнего столетия. Начиная с мая 1968 г. капиталистический мир охватила молодежная революция, подготовленная во многом деятельностью левой интеллигенции. В Париже студенты захватили Латинский квартал, массовые демонстрации молодежи заканчивались стычками с полицией. Причиной всего этого был духовный кризис, охвативший все крупнейшие страны капитала. Полное отсутствие высоких идеалов, «отчуждение» человека от результатов его труда, левая идеология, тупик для развития мыслительной деятельности, превращение богатых стран в общество потребления – таковы далеко не полные причины произошедших событий.

Искусство по-своему решило бросить вызов господствующим представлениям, но очень скоро скандальные выходки революционеров от творчества были оценены капиталом, стали выгодно продаваться и приносить их творцам немалые средства. Мир капитала способен адаптировать практически любой протест, когда он носит анархический характер.

Борьба с капиталистическим миром превратилась в деятельности новых художников просто в окончательную борьбу с самим искусством. Лозунги об умирании и полной гибели искусства скоро стали общим местом. Опираясь на деятельность «дадаистов» и «попартистов», новые творцы пошли настолько далеко, что вскоре на их выставках перестали выставляться какие-либо полотна, иногда демонстрировались просто голые стены, а то сам художник, держа в руках плакат с каким-нибудь простым изречением, восседал на стуле посреди выставочного зала. Были и другие новшества.

Минимализм

Название этого недолгого течения связано с тем, что в работах минималистов должно быть как можно меньше, то есть минимум художественности. Сами представители этого искусства называли себя «холодной школой», «серийным искусством» и так далее. Минималисты выставляли свои объекты, чтобы вызвать у зрителя ощущение бессмыслицы окружающего мира. Их объекты не имели между собой никакой логической связи. Выставленные объекты – реди мейд, что уже присутствовало в работах Дюшана и «поп-артистов». Работы, или, как говорили сами минималисты, структуры их составлялись из готовых фабричных материалов серийного производства, имеющих более или менее геометрическую форму. Таковы были металлические пластины, решетки, кирпичи. Карл Андре располагал на полу свинцовые, медные или стальные плитки определенного размера. В одних случаях он укладывал свои плитки в виде паркета, в других строил из них дорожки, которые фотограф снимал сверху. Рональд Блейден выставлял металлические столбы высотой в три и более метра. Даже у поп-артистов купленные в магазине предметы все-таки имели определенный смысл и реальную форму, у минималистов просто геометрические объекты из холодного металла – и больше ничего. Деятельность самого художника при этом не обязательна, так как художник в современном мире не нужен. Поэтому металлические конструкции можно просто заказать на заводе. В чем же все-таки главная мысль данного искусства? Будьте как этот стальной брусок, гвозди, железная полоса так как железо не мыслит, не переживает, не испытывает никаких чувств – вот что говорит своими работами минималист. Этот призыв не мыслить, не думать - крайне важен в мире, где человек превратился в простое приложение при орудиях массового производства.

жүктеу/скачать 50 Kb.

Достарыңызбен бөлісу: