Попков Виктор Ефимович
жүктеу/скачать 305 Kb.
|
- Бұл бет үшін навигация:
- НЕМУХИН, ВЛАДИМИР НИКОЛАЕВИЧ
- КРАСНОПЕВЦЕВ, ДМИТРИЙ МИХАЙЛОВИЧ
- ШВАРЦМАН, МИХАИЛ МАТВЕЕВИЧ
- СВЕШНИКОВ, БОРИС ПЕТРОВИЧ
- ШТЕЙНБЕРГ, ЭДУАРД АРКАДЬЕВИЧ
- ЗВЕРЕВ, АНАТОЛИЙ ТИМОФЕЕВИЧ
- Я́КОВЛЕВ Владимир Игоревич
ЛИАНОЗОВСКАЯ ШКОЛА – условное название сложившегося к концу 1950-х круга российских поэтов и художников, центром которого был художник и поэт Евгений Леонидович Кропивницкий, и куда входили поэты Генрих Сапгир, Игорь Холин, Ян Сатуновский, Всеволод Некрасов, а также художники Оскар Рабин, Николай Вечтомов, Лидия Мастеркова, Владимир Немухин, художник и поэт Лев Кропивницкий, сын Е.Л.Кропивницкого. Круг этот складывался постепенно и спонтанно, в творчестве выступали на первый план не какие-либо единые эстетические каноны или устремления, а общее у всех желание выстроить новую поэтику и выразить себя с наибольшей полнотой: Для «лианозовцев» был характерен повышенный интерес к исканиям товарищей и взаимная поддержка. Решающую роль в становлении «школы», по крайней мере, на начальном этапе, сыграл Е.Кропивницкий, который стал духовным учителем для Холина и Сапгира. Он был своеобразной личностью, органично соединявшей лиризм и скепсис, прирожденным наставником, пробуждавший дремлющий талант, помогавший понять человеку его собственную натуру. Влияние оказывала и сама жизнь учителя. См. также КРОПИВНИЦКИЕ. Е.Кропивницкий был напрямую связан с культурой «серебряного века», среди его друзей – поэт и переводчик Арсений Альвинг, пропагандировавший поэзию И.Ф.Анненского, поэт и переводчик Юрий Верховский, поэт Филарет Чернов, художники Павел Кузнецов, Роберт Фальк, Александр Тышлер. Все это отразилось и на живописной эстетике Е.Кропивницкого, и на его поэтике. Отказавшись в 1930-х от своей прежней литературной манеры, он уничтожил большинство созданных до этого стихов. Он подчеркнуто называл себя «поэтом окраины и мещанских домиков». Стихи его, предельно конкретизированные, насыщенные точными, как будто избыточными деталями, запечатлели жизнь этой самой окраины, где ничего не укроется от соседских глаз, да никто ничего и не скрывает: У забора проститутка. / Девка белобрысая. / В доме 9 – ели утку / И капусту кислую. // Засыпала на постели / Пара новобрачная. / В 112-ой артели / Жизнь была невзрачная. На эти «низкие» и даже «низменные» сцены Кропивницкий смотрит чуть иронически, но с очевидной теплотой и сочувствием. Несмотря на то, что сюжеты его картин предвосхитили сюжеты стихов поэтов-«лианозовцев» – тут и пейзажи окраин, и портреты жителей окраин, в частности, женские – живописная тональность этих работ отличаются своеобразной, не бросающейся в глаза мажорностью и в определенном смысле бесконфликтностью. История «Лианозовской школы» начинается издалека, человеческие связи «лианозовцев» возникли задолго до того, как они стали поэтами и художниками. До войны Сапгир занимался в литературном кружке, который вел при Доме художественного воспитания Альвинг (ту же студию посещал и Л.Кропивницкий, но тогда они не встречались). В 1944, вернувшись из эвакуации в Москву, Сапгир отправился в Дом художественного воспитания, надеясь встретить знакомых, кроме того, кружковцам давали «рабочую» продуктовую карточку. Там он познакомился с Евгением Кропивницким, который вел художественный кружок, здесь же впервые увидел и занимавшегося в художественном кружке Рабина, с которым вскоре подружился. На правах члена семьи Сапгир жил в доме Кропивницкого. В 1949 в этом доме появляется Холин. В 1956 из заключения возвращается сын Кропивницкого. В 1959, после знакомства с Рабиным, входит в тот же круг Некрасов, в 1961 появляется Я.Сатуновский, в 1967 – приехавший из Харькова Э.Лимонов. В этом все расширяющемся круге многие уже не были непосредственными учениками Кропивницкого, хотя испытали на себе его влияние. Некрасов называет своим учителем поэта Н.И.Глазкова, Сатуновский пришел вполне сложившимся человеком, уже нашедшим собственную поэтику. Тогда же, в конце 1950-х, встречи из дома Кропивницкого переместились в Лианозово (так назывался поселок, ныне влившийся в город). В Лианозово находился поделенный на квартиры барак, где жили Рабин и его жена Валентина, дочь Кропивницкого. По воскресеньям здесь проходили живописные выставки. Здесь же читали стихи, говорили об искусстве. Среди постоянных посетителей были киносценарист С.Л.Лунгин, литературовед Л.Е.Пинский. Приезжали в Лианозово поэты Б.А.Слуцкий, Л.Мартынов, Назым Хикмет. Официальная реакция на их творчество была отрицательной, газетные статьи назвались Жрецы помойки № 8, Дорогая цена чечевичной похлебки, Бездельники карабкаются на Парнас. Организация «Лианозовской группы», среди прочего, была поставлена в вину Кропивницкому, в 1963, вскоре после посещения Н.С.Хрущевым художественной выставки в Манеже, исключенному из Союза художников за «формализм». Именно тогда и прозвучало впервые само словосочетание «лианозовская группа». «Лианозовцы» (кроме Сатуновского) не интересовались социальными проблемами. Неверно было бы соотносить поиски художников-«лианозовцев» с реализмом художников 1960-х, а поиски поэтов – с послевоенным реализмом в литературе. Они не испытывали к современности интереса. Социальный критицизм вообще не свойственен «лианозовцам». Главное и единственное, что составляло для них интерес – это эстетика, на начальном этапе, возможно, «антиэстетика». Отчасти заимствовав тематику у Кропивницкого, его ученики отказались от иронии и лиризма, характерных для его поэзии. Сдержанная, безэмоциональная «констатирующая» интонация превращала «лирическую зарисовку» в «гротески». Они тоже писали про быт городской окраины и про жизнь ее обитателей. Уходившие от социальных проблем поэты становились в позицию критиков общества. В книге Холина Жители барака, написанной в 1950-х и не в полном виде изданной в 1989, а также в большом цикле Барачная лирика представлен, по замечанию литературоведа В.Кулакова, «эпос» маргинальной жизни. Кто-то выбросил рогожу, / Кто-то выплеснул помои, / На заборе чья-то рожа, / Надпись мелом: «Это Зоя». // Двое спорят у сарая, / А один уж лезет в драку… / Выходной. Начало мая. / Скучно жителям барака. Предельная конкретизация, вплоть до названия улицы, номера дома или учреждения являются не простой констатацией фактов, а неким подобием физиологического очерка. Для стихов Холина этого периода характерно чужое, «цитатное» слово. Фрагменты уличных разговоров, как бы случайно услышанных (отсутствие знаков препинания указывает на такую «случайность», спонтанность), также передают абсурдность и суетность существования того, кто это говорит: Сделала аборт / В ресторане накачался / Не явился на концерт / У бухгалтера инфаркт / Присудили десять лет / Смотрят а уж он скончался / Я и сам люблю балет. Холин называл себя сатириком, Сапгир, избегая каких-либо определений, все же отмечал «бредовость», «балаганность» своих ранних стихов. Но, как бы там ни было, к их стихам надолго «пристало» определение «барачная поэзия». При всем различии поэтик, нечто похожее можно обнаружить и в стихах Сатуновского. Говоря о своих пристрастиях, он опять-таки называет точные адреса: До чего мне нравятся озорные девки, / что прилюдно драются в речке возле церкви, / так что поп / с молитвою / путает «едриттвою». // До чего мне нравится здешняя природа, / и сыны, и дочери здешнего народа – / Монино, / Железнодорожная, / Перово. Это все те же барачные поселки и станции, тот же гротескный мир, где живут отнюдь не гротескные люди, сколь бы ни казались причудливыми их слова и действия. В точном смысле слова «лианозовский период» закончился в 1965, когда Рабин переехал в Москву. Но встречи продолжались, хотя адрес их, также запечатленный в стихах – дом № 8 недалеко от Преображенской площади, – изменился. При этом в своих литературных поисках поэты-«лианозовцы» все дальше уходили друг от друга. Художники с самого начала работали в разных манерах. Неоднократно предпринимались попытки связать поэтов «Лианозовской школы» с той или иной традицией. Вряд ли их можно признать успешными, ибо прямой связи с каким-либо художественным течением или направлением не существует. Разумеется, опосредованно «лианозовцы» многое восприняли из опыта «Серебряного века». Во всех же остальных случаях уместно говорить только об аналогиях. Творчество обэриутов со стихами которых принято сравнивать стихи поэтов «Лианозовской школы», в 1940–1950-х было слабо известно. Кроме того, такое сравнение неправомерно. Поэзию и прозу «обэриутов» следует рассматривать как своего рода трактаты в стихах и прозе, результат их философских штудий. «Лианозовская школа» не являлась философской школой, не выстраивала символической картины мира, как это было у «обэриутов». Поэзию «лианозовцев» продуктивней сопоставлять с поэзией раннего русского футуризма (Д.Бурлюк, А.Крученых), а также с поэзией немецкого экспрессионизма (Г.Бенн, Г.Гейм, Б.Брехт). Согласно позднему признанию Г.Сапгира, значение экспрессионизма в 20 в. невозможно переоценить: «Вообще я считаю, что 20 век – век экспрессионизма. Не немецкого, социального, но экспрессионизма как такого самовыражения». Притом следует вспомнить, что и в художественном опыте «лианозовцев» социальное проступало сквозь эстетизм, о чем точно сказал И.Холин: «…как бы я не выкрутасничал, что бы я не придумывал в форме, все равно в результате выходят реалистические стихи». И добавил – замечание его справедливо и для стихов Г.Сапгира. Можно отыскать немало параллелей и в тематике, и в поэтике «лианозовцев» с такими поэтами послевоенного «ленинградского авангарда», как В.Уфлянд, Г.Горбовский, О.Григорьев (который, еще будучи весьма юным, приезжал в Лианозово). Поэты-«лианозовцы» не рассматривали литературный труд как способ добывания средств. Так, Сапгир восемь лет проработал в скульптурной мастерской МОСХа, Холин был и охранником, и официантом, Сатуновский был инженером. Но когда в 1959 появилась возможность писать в русле детской литературы, «лианозовцы» эту возможность использовали. Судьба «лианозовцев» оказалась не простой. Рабин, участвовавший в «бульдозерной выставке», был лишен советского гражданства и эмигрировал. Эмигрировала также и Л.Мастеркова. За пропаганду творчества участников литературной группы СМОГ был исключен из Союза писателей Сапгир, а после того, как большая подборка его стихов увидела свет в альманахе «Метрополь», он не мог какое-то время публиковаться и как детский поэт. До наступления «перестройки» всего лишь девять «детских» стихотворений опубликовал на родине Некрасов. Открытия «лианозовцев» были не только усвоены другими авторами, зачастую без указания первоисточника. Концептуализм и конкретизм были в России осмыслены Холиным, Сатуновским и Некрасовым. Оскар Рабин, Валентина Кропивницкая, Александр Рабин. Живопись и графика из частных собраний (Москва, Париж, Дюссельдорф) 28 марта – 20 мая ГМИИ им. А.С. Пушкина, Отдел личных коллекций Волхонка, 10 На первой в Москве персональной выставке художников семьи Рабиных-Кропивницких представлено около 80 произведений живописи и графики (1960–1970-х годов и «французского периода» – после 1978 года). Эта выставка не вмещается в рамки истории художественного процесса, ракурс, предложенный ее организаторами иной, ее контекст шире – она затрагивает и политический аспект, и культурологический, и философский. Это история трех человеческих судеб, история борьбы за свободу творческой личности, пример ежедневного мужества и верности своим этическим и эстетическим идеалам. В 1960—70-е годы ХХ века Оскар Рабин был лидером московского авангарда. Рядом с ним всегда находилась его жена – Валентина Кропивницкая, художница, создавшая яркий, оригинальный, чрезвычайно убедительный мир графических пейзажей. Их дом в Лианозово стал одним из центров неофициального искусства, а объединившиеся вокруг Оскара художники вошли в историю под названием «лианозовская группа». Сын Оскара Рабина и Валентины Кропивницкой – Александр Рабин (1952–1994) – разделил с родителями их призвание (он тоже стал художником) и нонконформизм по отношению к официальному искусству (вместе с отцом он был участником и одним из организаторов знаменитой «Бульдозерной выставки» на пустыре в Беляево). В 1978 году, во время поездки во Францию, Оскар Рабин Указом Президиума Верховного Совета СССР был лишен гражданства – семья Рабиных оказалась в вынужденной эмиграции. В январе 2006 года Оскару Рабину и его жене Валентине Кропивницкой были вручены новые российские паспорта, а в марте Оскар Рабин стал лауреатом премии «Инновация», первой отечественной государственной премии в области современного изобразительного искусства, учрежденной Федеральным агентством по культуре и кинематографии в номинации «За творческий вклад в развитие современного искусства». Уникальная выставка работ семьи Рабиных-Кропивницких состоялась во многом благодаря активному содействию Фонда «Общество поощрения художеств», целью которого является поддержка и развитие современного изобразительного искусства, а также содействие духовно-нравственному возрождению и культурному просвещению общества. Выставка произведений трех художников — членов одной семьи, родителей и сына — казалось бы, априори предполагает сравнения, поиски взаимовлияний, творческих перекличек. Однако нынешний проект — выставка живописи и графики семьи Рабиных-Кропивницких предполагает иной ракурс восприятия. Эта выставка посвящена трем художникам, трем ярким индивидуальностям, сохранившим верность своим внутренним убеждениям и чувству прекрасного, которое в искусстве каждого из них воплощалось по-своему. Концепция выставки не ограничивается историей художественного процесса. По замыслу организаторов ее контекст шире – она затрагивает и политический аспект, и культурологический, и философский. Тема выставки – история трех человеческих судеб. Это история борьбы за свободу творческой личности, пример ежедневного гражданского мужества и верности своим этическим и эстетическим идеалам. Это история взаимоотношений творческой личности и государства, в которой политические игры и государственный произвол вступают в глубокое противостояние с личной и творческой свободой. История отечественного искусства 1960-х-1970-х годов еще не нашла адекватного отражения в искусствоведческой литературе. Уже сегодня очевидно, что это была, без преувеличения, великая эпоха, когда происходили серьезнейшие изменения в структуре восприятия и миропонимания, причем не только в нашей стране, но и в мировом масштабе – во всей европейской цивилизации. Однако в Советском Союзе этот перелом сознания имел особый, драматический характер. Те явления, которые происходили в сфере культуры, вошли в историю под такими названиями, как «неофициальное искусство», искусство «нонконформизма» или «другое искусство». До сих пор нет устоявшегося термина, что свидетельствует, прежде всего, о том, что современная искусствоведческая наука находится только на подступах к анализу многих явлений художественной жизни ХХ века. Однако сейчас уже совершенно очевидно, что «неофициальное искусство 1960-х» является ее важнейшим звеном, если не сказать – переломным моментом. Сам Оскар Рабин, ставший центром и даже стержнем движения нонконформизма, – личность уже не только хрестоматийная, но и легендарная, и в немалой степени – благодаря особенностям его характера: смелости, верности своим принципам, готовности идти до конца в отстаивании своего права на свободу творчества. Рядом с ним всегда находилась его жена – Валентина Кропивницкая, художница, создавшая яркий, оригинальный, чрезвычайно убедительный мир графических пейзажей. Именно их дом в Лианозове, пригороде Москвы, стал местом объединения нескольких неформальных художников, которых позднее стали называть «лианозовской группой». По воскресеньям в единственной, восемнадцатиметровой комнате проводились так называемые «лианозовские» просмотры картин, шли горячие диспуты, которые часто заканчивались поэзией: читали свои стихи Генрих Сапгир, Игорь Холин, Всеволод Некрасов и другие молодые поэты. На эти показы часто приходили представители творческой интеллигенции, известные музыканты, поэты, писатели – Святослав Рихтер, Илья Эренбург, Борис Слуцкий, Евгений Рейн, литературовед Леонид Пинский, искусствовед Илья Цырлин, московские коллекционеры Георгий Костаки, Е.Нутович, Леонид Талочкин, Александр Глезер и другие. По воспоминаниям Владимира Немухина, Костаки не раз говорил: «Вот, голубчики, запомните: Рабин – художник номер один». Сын Оскара Рабина и Валентины Кропивницкой, Александр Рабин (1952–1994), разделил с родителями и их призвание (он тоже стал художником) и их нонконформизм по отношению к официальному искусству. Вместе с отцом он был участником и одним из организаторов ряда неофициальных выставок, в том числе – знаменитой «Бульдозерной» на пустыре в Беляево. В 1978 году Александр остался вместе с отцом, лишенным советского гражданства, во Франции. Судьба семьи Рабиных – это уже не частная история, это часть исторического контекста. О живописи Оскара Рабина Эстетические взгляды и вкусы Рабина довольно обширны и разнообразны. Появление в 60-е годы серии таких работ как «Русский поп-арт» (все 1964 г.) свидетельствует об увлечении художника этим направлением. Композиционные приемы, элементы коллажа и ассамбляжа использовались Рабиным для решения собственных задач. В этот период он ищет выразительность и красоту в самых обыденных предметах, которые использует в своих произведениях. Стремление к эстетизации бытовой вещи становится одним из важнейших эстетических принципов творчества Рабина. Несколько произведений Рабина созданы под впечатлением от живописных эффектов Рене Магритта, одного из крупнейших сюрреалистов. Например, две «Рубашки» (1971 года), или знаменитые рабинские селедки, о которых поэт Игорь Холин писал: «Рыбины Рабина, рыбины Рабина...». Но они более эмоциональны и метафоричны. Довольно рано у Рабина сложился свой круг предметов-символов: бараки, «голые» электрические лампочки, селедки и водочные бутылки, денежные монеты и купюры, газеты, странички паспорта… Как правило, все они родились в России, где жизнь, по словам Рабина, полная недоговоренностей и условностей, сама становилась «символом» и порождала несметное количество всяких «говорящих символов». Четко выраженная знаковость, метафоричность сочетаются у Рабина с напряженным, беспокойным колоритом, усиливающим драматические интонации его произведений. Сам Рабин признается, что драматизм — это эмоциональная особенность, которая заложена в самом складе его характера. Живописная система, ставшая ключевой в творчестве Рабина — это слияние жанровых структур в духе экстерьерных натюрмортов, пейзажных интерьеров, с включением портрета и анималистики. Один жанр проникает в другой, «образ входит в образ». Все это становится ведущим принципом сюжетно-композиционного развития картин художника. Например, большая часть пейзажей Рабина – не просто изображение какого-либо конкретного места, а впечатления от «видимого» и от «переживаемого», итог художественного восприятия живописца. Даже в таком традиционно-натурном жанре как натюрморт предметы интересуют художника не столько своими видимыми, «зримыми» качествами, сколько своей семантикой. Многослойная образная структура рабинских натюрмортов возбуждает ассоциативность мышления и напрямую обращена к интеллекту зрителя. Вместе с тем художник отмечает и пластику формы, и красоту фактуры, и живописность предметов. Связь живописного изображения со словом — обрывками газетных текстов, наклейками, надписями «подлинными документами» позволяет автору сделать повествование острее и достовернее. В какой-то степени живопись Рабина обладает одновременно и силой документа и большой эмоциональной напряженностью художественной выразительности. Это — «художественный документ» эпохи, своеобразное мемуарное произведение, отражающее дух времени. Можно утверждать, что Рабин создал собственную поэтику. Он нашел свою тему, форму, своих героев. Его картины легко и безошибочно узнаваемы. ОСКАР РАБИН. Страницы воспоминаний «…Осенью в каком-то объявлении я прочел, что в Доме пионеров открывается живописная студия. Пошел туда. Узнал, что студией руководит Евгений Леонидович Кропивницкий и что записалось туда всего три ученика. Столько же записалось и в поэтическую секцию, которой руководил тоже Евгений Леонидович. Мог ли я тогда себе представить, что этот день станет поворотным в моей жизни? Это был человек широко образованный, любивший литературу и живопись, сам поэт и художник. Он стал моим первым настоящим учителем и повлиял на весь дальнейший мой жизненный путь. Чем дальше, тем острее я чувствовал, что не могу обходиться без живописи, для меня не было ничего прекраснее судьбы художника. Однако, рассматривая картины официальных советских художников, я совершенно неосознанно ощущал, что никогда так писать не смогу. И вовсе не потому, что они мне не нравились — я восхищался мастерством, порою откровенно завидовал — но в целом они не трогали, оставляли равнодушным. Чего-то главного для меня в них недоставало. Жюри проявило исключительный интерес к работам Целкова, и меня удивили горячие споры, которые вокруг них развернулись. Мои скромные пейзажи казались мне гораздо лучше сделанными хотя бы с точки зрения профессиональной. Домой я вернулся очень расстроенный и сказал сам себе: «Ну, что ж, если вам это нравится, вы это получите!» В то время Кате исполнилось семь лет, и она, как все дети, любила рисовать. Рисовала цветными карандашами все, что видела — дома, деревья, бабушку с дедушкой. Я подумал: а что, если увеличить один из ее рисунков и перенести его на полотно? И тогда же я написал картину «Бабушкины сказки», потом пейзаж с луной и двумя мяукающими котами — он назывался «Мечта о третьем коте» — и еще две работы в том же духе. Для меня подобная живопись, выполненная кистью и мастихином, превратилась почти в игру. Позже я понял, что именно эта игра позволила мне раскрепоститься, освободиться от всего, что сковывало до сих пор. Я писал теперь, что хотел, и неплохо зарабатывал, постепенно сбывалось то, о чем мечтал. Однако, теперь, как никогда раньше, мне было обидно работать тайком, видеть, как мои картины уходят, почти не оставляя следа — либо отправляются за границу, либо оседают в коллекциях любителей живописи. Хотелось, чтобы они выставлялись, чтобы люди их видели, обсуждали, чтобы появилась какая-нибудь реакция публики и прессы. Я готов был к самой суровой критике — только не это мертвое молчание, глушь, ощущение тупика. Когда мы переехали в Москву, Саша учился в пятом классе. К восемнадцати годам его забрали в армию. Не прослужив и двух месяцев, он сильно простудился, получил осложнение на почки и вскоре был от службы освобожден. Приблизительно в это время он начал по-настоящему, всерьез заниматься живописью. Царившая в доме атмосфера художественных интересов захватила и его. Саша брал уроки рисунка, ходил в мастерские наших друзей-живописцев, наблюдал за их работой, и, следуя их советам, много рисовал сам. Мало-помалу у него выработался свой стиль. У нас, если я не ошибаюсь, всячески превозносится и поощряется реализм. А ведь моя живопись как раз реалистична. Я рисую то, что вижу. Я жил в бараке, многие советские граждане тоже жили в бараках, да и теперь живут. И я рисую бараки. Почему это плохо? Сейчас я переехал в блочный дом и рисую кварталы блочных домов, которые меня окружают. Меня упрекают за натюрморты, за водочные бутылки и лежащую на газете селедку. Но разве вы никогда не пили водку и не закусывали селедкой? На всех праздниках, и официальных в том числе, водку пьют, и ничего с этим не поделаешь. За границей, к тому же, нашу водку хвалят, и мы этим гордимся. Да и вообще — пьют у нас много. Хорошо это или плохо, другой вопрос. Это сама жизнь. Надо ли бояться жизни? …Влияний на себе не испытывал, манеру не менял, творческое кредо мое тоже осталось неизменным… Многоплановость российской жизни я мог передать через символ – селедка на газете «Правда», бутылка водки, паспорт – это каждому понятно. Или я писал лианозовское кладбище и называл картину «Кладбище имени Леонардо да Винчи». У меня в искусстве, на мой взгляд, ничего нового не появилось, новомодного, наносного. Каким я был – таким остался, как в песне поется. У меня нет своей галереи, которая меня питает и руководит моим творчеством. Я бы и не хотел быть домашним кроликом. Мне больше нравится быть свободным зайцем. Бегу, куда хочу!» ОСКАР РАБИН. Биографические сведения 1928 родился 2 января 1928 года в Москве в семье врачей. В детстве потерял родителей. С детства увлекался рисованием. 1942 знакомится с талантливым педагогом, поэтом и живописцем Евгением Кропивницким, в течение двух лет посещает художественную студию, которой он руководит. 1944 уезжает в Ригу. 1945–1947 учится в Латвийской академии художеств. 1947 вернулся в Москву и был зачислен в Московский государственный художественный институт (с 1948 года – имени В.И. Сурикова). 1950 женитьба на Валентине Кропивницкой, дочери Е.Л. Кропивницкого и О.А. Потаповой. Переезд в подмосковное Лианозово. Работает десятником на северной водопроводной станции. Продолжает заниматься живописью, посещает художественную студию в Долгопрудном. 1952 рождение сына Александра. 1957 участвует в выставке произведений молодых художников Советского Союза во время VI Всемирного фестиваля молодежи и студентов в Москве, его работа отмечена почетным дипломом. 1958 принят на работу в Комбинат декоративно-оформительского искусства Художественного фонда РСФСР. Начало субботних и воскресных встреч художников и поэтов на квартире Рабиных в Лианозове. Позднее это творческое содружество единомышленников будет названо «лианозовской группой». 1964 переезд из Лианозова в Москву, в район Преображенской площади. Квартира на Большой Черкизовской улице становится местом встреч неофициальных художников. 1965 Первая персональная выставка в галерее Grosvenor в Лондоне. 1967 Вступает в Объединенный комитет профсоюзов художников-графиков Москвы. 1974 становится одним из организаторов и участников выставки на пустыре в Беляево («Бульдозерной выставки»). 1978 уезжает вместе с семьей по гостевой визе во Францию. Указом Президиума Верховного Совета СССР лишен советского гражданства. 1985 получает французское гражданство. 1990 Президиум Верховного Совета СССР возвращает Оскару Рабину советское гражданство. 1994 В Париже трагически оборвалась жизнь Александра Рабина. 2006 Посол России во Франции вручает Оскару Яковлевичу Рабину и Валентине Евгеньевне Кропивницкой новые российские паспорта. Оскар Рабин становится лауреатом Государственной премии «Инновация» в номинации «За творческий вклад в развитие современного искусства». Живет и работает в Париже.
Экспозиция в Музее личных коллекций произведений Владимира Вейсберга — одного из самых глубоких художников-экспериментаторов поколения «шестидесятников» — состоялась благодаря дарам двух самых близких мастеру людей. «Художник не должен быть ни слишком робким, ни слишком искренним, ни слишком подчиняться природе. Он должен более или менее властвовать над своей моделью и в особенности владеть своими средствами выражения, проникать в то, что имеет перед глазами, и стараться выражаться возможно логичнее» — эти слова Поля Сезанна могут быть эпиграфом к творчеству одного из наиболее крупных отечественных художников из плеяды «шестидесятников» — Владимира Григорьевича Вейсберга (1924-1985). Тот факт, что Вейсберг является современным классиком, и ранее бесспорный для учеников художника, его коллег и части искусствоведов, сейчас становится очевидным и общепризнанным, о чем говорит и такой фактор, как все возрастающий интерес частных коллекционеров к наследию художника. В этом году Вейсбергу исполнилось бы 80 лет — и в последние годы вышел ряд серьезных публикаций, посвященных его творчеству и теоретическим взглядам. Среди них в первую очередь следует назвать монографическую работу Елены Муриной «Владимир Григорьевич Вейсберг»*, в которой дан блестящий и глубокий анализ эволюции творчества художника, его психологических особенностей, художественного контекста и становлению живописной системы «белое на белом». Еще одним доказательством музейного ранга художника стало открытие в 2002 году в отделе личных коллекций ГМИИ им. А.С. Пушкина зала его творческого наследия, где в постоянной экспозиции можно увидеть 15 полотен В.Г. Вейсберга, которые находятся в непосредственном соседстве с залами Д.П. Штеренберга, А.М. Родченко, В.Ф. Степановой, А.Г. Тышлера, Д.М. Краснопевцева. История создания этого зала такова. В 1998 году в Музей личных коллекций поступил дар от Галины Михайловны Ерминой, вдовы художника. Галина Михайловна подарила музею 57 произведений — живопись, акварели и небольшое количество рисунков, причем живописные работы большей частью представляли так называемый «белый» период. В своей дарственной Ермина оговаривала возможность создания музейного фонда Вейсберга, ожидая, что к ее дару будут присоединены со временем и другие поступления. Признаюсь, в то время музейным сотрудникам это показалось иллюзией, однако не прошло и двух лет, как собрание пополнилось еще 32 полотнами раннего периода. Это был дар Светланы Викторовны Щегловой, первой жены художника. Таким образом, благодаря бескорыстию двух близких художнику женщин сейчас наш музей обладает собранием почти в 90 произведений. Через некоторое время «фонд Вейсберга» пополнился и серией фотографий Игоря Пальмина, сделанных в мастерской художника в 1970-1980-е годы. Серия была подарена музею автором. Творческая эволюция Вейсберга представляется необыкновенно четкой и логически обусловленной, однако музейная коллекция не позволяет проследить все этапы его биографии. Мы располагаем ранними работами (до 1959 года) — натюрмортами и портретами, и великолепной подборкой поздних натюрмортов (1970-1980-х годов), дающих представление о зрелом творчестве художника. Перед нами стояла задача объединить в одном не очень большом пространстве эти произведения. На первый взгляд представлялось чрезвычайно соблазнительным разыграть в экспозиции столкновение двух периодов творчества в одном жанре — сопоставить ранние и поздние натюрморты. Натюрморты начала 1950-х годов выполнены в традициях московской живописной школы, крепко скомпонованные, поражающие сочностью красок и контрастом цветовых сочетаний. Так, «Натюрморт с синим кофейником» (1955) ошеломляет почти предельной цветовой активностью — сочетанием синего, оранжевого, красного, розового. Чуть более приглушенно, но не менее экспрессивно «звучит» розовое и желтое в полотне «Яблоки на розовой бумаге» (1954). В нашем собрании имеется и одна из ранних версий серии «Неубранный стол» (1955), где на небольшой плоскости стола громоздятся в беспорядке белые тарелки с голубыми ободками, соседствуя с проросшими луковицами. (Более поздний, хорошо известный вариант этой серии, находившийся до недавнего времени в одной из московских частных коллекций, представляет собой следующую стадию в творческой эволюции Вейсберга — предметы укрупняются, композиция становится более лаконичной, колорит предельно высветляется.) «Неубранный стол» имеет второе, записанное автором в скобках, название — «Хаос». То же название имеет и композиция 1974 года, на которой изображены белые геометрические фигуры — пирамиды, призмы, цилиндры, конусы, стоящие на небольшой плоскости. Как привлекательно, на первый взгляд, было сопоставить в реальном соседстве эти два «Хаоса» — повышенную цветность и почти монохромность, упоение материальной цветностью и почти полную дематериализацию предмета; повесить рядом два полотна, которые разделяет почти двадцать лет напряженных творческих поисков. Но, как это часто бывает в работе над экспозицией, от первоначального намерения остаться в пределах натюрморта пришлось отказаться: контраст был настолько разительным, что два произведения не только не смогли находиться рядом, но оказались несовместимыми в одном пространстве. Между этими двумя «Хаосами», казалось, прошла целая эпоха. Конец 1950 — начало 1960-х годов были для Вейсберга переломными. В это время начинает складываться та концепция живописи, развитию и углублению которой будет посвящена вся дальнейшая жизнь художника. Эта концепция в общих чертах была раскрыта и теоретически обоснована в докладе «Классификация основных видов колористического восприятия», прочитанном и опубликованном В.Г. Вейсбергом на семинаре Академии Наук в 1962 году. В этом докладе, обобщая и систематизируя опыт европейских мастеров живописи, автор предлагал различать три основных вида колористического восприятия: короткое (чувственное), длительное (аналитическое) и бесконечное, подсознательное, ориентированное на медитативное восприятие. В последующие годы окончательно оформляется идея «невидимой» живописи и вырабатывается индивидуальная система работы над картиной, глобальной идеей которой стало объединение предметов и среды в единую живописную субстанцию. Именно поздний период и стал характерным для художника, и десять произведений этого времени составили основу экспозиции, которую дополнили несколько ранних этапных полотен. Одна из ранних работ — «Куст» (1948) наглядно демонстрирует увлечение молодым Вейсбергом живописной системой Поля Сезанна. Перекрещивающиеся, наслаивающиеся друг на друга цветные мазки создают из простейшего натурного мотива монументальный живописный образ. Из портретной серии второй половины 1950 годов, а в музее около полутора десятка портретов — «Парень с гаечным ключом», «Мальчик с папиросой», «Курортница», «Девочка с розовым бантом», экспонируется всего два. На одном из них — на портрете «Галя в зеленой блузке» — изображена прелестная молодая рыжеволосая девушка с застенчиво-веселым взглядом. Гармония достигается благодаря сочетанию множества оттенков зеленого, охристого и розового. Это одно из самых оптимистичных и радостных полотен Вейсберга. Особая, центральная роль в зале предназначена картине «Семья» (1958). Этот крупный холст, двойной портрет Щегловых (Светланы Викторовны — первой супруги художника и ее отца — Виктора Федоровича Щеглова) знаменует начало нового этапа. На светлом фоне темными силуэтами выделяются поколенные изображения сидящих фигур. Позы портретируемых, выражения их лиц полны внутреннего достоинства и покоя, исчезают бытовые детали, пространство словно становится абстрактным, образы приобретают величественность и монументальность. В живописной трактовке одежды еще заметна характерная для раннего колористически насыщенного периода манера наложения цветных перекрещивающихся мазков, однако в изображении лиц и белого фона уже видны иные изобразительные принципы. Этот двойной портрет стал экспозиционным центром, точкой соприкосновения раннего творчества, построенного на непосредственном, чувственном восприятии действительности, с поздним периодом, где в геометрических натюрмортах художник следовал своим умозрительным принципам объединения предмета и среды. Что бы художник ни писал — натюрморт, портрет или обнаженную натуру, цель его состояла в том, чтобы выявить единство и однородность предмета и среды, увидеть за материальным основу этой материи — некий «эфир» как «умопостигаемую сущность Бытия». Повторим вслед за Е.Б. Муриной то, что кажется очевидным при длительном рассматривании картин «белого» периода: «Вейсберговские белые шары, кубы и конусы восходят, конечно, к знаменитой формуле Сезанна »:трактуйте природу посредством куба, конуса, шара »:» хотя теперь фигуры утрачивают свою пространственно-моделирующую функцию и становятся частью, сгустком прозрачной, живописно-пространственной среды». Дух Поля Сезанна как бы незримо присутствует в нашей экспозиции, ведь путь В.Г. Вейсберга — от самой ранней картины «Куст» до поздней неоконченной композиции «Венера и геометрия» — сопряжен с исканиями великого французского мастера. От соприкосновения с традицией русского сезаннизма в начале 1950 годов до пристального изучения его полотен в начале 60-х, от увлеченного следования его идеям до полемики с ним. И как результат этого последовательного развития — логическое завершение, полное превращение живописной материи в духовную субстанцию. Позволю себе и закончить текст словами Поля Сезанна, которые применимы не только к художественному творчеству, но имеют более глубокий жизненный смысл: «Время и размышление изменяют мало-помалу впечатление от виденного, и, наконец, к нам приходит понимание». КРАСНОПЕВЦЕВ, ДМИТРИЙ МИХАЙЛОВИЧ (1925–1995), русский художник. Родился в Москве 8 июня 1925 в семье служащего. Окончил Художественный институт имени В.И.Сурикова (1955), где среди его наставников был М.А.Добров, мастер миниатюрного офорта. Около 20 лет работал в «Рекламфильме». Большое значение имело для него знакомство с коллекционером Г.Д.Костаки; со временем у Костаки сложилась самая большая (в сравнении с другими современными мастерами в его собрании) экспозиция Краснопевцева. Ранние офорты и живописные картины художника меланхолически-романтичны. В конце 1950–1960-х годах главным жанром для него стал «метафизический натюрморт», совмещающий традиции символизма и сюрреализма, – с простой, часто сломанной керамической утварью, сухими растениями, раковинами; эти своеобразные «черепа вещей» воспринимаются как поэтические символы Бренности, напоминающие об ирреальности окружающего мира. В годы перестройки Краснопевцев стал первым художником, удостоенным новой, «неформальной» премии «Триумф» (1993). Умер Краснопевцев в Москве 28 февраля 1995. Лучше всего его наследие представлено в московском Музее частных коллекций (при Музее изобразительных искусств имени А.С.Пушкина). ШВАРЦМАН, МИХАИЛ МАТВЕЕВИЧ (1926–1997), русский художник, один из мастеров русского «неофициального» искусства. Родился в Москве 4 июня 1926 в семье предпринимателя-нэпмана, не раз подвергавшегося репрессиям и умершего в концлагере. После того, как мать выслали в Сибирь, Шварцман был взят в интернат, затем служил в армии (1944–1950). В 1950–1956 учился в Высшем художественно-промышленном училище (бывшем Строгановском). Жил в Москве. По окончании учебы зарабатывал на жизнь как художник книги, плаката, а также мастер промграфики (дизайн фирменных знаков). Однако все эти виды искусства, в особенности промграфика, отнюдь не были для него лишь какой-то побочной «халтурой». Будучи с 1966 главным художником СХКБ Легпром (Специальное художественно-конструкторское бюро легкой промышленности), он даже вызвал к жизни целую «школу Шварцмана», сыгравшую важную роль в деле внедрения принципов графического стайлинга (т.е. знаково-стилистической унификации промышленных изделий). В тот же «оттепельно-застойный» период, в конце 1950-х – 1960-е годы, сложился и его станковый стиль, не примыкавший ни к одной из типических линий тогдашнего «другого искусства». Художник создавал огромные – охватившие всю его зрелую творческую жизнь – живописные и графические циклы так называемых «иератур» (его собственный термин, произведенный от древнегреческого hieros, «священный»). Герметически-замкнутые по композиции, напоминающие древние тотемы или магические алтари, порой снабженные некими таинственными письменами, эти полотна и листы соединили в себе приемы авангарда – кубизма и сюрреализма – с архаически-культовой семантикой. Ритуал магии тут как бы превратился в ритуал искусства, замкнутый в декоративное зрелище рамками картины. Работы мастера вошли в наиболее значительные собрания русского авангарда и «неофициального» искусства, в том числе в собрание Г.Д.Костаки и коллекцию Н.Доджа, ныне включенную в состав музея Циммерли (Рутгерский университет, Нью-Джерси, США). Этапной экспозицией, увенчавшей его творческий путь, явилась большая персональная выставка в Третьяковской галерее (1994). Умер Шварцман в Москве 17 ноября 1997. СВЕШНИКОВ, БОРИС ПЕТРОВИЧ (1927–1998), русский художник, представитель «неофициального искусства», известный прежде всего своей «лагерной сюитой» (или «Гулаг-артом»). Родился в Москве 1 февраля 1927. В 1946, во время учебы в Институте прикладного и декоративного искусства, был арестован по обвинению в «антисоветской пропаганде» и отправлен на 8 лет в концлагеря (образец этой «пропаганды» из следственного дела: «Художники у нас рисуют не то, что хотят, а то, что им скажут»). Этапированный в Ухтижемлаг (Коми АССР), сперва был послан на земляные работы. Выжил лишь благодаря тому, что его перевели на лагпункт Ветлосян и назначили сторожем в деревообрабатывающий цех, при котором была художественная мастерская. Здесь и началась «лагерная сюита». В 1954, отбыв срок, Свешников вернулся в Москву; в 1956 был реабилитирован. В 1954–1957 жил в Тарусе, затем обосновался в столице. Плодотворно работал для Гослитиздата, создав множество иллюстраций к произведениям И.В.Гёте, Э.Т.А.Гофмана, Г.К.Андерсена, братьев Гримм, М.Метерлинка, К.Г.Паустовского и других авторов (расцвет книжно-оформительского творчества Свешникова приходится на 1960-е годы), – здесь четко обозначился его дар романтика-символиста, мастера изысканной исторической стилизации. Главным же его произведением явился огромный цикл лагерных рисунков (в его излюбленной технике перового рисунка тушью). Тонким, каллиграфически-точным штрихом написаны снежные поля или мрачные залы, где маячат мелкие фигурки заключенных и стражников. Это некая потусторонняя «гофманиада», пребывающая в вечном магическом трансе и в то же время – в вечной мечте о недосягаемой свободе, воплощенной в безбрежных зимних просторах. К этой сюите, созданной в основном в 1950–1960-е годы, позднее прибавился графический цикл Альбом для рисования, еще более фантастико-гротескный и в меньшей степени связанный с гулаговскими реалиями. «Гулаг-арт» Свешникова (образцы его были впервые опубликованы в изданном М.М.Шемякиным альманахе «Аполлон», 1977) произвел сенсацию на одноименных выставках «творчества в лагерях и ссылках», которые проводило с 1990 общество «Мемориал». Чувство «мира иного» – сказочное и в то же время меланхолически-скорбное – неизменно было присуще и живописи мастера. От ранних, графически-четких по композиции и колориту полотен он перешел к своеобразным цветовым «паутинкам», сотканным из пуантилистского марева мелких точечных мазков. Его героями неизменно оставались романтизированные «зэки» либо просто чудаки и бродяги, блуждающие в мирах своих кошмаров и грез. Среди характерных его картин – Полет (1958), Майская гроза (1976), Мастерская гробовщика (1961), Прогулка (1961), Поминки (1965). Умер Свешников в Москве 6 октября 1998. Его работы (в том числе все вышеупомянутые картины и значительная часть «лагерной сюиты») хранятся в Музее современного русского искусства в Джерси-сити и Музее Циммерли университета Рутгерса (США), а также в собрании общества «Мемориал» и других коллекциях. СООСТЕР, ЮЛО ИЛЬМАР (1924–1970), художник, представитель «неофициального» искусства. Родился на о-ве Хийумаа 17 октября 1924 в семье хуторянина. Поступил в Тартуский художественный институт (1945). В 1949 был арестован в Таллине, якобы за попытку захвата самолета, и осужден по 58 (политической) статье на 10 лет заключения. Отбывал срок наказания в Долинке под Карагандой, не прекращая рисовать и в лагере (эти рисунки – в основном портреты соседей по нарам, вполне традиционные по стилю, но дошедшие до нас в оборванно-обгорелом состоянии, – принадлежат к числу интереснейших экспонатов выставок центра «Мемориал»). Освобожден и реабилитирован в 1956. С 1957 жил в Москве, зарабатывал на жизнь, оформляя журналы и книги (в издательстве «Знание» и др.). Был одним из главных «виновников» «манежного скандала» (1962), когда Н.С.Хрущев с бранью накинулся на участников авангардистской выставки, организованной Э.М.Белютиным. Начинал показывать свои вещи и за рубежом (Польша, Италия, ФРГ и другие страны). Его самобытный, как бы «фантастический» – не научно-фантастический, а скорее сказочный – стиль близок сюрреализму. В зрелой графике и живописи мастера (1960-е годы) мир магически цепенеет, в то же время насыщаясь изнутри загадочной, грозной мощью. Повторяющиеся мотивы эстонской природы, фактурно воспроизведенные камни и растения, выглядят словно инопланетные диковины, занесенные пришельцами из космоса (большая серия картин с можжевельником (Лунный можжевельник, 1962; и др.); Красное яйцо, 1964). Это искусство, насыщенное философскими парадоксами, наглядно превращающее предметы в имматериальные поэтические идеи, стало одним из преддверий «московского концептуализма», повлияв, в частности, на творчество И.И.Кабакова, друга Соостера. Умер Соостер в Москве 25 октября 1970. ШТЕЙНБЕРГ, ЭДУАРД АРКАДЬЕВИЧ (р. 1937), русский художник, мастер живописи, представитель российского «неофициального» искусства. Родился в Москве 3 марта 1937 в семье поэта и переводчика А.А.Штейнберга, вскоре арестованного в ходе сталинских репрессий. В 1957–1961 жил с семьей в Тарусе, где отец поселился по выходе из заключения. Помогал родителям, работая в рыбацкой артели. Систематического художественного образования не получил. В 1962 переехал в Москву и принял активное участие в движении художников-«нонконформистов». Впервые экспонировал свои вещи публично в 1963 (вместе с В.И.Яковлевым; в Музее Ф.М.Достоевского). С начала 1970-х годов часто выставлял свои вещи за рубежом. Его ранние жанры и пейзажи написаны в духе импульсивно-красочного фовизма (Татарские песни, 1961–1963; Девушка с лентой, 1964; обе картины – в частном собрании, Москва). Позднее перешел к высветленным по тону «метафизическим натюрмортам», где беспредметное начало, белесая стихия цвета все заметнее поглощала объекты (Композиция с черепом, Мертвая птица; обе работы – 1966, там же). «Классический Штейнберг» сложился под решающим воздействием абстракций К.С.Малевича: сохраняя общее впечатление космического парения легких форм, молодой художник сводил до минимума присущие исконному супрематизму резкие цветовые контрасты, придавая своим образам подобие меланхолического «воспоминания об авангарде». Такого рода картины сложились в огромный многолетний цикл, пластически-элегантный, полный тонкого декоративного чутья: Композиция (памяти Николая Федорова), 1972, Третьяковская галерея; Композиция, 1973, Художественный форум Людвига, Ахен; Композиция, 1981, Третьяковская галерея; и др.). Параллельно с живописью начал делать гуаши и коллажи на картоне. В творческом диалоге с московским концептуализмом с середины 1980-х годов вводил в произведения надписи и сюжетное начало: таков Деревенский цикл, полный воспоминаний о Тарусе с окрестностями и их обитателях (Живые и мертвые, полиптих, 1985, Художественный форум Людвига, Ахен; и др.). Искусство Штейнберга, наглядно восстанавливающее формальные и символические связи с прежним русским авангардом, получило большой резонанс в период перестройки. Его печальным «письмом Казимиру Малевичу» открывался нашумевший документальный фильм Черный квадрат (1988, режиссер И.Пастернак). За рубежом успеху Штейнберга значительно способствовала парижская галерея «Клод Бернар». С 1990-х годов художник живет большей частью в Париже, часто наезжая в Москву и Тарусу. Олег Николаевич Целков (1934, Москва) — русский советский художник. Родился в семье экономистов, работающих на авиационном заводе. С 1949 по 1953 учился в МСХШ. Один год проучился в Минском художественном институте, еще год — в Академии художеств им. И. Е. Репина а Ленинграде, исключался по идеологическим соображениям[источник?]. Был принят в институт театра и кино, где завершил образование. В 1961 переезжает в Москву. Первая персональная выставка прошла в 1965 г. в институте атомной физики им. Курчатова в Москве. С 1970-х гг. выставляется в Европе и США. В 2004 году — персональная выставка в Русском музее и Государственной Третьяковской галерее. Начиная с 1960 года, с картины «Портрет», в течение последующих сорока лет в живописи разрабатывает один единственный сюжет — образы деформированного человеческого лица и фигуры, «жопо-лики», напоминающие зловещие маски или человекоподобного мутанта. Его портреты стали своеобразной реакцией на новые формальные приемы сурового стиля. Особая черта его картин — «шаблонность», крупный масштаб и яркие анилиновые цвета. На творчество повлияли современные примитивисты и поздний Малевич. В 1977 году принял предложение «властей» покинуть СССР. Живет в Париже. ЗВЕРЕВ, АНАТОЛИЙ ТИМОФЕЕВИЧ (1931–1986), русский художник, мастер живописи, представитель русского «неофициального искусства». Родился в Москве 3 ноября 1931 в семье рабочего. Поступив в 1954 в Московское областное училище памяти 1905 года, был вскоре исключен за него за свое богемно-анархическое поведение, и сформировался как художник в основном самостоятельно. Важное значение для него имело общение с коллекционером Г.Д.Костаки. Переходя от натурных этюдов к культу чистого мазка, разработал во второй половине 1950-х годов самобытный – темпераментный, даже «буйный» – живописный стиль, который можно назвать «фигуративным ташизмом» или стилем «фигуративно-беспредметным», поскольку пейзажные, натюрмортные, портретные мотивы радикально преображаются здесь в стихийной игре красок, тем не менее сохраняя свой характер, свою предметную узнаваемость (хотя Зверев порою писал и чистые абстракции). Особенно типичны для него лирически-импульсивные женские портреты. Работая обычно акварелью, маслом или карандашом, он стремительно импровизировал – причем сама импровизация превращалась в акт искусства, своеобразный хэппенинг, который завершался лихой подписью-росчерком. Неприкаянность и алкоголизм превратили Зверева в своего рода «ужасное» (и в то же время любимое) дитя московского андерграунда. Начиная с квартирных выставок 1959–1962 и первой зарубежной выставки (в парижской галерее «Мот», 1965), его известность постепенно росла (ныне его работы представлены в России в Третьяковской галерее, Музее современного искусства в Москве и других собраниях). Анатолий Зверев 1931-1986 1931 – Родился в Москве 1946-1950 – Окончил Московское областное художественное училище 1951 – Учился в училище им. 1905 года (откуда был уволен с первого курса "из-за внешнего вида"), посещал различные изостудии 1957 – участвовал в в Третьей выставке молодых художников Москвы и Московской области 1958 – Награжден Золотой медалью в Международной мастерской пластических искусств на VI Всемирном фестивале Молодежи и студентов 1965 – Первая выставка за рубежом ПРЕДЛОЖНЫЙ ПАДЕЖ В кругу шестидесятников Зверев – легендарный художник абсолютного эстетического вкуса, абсолютной живописной одаренности. Его жизнь и творчество стали своеобразной иллюстрацией мифа о бродяге – гении, умеющем взмахом руки создать шедевр и при этом гибнущем от пьянства и нищеты. В этом контексте миф о Звереве существовал параллельно мифу о В.Яковлеве – сумасшедшем гении. И если в поведении, в быту Зверев действительно являл собой человека крайности, презревшего ради личной свободы все социальные блага жизни, то его живопись представляет предельно редуцированный вариант реализма, она всегда фигуративна, узнаваема. Экспрессия, чувственность манеры письма являются не помехой прочитыванию сюжета, а лишь эффектным способом его подачи. * * * Анатолий Зверев стал известен широкой публике, когда ему, никому не известному, отчисленному с первого курса художественного училища "за внешний вид", красившему заборы в Сокольниках, знаменитый мексиканский художник Сикейрос присудил Золотую медаль конкурса Международного молодежного фестиваля. Затем последовали выставки в Париже и Женеве, закупки работ "Метрополитен -музеем" в Нью-Йорке, слава свободного художника-бродяги, юродивого, отмеченного печатью избранничества, и самого модного портретиста Москвы. Анатолий Зверев, которого Пабло Пикассо называл лучшим русским рисовальщиком, большую часть жизни провел в психушке, куда его заботливо упрятала советская власть. Свой грустный век он доживал по углам у случайных знакомых. Рисовал на обоях, на обрывках бумаги и только в редкие моменты – на подаренном холсте и подаренными же красками. Часто – за кусок хлеба и убогий ночлег. Теперь эти клочки и обрывки стоят огромных денег. "Каждый его мазок – наслаждение, – писал о нем Роберт Фальк – Живописцы такого калибра рождаются только раз в столетие..." О легендарной и бездонной личности Анатолия Зверева, о его необеспеченности, богемности, невероятной творческой продуктивности ходило по Москве множество мифов. И только сейчас, по прошествии 15 лет со дня смерти художника, современники начинают осознавать глубину и масштаб его дарования. Особенно ценны работы Зверева, исполненные им в 60-е годы, когда мастер находился на пике своих творческих сил. В холстах, акварелях и рисунках того времени виртуозное мастерство сочетается с просветленностью и глубиной образов. По легкости, с которой несколькими росчерками художник давал выразительную и точную характеристику персонажа, по живой гибкости и музыкальности линии, критики сравнивали Зверева с лучшими рисовальщиками ХХ века – Матиссом и Пикассо. Экзотичность личности Зверева: его внешний облик, образ жизни, бездомность, боязнь толпы, милиции, всего официального, его манера работать всем, что есть под рукой – ножом, кусочком свеклы, даже просто пальцами – было ли это следствием его психической нестабильности? Отчасти и так, но прежде всего, образ жизни Зверева при всей его трагедийности, внешнем неблагополучии был его личным выбором. И если бы судьба его сложилась иначе, то и художником он был бы совсем другим. Ни лучшим, ни худшим, просто другим, потому что его живописный почерк и образ жизни неразрывно связаны. И связь эта держалась, прежде всего, на его любви к свободе, хоть и давалась она ему дорогой ценой. Что же касается разнообразия материалов, которые шли в ход при работе, то сам он об этом говорил так: "Настоящий художник, если у него нет нужного цвета, должен уметь использовать кусок глины или земли". Правда, он любил и развлекать зрителей. Краски есть, кисти есть, а он тем же упомянутым выше кусочком свеклы в момент делает с кого-то великолепный набросок. Вспоминают случай, когда увидев картины Поллока на американской выставке в Сокольниках в 1958 г., он показал свои картины в манере абстрактного экспрессионизма (ташизма), написанные шваброй. "Ташизм, кстати, я изобрел, только никто об этом не знает... еще в ремесленном училище! (заметим, рубеж' 40-х – 50-х). На меня абсолютно никто не влиял". Многие авторы воспоминаний о нем, рассказывают как легко и быстро Зверев создавал свои шедевры. Сами того не ведая, они внушают читателю, что для него это было очень простим делом. В то же время художник Владимир Немухин приводит такую фразу Анатолия Зверева о своем периоде ташизма "Я писал, старик, кровью и повторить, это уже не могу". Зверев умер в 1986 году от апоплексического удара в своей малогабаритной квартире в Свиблово на 56-м году жизни. Его жизнь стала легендой – образ свободного художника-бродяги как нельзя лучше отвечал духу времени. В среде московской интеллигенции ходило множество баек и притч о жизни скитающегося по Москве от дома к дому художнику. Одно время было очень модно иметь портрет кисти Зверева. В интервью, которое художник дал незадолго до смерти фотографу С. Борисову, Зверев на вопрос "Как ты жил?" ответил: "Я никогда не жил. Я существовал. Жил я только среди тех, у кого и для кого писал, кто слагал обо мне мифы." Наследие художника огромно, оно рассредоточено по многочисленным частным собраниям как в Москве, так и за рубежом. Впрочем, крупных коллекций произведений Зверева не так много. Третьяковская галерея располагает собранием прекрасных рисунков, акварелей и холстов Зверева, частично купленных галереей, частично подаренных ей З. П. Поповой, И. А.Кузнецовым и другими благотворителями. Я́КОВЛЕВ Владимир Игоревич (1934, Балахна, – 1998, Москва), живописец. Мать Яковлева — Вера Тельбаум, некоторые картины Яковлева подписаны ее фамилией. Как и многие другие художники московского андерграунда 1950–60-х гг., Яковлев не получил специального художественного образования; учился по альбомам, а также в музеях, в мастерских друзей, на выставках, изучая работы близких ему по духу художников, в том числе своего деда, живописца М. Яковлева. В 1950-х гг. работал фоторетушером в издательстве «Искусство». В конце 1950-х гг. вошел в круг нонконформистских художников, известный сегодня под названием Второй русский авангард. Некоторое время брал уроки у авангардного художника того же круга В. Ситникова. Работы любимых художников — А. Модильяни, Ф. Малявина, А. Архипова, графика М. Врубеля, некоторые картины П. Пикассо и С. Дали — не столько влияли на творчество Яковлева, сколько вдохновляли его. Постепенная утрата зрения (к середине 1970-х гг. зрения осталось лишь несколько процентов) не мешала его творчеству — все, что он писал, было как бы изначально ему дано, он видел цвет внутренним зрением, ощущал его физически. В биографиях Яковлева постоянно цитируется его ответ на вопрос о любимом цвете: «тот, который не болит — зеленый и, особенно, красный»; и «жизнь — это фактура красного». Яковлев не принадлежал ни к какому направлению, кроме того, что он целиком принадлежал к искусству 20 века. В том, что он делал, нет обычной эволюции: Яковлев обращался к тем или иным темам или к тем или иным стилистическим способам высказывания, которые уже присутствовали в его живописи. То, что Яковлев оказался в среде андерграунда, было естественно. Его космическое мировосприятие, затворническая обособленность от окружающего мира и абсолютное отсутствие каких бы то ни было мотиваций в творчестве, кроме самого творчества, делали его искусство совершенно неприемлемым для официального истеблишмента. Ранние работы Яковлева (не считая детских гуашей и акварелей) относятся к 1957 г. В ближайшие два-три года полностью определились и тематика, и основные стилевые элементы его творчества. Критика назвала Яковлева художником, который пишет «портреты ветра и цветов»; одинокий цветок в стакане с водой может считаться авторским знаком Яковлева («Красный цветок», 1960, собрание М. Гробмана, Тель-Авив). Среди его работ есть портреты, как правило (за исключением нескольких портретов друзей), не идентифицируемые («Портрет еврейки», 1960, собрание М. Гробмана), а также фантастические и космические пейзажи («Космический портрет», 1959, Музей Людвига, Кельн; «Тропинка», 1958–59, собрание М. Гробмана). В 1957 г. Яковлев писал акварели в манере ташизма, в 1958 г. — пуантилизма; в них зыбкое пространство соткано из множества монохромных цветных точек. В эти же годы он пробует себя в геометрической абстракции и супрематических композициях, от которых вскоре отказывается и впоследствии почти никогда не возвращается к ним. Яковлев использует любые элементы, если они кажутся ему адекватными («Портрет», 1981, Музей Людвига, Кельн). Композиция произведений Яковлева неустойчива, существование предметов удерживается только четким контуром, которым обведен каждый предмет, словно для того, чтобы не дать ему исчезнуть; при этом портрет может одновременно быть пейзажем, а человек равен цветку («Портрет, пейзаж, цветок», 1968, там же). В работах Яковлева 1970-х гг. усиливается трагичность (этим они близки к абстрактному экспрессионизму): резкие удары кисти, обилие белого с пятнами красно-фиолетового и черного, деформированные фигуры и лица («Портрет Бориса Пастернака», 1974–77, собрание В. Пацюкова, Москва). Уже в конце 1950-х – начале 1960-х гг. у Яковлева появлялись близкие этим по стилю произведения (например, «Абстракция», 1959, собрание М. Гробмана), но они были скорее исключениями; в последний период даже медитативные миражи Яковлева становятся более многофигурными и трагически экспрессивными («Цветы. Голубое озеро», 1976, там же). Поздние произведения Яковлева так же эзотеричны и всеобщи, как и все, что с самого начала делал художник. Яковлев умер от туберкулеза в московском психоневрологическом интернате, где находился последние десять лет жизни. Работы Яковлева были представлены на выставке «Русские еврейские художники: столетие перемен, 1890–1990», проводившейся Еврейским музеем в Нью-Йорке (сентябрь 1995 г. – январь 1996 г.). Яковлев Владимир Игоревич1934 – 15 марта в городе Балахна Нижегородской области родился Владимир Яковлев. Отец - Игорь Михайлович Яковлев, мать – Вера Александровна (урожденная Тейтельбаум); дед – известный художник М.Н. Яковлев. 1937 – родители Владимира Яковлева переезжают в Москву, у них рождается дочь Ольга. 1941 – в связи с началом Великой Отечественной войны семья эвакуирована в город Челюскинск. 1944 – Яковлевы возвращаются в Москву. 1949 – Владимир начинает работать в издательстве «Искусство» в должности хранителя фототеки, ретушера. 1957 – начало занятий живописью под впечатлением от художественных выставок, проходивших по время VI Всемирного фестиваля молодежи и студентов в Москве. Знакомство с художником Василием Ситниковым 1959 – первый публичный показ работ – на квартире композитора А.М. Волконского 1962 – первая выставка произведений в Доме культуры «Дружба» на шоссе Энтузиастов. 1968 – первая выставка в профессиональном пространстве – в Выставочном зале Московского союза художников на ул. Жолтовского (совместно с Э.А. Штейнбергом). 1968 – первая выставка за рубежом, в Братиславе. 1970 – выставки в Швейцарии, Западной Германии, США. 1975 – участие в первой «разрешенной» властями выставке художников-авангардистов на ВДНХ, павильон «Пчеловодство». 1976 – Яковлев вступает в Московский городской комитет художников-графиков. 1983 – смерть матери. 1984 – Яковлев помещен в Психоневрологический интернат N 30. 1985 – смерть отца. 1990 - 1991 – участие в выставке «Другое искусство». Москва. 1956–1976», организованной Государственной Третьяковской галереей и Государственным Русским музеем. 1995 – персональная выставка в Государственной Третьяковской галерее. 1998 – 10 октября в Психоневрологическом интернате от пневмонии умер Владимир Яковлев. жүктеу/скачать 305 Kb. Достарыңызбен бөлісу:
|