Научная новизна диссертационного исследования

1. 
   В анализе последовательного развития систем художественных взаимоотношений между режиссером и драматургом в его историческом развитии на протяжении конца ХIХ-ХХ столетий.
   
2. 
   В выявлении основных тенденций динамики взаимоотношений режиссер-драматург в зарубежной и отечественной театральной культуре.
   
3. 
   В теоретическом обосновании влияния модели режиссер-драматург на композиционно-стилистическую ткань драматического спектакля.
   
4. 
   В раскрытии основных режиссерских приемов в работе с текстом пьесы.
   

1. 
   Научно-методическими рекомендациями режиссеру-постановщику или драматургу в работе с пьесой или над театральной постановкой;
   
2. 
   Учебным и научно-методическим пособием для режиссеров и актеров драматического театра и студентов театральных вузов, факультетов искусств университетов;
   
3. 
   Как источниковедческая основа для театроведческих исследований, связанных с изучением особенностей взаимоотношений между режиссером и драматургом зарубежного и отечественного драматического театра конца ХIХ-ХХ столетий.
   

1. 
   Обоснование места и роли модели режиссер — драматург в зарубежной и отечественной театральной культуре конца ХIХ-ХХ вв.
   
2. 
   Типология методов художественного взаимодействия режиссера с драматургом и пьесой.
   
3. 
   Характеристика основных моделей взаимоотношений режиссер-драматург в отечественном драматическом театре второй половины ХХ века.
   
4. 
   Выявление динамики эволюции моделей художественных взаимоотношений и художественных границ авторства между драматургом и режиссером.
   
5. 
   Обоснование методов работы режиссера с драматургией в рамках различных моделей взаимоотношений.
   

Работа состоит из введения, двух глав, заключения, библиографического списка используемой литературы – 220 наименований. Общий объем диссертации 199с.

Во Введении обосновывается актуальность темы диссертационного сочинения. Определяются объект, предмет, цели и задачи исследования, его методологическая основа, формулируются положения, выносимые на защиту, анализируются основные источники исследования.

Данная группа режиссеров придерживалась принципов, согласно которым режиссер должен всецело идти за логикой, идеями, художественной стилистикой автора пьесы. Режиссер, согласно, этой теории – это соединяющее звено в цепи драматург— зритель. И его задача воплотить на сцене пьесу автора, перевести текст на сценическую партитуру. При этом режиссер не имел художественного права менять трактовку произведения, композиционную структуру, авторский замысел и уж тем более не мог изменить авторский текст. Все действия режиссера должны быть направлены на раскрытие авторского замысла. Эстетика спектакля и формат средств художественной выразительности в нем обусловлен художественными требованиями драматурга и пьесы. К режиссерам, сторонникам вышеизложенной концепции с большой долей вероятности можно отнести таких режиссеров, как: Людвиг Кронек, Андре Антуан, Отто Брам, К. С. Станиславский, Вл. И. Немирович-Данченко, М. Рейнхардт, позднее в нашем отечественном театре их последователями стали Г. А. Товстоногов, О. Н. Ефремов и др.

Автор диссертации, проанализировав деятельность двух театров (Мейнингенский театр и Театр Либр), которые, с некоторыми оговорками, как мы уже говорили, можно отнести к первому направлению, условно говоря — к театру драматурга, выявил ряд аспектов в работе с драматургией. Новаторской особенностью в работе с пьесой в Мейнингенском театре, режиссёром - постановщиком которого в 1869 становится Людвиг Кронек, были: сохранение принципа историзма в драматическом произведении. Данный принцип заключается в том, что все костюмы, декорации либо подлинны, либо с археологической точностью соответствуют историческому оригиналу. Этот прием находит свое проявление в ряде спектаклей по классической драматургии.

Людвиг Кронек вслед за Людвигом Тиком и Карлом Иммерманом боролся за возвращение подлинного авторского текста. Автор диссертации, исследуя данный тезис, выделяет ряд новаторских приемов в работе с драматическими произведениями:

1. 
   Удаление из пьесы чужеродных сцен и интермедий («Зимняя сказка» У.Шекспира);
   
2. 
   Место и время действия пьесы возвращается в исторический формат, указанный драматургом («Зимняя сказка» У.Шекспира, «Разбойники» Шиллера);
   
3. 
   Сознательное предпочтение переводов максимально приближенных к оригиналам драматурга (перевод «Зимней сказки» Тика-Шлегеля);
   

Особое место в осмыслении первичных моделей взаимоотношений занимает режиссура Андре Антуана и художественные поиски Театра Либр.

Андре Антуан, в равной степени, как и Людвиг Кронек был одним из представителей той группы режиссёров, которые ратовали за неприкосновенность авторского текста, однако его театральная эстетика вырастает из «новой драмы» и принципов натурализма, изложенного Э.Золя.⁴⁴ Он постулировал создание новой сценической реальности, которая соответствовала бы реальности самой жизни.

Согласно Э.Золя, перед зрителем должны предстать «просто люди и люди очень обыкновенные, с которыми мы постоянно сталкиваемся в жизни». ⁴⁵ По его мнению, театр должен представлять собой «анализ среды и личности, картина уголка повседневной жизни».⁴⁶ Антуан объявил, что принимает к постановке пьесы молодых авторов, которые не были еще нигде поставлены, а так же пьесы всех известных драматургов, в том числе и иностранных, независимо от их эстетических установок, которые оказались отвергнутыми парижскими театрами.

Что касается иностранной драматургии, то, пытаясь сохранить её самобытность, режиссер уделяет огромное внимание качеству перевода пьес и раскрывает ту реальность, в которой действуют и живут персонажи произведения. Посредством анализа источников автор настоящего исследования определяет эту особенность в методологии режиссера как принцип сохранения лингвистического соответствия между пьесой и её переводом.

Особое внимание автор диссертации уделяет художественным взаимоотношения режиссера с пьесой Г.Гауптмана «Ткачи», в которой режиссер удаляет текст «Дрейсигеровой песни»⁴⁷, которую поют ткачи, заменяя её стихами Г.Гейне «Селезкие ткачи», тем самым, обостряя конфликт пьесы и привнося в неё мотив социального сопротивления. Характеризуя пьесу как «шедевр социального театра»⁴⁸, он использует вольный перевод стихов Гейне с целью глубже вскрыть социальные противоречия Германии в общекультурном контексте⁴⁹.

Рассмотрение материалов, связанных с этим спектаклем позволяет автору диссертации сделать вывод, что, несмотря на изменения, осуществленные Антуаном в тексте, режиссер продолжает следовать за автором, углубляя проблематику спектакля и расширяя его культурно- исторические границы. Режиссер следует не за текстом, но за автором.

Параллельно с Театром Либр, автор диссертации рассматривает модель режиссер — драматург, действующая в рамках символистской театральной эстетики, которая утвердилась во Франции в созданном в 1890 году Театре д’Ар (Художественный театр). Театр д’Ар, возглавляемый поэтом П. Фором, родился в полемике с натуралистическим театром. Идея идеалистического театра у Фора сводилась к тому, чтобы освободить театр от изображения реальной жизненной среды. Быт подменялся бытием, изображенным с помощью символов. Физиологическому человеку здесь противопоставлялся человек рефлексирующий. Теоретической основой Театра д’Ар стали произведения М. Метерлинка и труды поэтов-символистов. М. Метерлинк в своём труде «Сокровище смиренных» не принимает жизненных сюжетов и проблематику натуралистического театра. Зритель, приходя в театр, согласно теории Метерлинка, должен посредством символа зафиксировать лишь мгновение, а не ситуацию или срез реальности. Таким образом, автор диссертации указывает на переосмысление роли слова и диалога в символистском театре. Слово перестает быть информативной единицей, характеризующей ситуацию, среду, обстоятельства, а является самостоятельной философско-эстетической категорией, обладающей музыкальностью и ритмом. Метерлинк стремился создать неподвижный театр, где молчание было бы высшим проявлением сценического действия. Согласно его теории, в молчании присутствует скрытый сакральный текст и чем меньше в произведении слов, тем оно художественней. Позднее эту теорию разделяет Г. Крэг, полагая, что «самой долговечной драмой является драма безмолвная».⁵⁰

Противостояние между натурализмом и символизмом в театре обостряется, с появлением театра «Эвр», который основал Люнье-По в 1893 году.

Следует отметить важную особенность, что Антуан и Люнье-По, ставя различные по своей эстетике пьесы одного и того же автора, оставались верны авторскому замыслу. Отличие в восприятии автора у Люнье-По и Фора от того, как его трактовал Антуан, заключалось в том, что в их интерпретации автор произведения растворялся в символе, в сакральном образе спектакля. Это объясняется еще и тем, что Люнье-По и Фор были сторонниками вагнеровской теории «тотального театра», где текст — это длящаяся мелодия, одна из составляющих общей партитуры спектакля.

Рассмотрение двух эстетик — натуралистической и символистской, позволяет автору диссертации выделить два подхода к природе драматического конфликта. В натуралистическом театре – это борьба героя с обстоятельствами, со средой. У символистов – это внутренняя рефлексия героя с самим собой. Конфликт реализуется героем не внешне, а внутренне. И как следствие этого, доказывает автор исследования, в отличие от натуралистов, в пьесах Метерлинка и в ряде других драматических произведениях, осуществленных на сцене Фором и Люнье-По, понятие «психологического действия» вовсе исчезает.

Художественный поединок театра идеалистического и театра натуралистического происходил часто на материале разных пьес, принадлежащих, однако, перу одних и тех же драматургов. Этот парадокс можно объяснить тем, что сами представители «новой драмы» не стояли на месте, а пребывали в активном творческом поиске и переживали в связи с этим сложную художественную эволюцию. Автор подчеркивает, что хотя в театрах, придерживающихся разной эстетики, имена драматургов иной раз совпадали, но пьесы, к которым обращались эти театры, решительно отличались и по стилистике, и по характеру своей художественной эстетической направленности.

Анализ первичных моделей взаимоотношений режиссер-драматург в зарубежном театре, проведенный в исследовании, позволяет сделать следующие выводы:

- Режиссура реализовавшая себя как в рамках натурализма, так и в рамках символизма доказала свою универсальность, не зависящую от художественного направления. Тем самым, начав процесс самоидентификации себя как отдельного художественного явления в театре.

- Полемика художественных направлений (натурализм, символизм) позволила сформировать некоторые элементы художественного театра и новые средства художественной выразительности.

- Амбивалентность, присущая «новой драме», дала режиссерам возможность экспериментировать с пьесами разных художественных направлений и на основе этого вырабатывать свою художественную эстетику.

Таким образом, и А. Антуан и Люнье-По и П. Фор, оставаясь на разных художественных позициях, (натурализм и символизм) все-таки следовали, в основном, за авторами, поэтикой и стилистикой их произведений, которые по сути своей были амбивалентны. «И все-таки их тяготение в большей или меньшей степени к определенному художественному течению очевидно»,⁵¹ о чем верно говорит Л.И. Гительман. Различие между, условно говоря, режиссерами натуралистами и режиссерами символистами заключалось лишь в различных подходах к тексту пьесы. Так для натуралистов – это информативная категория, посредством которой режиссер анализирует жизненные ситуации и перипетии, а для символистов – эстетическая категория сакрального содержания.

Если в Западной Европе режиссура возникает почти одновременно с появлением «новой драмы», то в России именно на основе «новой драмы» формируется режиссерский театр. В конце ХIХ века как в Александринском театре в Петербурге, так и в Малом театре в Москве существовали яркие актерские индивидуальности, тем не менее, отсутствовала режиссура, делающая первые шаги на зарубежной сцене, которая смогла бы придать спектаклям художественную целостность. Соглашаясь с утверждением известного исследователя русской режиссуры С.Владимирова, автор диссертации утверждает, что режиссёрский театр в России возник в 1898 году⁵². Первыми российскими режиссерами явились два человека — К.С.Станиславский и Вл. И. Немирович-Данченко. Автор диссертации указывает на то, что возникновение режиссуры было частично обусловлено репертуарным кризисом, о чем пишет Станиславский: «мы протестовали против ничтожного репертуара тогдашних театров».⁵³

Московский Художественный Общедоступный Театр (с весны 1901 года он будет именоваться МХТ) был открыт спектаклем «Царь Фёдор Иоаннович» (1898) по пьесе А.Толстого. Новаторство МХТ в постановке пьесы А.Толстого заключалась в предельной исторической точности, которая свидетельствует об ориентации молодого русского театра на театр Мейнингенский, однако, сразу же привносит в свое искусство и много нового, того, что присуще только ему. Анализируя режиссерские экземпляры спектакля МХТа, автор диссертации выделяет ряд основных положений в работе Станиславского над текстом пьесы:⁵⁴

1. гораздо более глубокая психологическая проработанность массовых сцен в спектакле, чем это было у мейнингенцев (подробнейший анализ систем взаимоотношений между персонажами в массовых сценах);

2. историческая достоверность, подобная той, которой следовали мейнингенцы. Костюмы к спектаклю были пошиты из ткани, которая специально была закуплена в кладовых монастырей. Те же принципы отмечает автор диссертации и в спектакле «Юлий Цезарь», которому предшествовала поездка Немировича-Данченко в Италию, с целью изучение нравов и обычаев римлян и как результат этого — его литературный труд, в котором дан подробнейший этно -культурный анализ Италии времён Юлия Цезаря. ⁵⁵

В постановке драмы Л.Толстого «Власть тьмы» в МХТ автор диссертации выделяет принцип обострения исходных предлагаемых обстоятельств пьесы, посредством обострения натуралистических проявлений в спектакле и изменения композиции пьесы (совмещение сцен второго акта), «спросив предварительно разрешение у автора (выделено мной – Е.С.)».⁵⁶ Впоследствии Л.Толстой печатал «второй акт пьесы в двух вариантах - старом и новом, предложенном ему режиссёром (выделено мной – Е.С.)».⁵⁷Этот пример свидетельствует о тесной работе режиссера и драматурга, которая нашла своё отражение не только в созданном спектакле, но и в творчестве Л.Толстого.

Сценическая реформа МХТ обусловлена непосредственной взаимосвязью театра и «новой драмы». В отличие от западноевропейской режиссуры, режиссура МХТ сформировала свой творческий метод под воздействием именно этой драматургии, уже окончательно сложившейся к тому времени, когда появился МХТ. И не случайно основные творческие открытия МХТ были связаны с его обращением к пьесам А.Чехова.

Отличительной особенностью пьес А.Чехова является то, что их постановку невозможно осуществить без творческой воли режиссёра. Новаторство пьес Чехова заключается в их «внутреннем действии», которое, будучи основным, не заключено в тексте. Отныне текст и его содержательное наполнение — не одно и то же. Тут возникают понятия «текста» и «подтекста». Для того, что бы эти два компонента гармонично существовали на сцене - необходим был режиссёр. Ему предстояло быть аналитиком, который смог бы превратить несвязанный, казалось бы, общим смыслом текст в одно общее композиционно-художественное целое. Открытые Г. Ибсеном и по-новому осмысленные А.Чеховым понятия «текста» и «подтекста» легли в основу системы К.Станиславского.

Автор настоящего исследования указывает на то, что именно попытка К.Станиславского и Вл. Немировича-Данченко соединить эти два компонента сценического действия впоследствии приведут к тому, что решительно изменит художественную ситуацию в театре. Ключом, соединяющим эти два понятия, и стал «метод действенного анализа» Станиславского, то есть способ познания и проникновения в автора, в мысли его персонажей. Режиссер, осуществляя анализ авторского текста, связывает между собой текст и подтекст и тем самым создает спектакль как художественно-целостное явление искусства.

Пьеса А.Чехова «Чайка», изначально показавшаяся К.Станиславскому несценичной, в чем Вл. Немировичу-Данченко удалось его переубедить, стала моделью взаимодоверия режиссеров и драматурга к друг другу. А.Чехов, равно как и Вл. Немирович-Данченко, видели будущее театра в его тесном взаимодействии с литературой. Стремление «войти» в «общее настроение» пьесы было выделено Немировичем-Данченко в одну из основополагающих функций режиссера. В понимании авторского замысла Немирович-Данченко видел источник переживаний, о чем он пишет в письме Станиславскому: «чтобы добиться переживаний, надо вдуматься в психологические плоскости автора…»⁵⁸. Спектакль стал торжеством художественного симбиоза драматурга Чехова и режиссера Станиславского, возникший посредством художественного проникновения режиссёра во внутренний мир и поэтику драматурга.

Безусловно, права И. Соловьева, которая считает, что в «Чайке» «они (Станиславский и Немирович-Данченко – Е.С.) угадали себя как театр, как направление в искусстве».⁵⁹

Таким образом, на основе драматургии Чехова вырабатываются основные положения метода действенного анализа, в центре которого — действие. В частности, понятие — «словесного действия»⁶⁰, которое подразумевает под собой действие посредством анализа текста, слова, погружение в логику текста и поиск посредством него верного сценического действия. Углубление в драму и поиск общего настроения пьесы в рамках действия является для режиссера определяющей в работе с драматургом.⁶¹

Однако, анализируя опыт постановок К.Станиславским символистских пьес М. Метерлинка и Л. Андреева, автор диссертации указывает на неудачи режиссера, обусловленные тем, что ему не удалось раскрыть символистскую поэтику этих пьес. Диссертант видит причину в различном понимании сценического действия у Станиславского и авторов – символистов.

Сценическое действие в пьесах Метерлинка и Андреева – есть акт созерцания и осмысления бытия. Сюжет в них – метафоричен и отображает скорее не реальные ситуации, а метафоры бытия. Понятие же сценического действия у Станиславского – это психо-физический акт деятельности, борьбы с предлагаемыми обстоятельствами и событиями в пьесе, результатом которых и есть ключевое понятие конфликта в драматургии. Ошибка состояла в раскрытии Станиславским символистской драматургии посредством реалистических приемов и критериев сценического действия, выработанных на основе драматургии Чехова. То есть режиссер попытался подчинить Метерлинка поэтике чеховских пьес, что было, по сути, не верно.

К.Станиславский сформировал одну из моделей режиссёр — драматург, которую можно определить как приоритет драматургии над режиссурой.

Не смотря на то, что Станиславский декларирует, что драматург первичен для него, все же он исходил не из драматурга, а из своего понимания этого драматурга. Руководствуясь реалистическим миросозерцанием, он навязывает драматургу свое понимание его пьесы. Автор диссертации подчеркивает, что творческая взаимосвязь К. Станиславского, Вл. Немировича-Данченко и А. Чехова оказало несомненное влияние не только на эстетику МХТ, но и на взаимоотношения с другими драматургами, которым навязывалась эстетика чеховских пьес (Г.Ибсен, М.Метерлинк, Л.Андреев).

Во втором параграфе «Театр режиссера» автор настоящей диссертации анализирует теорию и практику «авторской режиссуры» Г. Крэга и Вс. Мейерхольда, которые, расширяя художественные границы режиссуры, все более позиционировали театр автономным от драматургии искусством. Автор диссертации подвергает рассмотрению работу Крэга «Искусство театра», где режиссер поднимает проблему суверенности театра от других видов искусств, в том числе от драматургии. Автономность обусловлена тем, что в основе сценического действия лежит не слово, не идеи драматурга, как у Станиславского, а жест и движение, с помощью которых передается в театре содержание пьесы. Поэтому характер театрального действия на сцене определяет скорее музыкально-пластическая природа, нежели драматургическая. Поэтому Крэг полагает, что у драматурга прав в театре меньше, чем у режиссера. Ярким примером двух совершенно разных подходов к пьесе стал спектакль «Гамлет», для постановки которого в 1908 году МХТ пригласил Крэга. Этот спектакль – свидетельство творческого спора психологического реализма Станиславского с условно-поэтической концепцией театра Крэга.

Пьеса воспринималась Крэгом, как доказывает диссертант, не как материал для анализа перипетий жизненных поступков и переживаний героев, а как источник визуальных и музыкальных образов, формирующих ткань спектакля. Анализируя различные модели подхода к тексту, автор диссертации отмечает, что Станиславского волновала действенная линия пьесы, а Крэга его музыкально-визуальная партитура (балетные интермедии, концепция ширм).

Наряду с психологическим реализмом Станиславского в режиссерском театре России начала ХХ века формируется новая экспериментальная эстетика условно - поэтического театра, появление которой обусловлено поиском новых форм в сценическом искусстве. Эта тенденция нашла своё отражение в творческих поисках Всеволода Мейерхольда, творческий путь которого, условно, можно разделить на три этапа — символистский, период театрального традиционализма, период конструктивизма и биомеханики. Каждый из этих этапов характеризуется различным отношением режиссера к автору пьесы и самому драматическому произведению. На основе анализа моделей взаимоотношений режиссера и драматурга на разных этапах творческих поисков Мейерхольда, диссертант выявил ряд принципов в его работе с драматургией: 1. структурность словесного и пластического уровней в ткани спектакля (жест, поза, слово); 2. принцип домысливания авторских ремарок в ключе авторской эстетике, наиболее ярко находит свое проявление в постановке пьесы А.Блока «Балаганчик»; 3. принцип стилизации – как способ передачи атмосферы драматурга («Дон Жуан» Ж.Б.Мольера); 4. пьеса, рассматривается режиссером в художественном, историческом и биографическом контексте автора. Она неразрывно связывается с его жизнью и с исторической действительностью его эпохи. Раскрытие через пьесу личной темы автора. Так, например, в «Ревизоре» прослеживается судьба Гоголя в николаевскую эпоху, а в «Маскараде» Арбенин — это Печорин, наделенный автобиографическими чертами Лермонтова. 4. Принцип фрагментарности пьесы — сознательное деление пьесы на эпизоды, как самостоятельные элементы спектакля; 5. Смещение текстуальных и композиционных аспектов в пьесе (замена главной сюжетной линии второстепенными сюжетами, сознательное изменение мелодики и ритмики речи, смещение в композиции и добавление в ткань пьесы новых эпизодов). 6. Приоритет пластического рисунка спектакля над словесным. Слово, как элемент пластической, музыкальной культуры театра. (Это стало очевидно для диссертанта на примере его анализа спектаклей «Балаганчик» по пьесе А.Блока, «Горе уму» по пьесе А. С. Грибоедова «Горе от ума»). 7. Музыка, как внутренний монолог персонажа. Позиционируя себя как «автор спектакля»,⁶² Мейерхольд дифференцирует понятия композиция пьесы и композиция спектакля, разрабатывая на основе пьесы собственную художественную концепцию спектакля.

Анализ взаимосвязи режиссера и автора пьесы, внутри разных театрально-эстетических моделей, разных художественных направлений на ранних этапах становления и первоначального развития режиссерского искусства, приводит автора диссертации к выводу, что отношение режиссёра к драматургу обусловлено, прежде всего, его пониманием природы сценического действия. И в зависимости от этого складываются его отношения с драматургом. Так действие в понимании Станиславского чаще всего заложено драматургом в пьесе и значит пьеса — источник сценического действия. И как следствие этого выстраивается особая модель взаимоотношений режиссера и драматурга. Тут деятельность режиссера ограничивается воплощением на сцене идей автора.

Действие у Мейерхольда и Крэга имеет пластически- музыкальную природу и тем самым режиссура вырабатывает здесь совершенно другие законы композиции и организации сценического пространства, чем те, которыми руководствуются авторы пьес. Следует заключить, что на начальном этапе появления режиссуры уже сформировались многие законы собственно режиссёрского творчества и в частности – взаимосвязь режиссёра и драматурга. Эта взаимосвязь оказалась очень сложной и противоречивой внутри каждого художественного направления.