Vii раннее Возрождение в Италии

Флоренция, столица Тосканы, в XV в. становится одним из богатейших и влиятельных городов не только Италии, но и Европы. Члены знатных фамилий, первыми среди которых было семейство Медичи, покровительствуют искусствам. Художники этого времени – люди разносторонне развитые, обладающие множеством талантов, способные создавать прекрасные произведения в разных видах искусства.

Первым архитектором Раннего Возрождения стал Филиппо Брунеллески (1377-1446) - великий зодчий, заложивший основы нового стиля эпохи Ренессанса. В архитектуре так же, как и во всех других видах искусства этого времени, в центре внимания был человек, поэтому в эпоху гуманизма главным принципом была соразмерность строений человеку, то есть масштабы здания и его пропорции соответствовали масштабам и пропорц иям человеческой фигуры. В архитектуре вновь стала использоваться ордерная система с ее точно рассчитанным соотношением несущих и несомых частей и разработанным строением колонн.

Строительство собора Санта Мария дель Фьоре уже завершалось. Оставалась невыполненной самая трудная задача – перекрытие куполом огромного пространства средокрестья (около 45 м). Однако почти на протяжении тысячелетия купола не возводились над храмами. Необходимо было найти верное решение проблемы. С этой целью был объявлен конкурс. Его победителем в 1418 г. стал Ф.Брунеллески, не только талантливый архитектор, но и ювелир, скульптор, математик, инженер, изобретатель.

Огромные размеры собора делали задачу возведения строительных лесов довольно-таки сложной, поэтому Брунеллески предложил строить огромный купол без них. Многие сомневались в правильности этого решения, но победитель конкурса сумел доказать свою правоту, создав модель купола.

В конструкции купольного перекрытия, опирающегося на восьмигранный барабан, архитектор использовал достижения мастеров античности и Средневековья. Восемь угловых ребер-нервюр, поднятых под углом 60 градусов, соединены наверху круглым помещением, находящимся внутри купола. Для придания прочности конструкции и погашения распора ребра купола опоясаны горизонтальными каменными кольцами. Таким образом, купол Брунеллески получил стрельчатый, а не сферический, как во времена античности, облик.

Нижняя часть творения Брунеллески (у барабана) - сплошная. Выше купол разделяется на две оболочки. Толщина внутренней оболочки – 2,2 м, а внешней, предназначенной для защиты от влаги, – всего 85 см. Все это позволило уменьшить вес свода.

В возведении купольного перекрытия участвовало 8 бригад каменщиков. Они должны были работать одновременно, следя за тем, чтобы его грани росли равномерно. Брунеллески изобрел новый вид кладки кирпича – с наклоном внутрь, в результате чего центр тяжести оказывался внутри купола, что делало купольное перекрытие более прочным.

Создание купола собора Санта Мария дель Фьоре (1420–1436) принесло Брунеллески заслуженную славу. Богатые флорентийские горожане стали обращаться к нему с просьбами создания фамильных капелл и просторных домов.

Среди работ Брунеллески чисто светского назначения - проекты нового типа жилого дома состоятельных людей. Дом богатого горожанина в эпоху Возрождения перестал напоминать крепость, он становится городским дворцом (палаццо), фасад которого имеет торжественный и парадный облик. Здание имеет, как правило, три этажа, и завершают его уже не крепостные зубцы, а далеко вынесенный карниз.

Палаццо имеет уютный внутренний дворик, окруженный по периметру арочными галереями. Пространство дворика украшено Растительностью, скульптурой, а в центре, как правило, находится фонтан. Примером одного из проектов Филиппо Брунеллески служит проект палаццо Питти.

Воспитательный дом, разделенный на два неравных по высоте этажа, размещался по периметру просторного квадратного двора. Главный фасад, выходящий на площадь XV в., украшает изящная лоджия с полуциркульными арками, опирающимися на колонны. Таким образом, архитектор соединил древнегреческую колоннаду с римской аркадой. Вместо крестовых сводов Брунеллески использовал парусные. Это позволило не только значительно уменьшить толщину колонн и увеличить расстояние между ними, но и увеличить глубину лоджии. Такое конструктивное решение привело к ощущению удивительной легкости сооружения.

Кроме того, этот зодчий является одним из создателей теории перспективы (от лат. perspicio – ясно вижу). Перспектива – это система изображения предметов на плоскости в соответствии со зрительным восприятием предметов человеком. Линейная перспектива является способом изображения пространственных фигур на плоской поверхности, а воздушная перспектива передает изменения в цвете и в ясности очертаний предмета на расстоянии.
Младшим современником Филиппо Брунеллески является Леон Батиста Альберти (1404–1472), который был не только архитектором, но и художником, поэтом, музыкантом, а также теоретиком искусства. Он первым разработал программу ренессансного искусства, одним из важнейших принципов которой стало сознательное обращение к памятникам культуры античности.

В
Альберти. Палаццо Ручеллаи.

Альберти выступил новатором не только в области архитектуры. Он выполнил свой барельефный автопортрет в виде бронзового овального медальона (существует два его варианта). Это было первое произведение такого рода в искусстве Возрождения.

Открытие в XV в. труда античного зодчего Витрувия, изучение памятников архитектуры древних, а также разных стран Европы, огромный запас знаний побудили Альберти к созданию собственных теоретических трудов – “Десять книг о зодчестве”, “Описание города Рима”. В одной из своих работ он изложил геометрическую формулу построения трехмерного пространства (линейной перспективы). Владея простейшими приемами геометрии, любой художник, по мнению Альберти, мог быстро изобразить предметы в пространстве, пользуясь единой точкой схода перспективных линий.
В Венеции ренессансные черты в архитектуре получили свое развитие лишь в конце XV в. Огромную роль в этом сыграла семья Ломбарди, во главе которой стоял талантливый зодчий и скульптор Пьетро Ломбарди.

Характерными чертами венецианских сооружений этого времени, как культовых, так и светских, возводимых из кирпича и облицованных дорогими породами камня, являются их живописность, богатство внешнего убранства и гармония с окружающим пейзажем.

Огромную роль в архитектурном облике города играли скуолы –общественные сооружени я для благотворительных и просветительских целей, возводимые религиозными сообществами жителей Венеции, избравших своим покровителем какого-либо святого. Одним из значительных зданий этого типа является Скуола ди Сан Марко, созданная Пьетро Ломбардии и Моро Кодуччи (ок.1440–1504 гг.).
Скульптура

Началом пластического искусства эпохи Возрождения считают 1401 г., когда был объявлен конкурс на скульптурное оформление дверей баптистерия Сан Джованни, расположенного рядом с собором Санта Мария дель Фьоре (Флоренция). Было признано, что образцы Филиппо Брунеллески и Лоренцо Гиберти (1375–1455) являются лучшими, поэтому им предложили работать вместе. Но Брунеллески отказался от этого предложения, и заказ полностью перешел к Гиберти.

Создание северных дверей (1403–1424), где представлены эпизоды из жизни Христа, имело большой успех. Гиберти получил новый заказ – на создание восточных дверей, названных позднее “Вратами рая” (1425 – 1452). В отличие от рельефов первых дверей, новые были намного крупнее и помещены в простые квадратные рамы. Десять позолоченных рельефов “Врат рая” были созданы на сюжеты из Ветхого завета, их отличало богатство форм, изящество линий и большое количество персонажей, фигуры которых имели законченную правильность пропорций.

Каждый из сюжетов имел сложную многоплановую композицию, глубина пространства которой достигалась с помощью изменения высоты и объемности рельефа. Фигуры первого плана так же, как и во времена античности, были почти круглыми. На втором плане объемность изображаемого уменьшается, а на заднем плане фигуры лишь чуть выступают над плоскостью. Постепенное уменьшение фигур персонажей и архитектурных сооружений вызывает у зрителя иллюзию их удаления в пространстве, которая тщательно выверена автором.

Гиберти, занимавшийся проблемой линейной перспективы, как и многие другие деятели Возрождения, воплотил этот метод в своем лучшем творении – восточных воротах баптистерия Сан Джованни.
Наиболее яркой личностью в области пластического искусства эпохи Раннего Возрождения был Донато ди Никколо ди Бетто Барди, прозванный Донателло (1386 -1466). Он родился во Флоренции, в состоятельной семье, но детство было омрачено потерей отца.

Как предполагают, учителем Донателло был Гиберти. Современники утверждали, что лучшим другом скульптора был Брунеллески. Первые самостоятельные работы молодого ваятеля связаны с отделкой собора Санта Мария дель Фьоре.

В 1416 г. по заказу цеха оружейников он выполнил для церкви Ор Сан Микеле (св. Михаила) статую святого Георгия – покровителя оружейных мастеров. Каждый из крупнейших флорентийских цехов украсил ниши этой церкви изваяниями своих покровителей.

Впервые св. Георгий был изображен без атрибутов христианского воина - коня и копья. Герой Донателло – высокий стройный юноша, облаченный в легкие латы, на его плечах – небрежно наброшенный плащ. Широко расставив ноги, он стоит, опираясь на щит. Открытое лицо св. Георгия одухотворено и выражает отвагу. Немного повернутая влево голова и небольшой разворот плеч придают всей фигуре воина способность к движению. Образ героя Донателло олицетворяет защитника Флоренции и в то же время индивидуален, что типично для искусства Раннего Возрождения.

В течение последующих двадцати лет (1416-1436) Донателло работает над статуями четырех пророков для колокольни Джотто, в чьих образах воплотились реалистические портреты современников автора. Пророк Аввакум имел черты флорентийца Джованни Керикини, прозванного за свою лысую голову Цукконе (тыква). Донателло очень дорожил этой работой, считал ее своим шедевром и даже зачастую клялся именем “Цукконе”.

Одной из лучших работ Донателло стала бронзовая статуя Давида. Как и во времена античности, скульптор изобразил героя, одолевшего в единоборстве великана Голиафа - лучшего воина вражеского племени, обнаженным.

Давид показан в момент раздумья. Его лицо обрамлено длинными волосами, а на голове – пастушеская шляпа – символ простого происхождения. В правой руке юного героя находится меч, захваченный у врага. Согнутая в колене и немного отодвинутая назад левая нога попирает голову поверженного гиганта. Тело находится в состоянии покоя. Вся его тяжесть ложится на правую прямо стоящую ногу. Впервые со времен античности скульптор воссоздал классический прием постановки фигуры с опорой на одну ногу («хиазис» – греч.).

Выполненная по заказу Козимо Медичи, статуя Давида украшала один из внутренних двориков палаццо этого семейства. После тысячелетнего перерыва произведение пластического искусства вновь получило независимость от архитектуры.

Внимание к человеческой личности, к ее индивидуальным особенностям, характерное для эпохи Возрождения, у Донателло выразилось в обращении к жанру скульптурного портрета.

Портрет общественного и политического деятеля Флоренции Никколо да Уццано выполнен в древнеримских традициях: погрудное изображение, римская тога, открытая шея, точная передача характерных особенностей лица модели, раскрывающих ее духовный мир. Бюст Уццано – раскрашенная терракота, что подчеркивает индивидуальность изображаемого деятеля и придает работе особую выразительность.

С 1443 по 1453 гг. Донателло работает в Падуе. В это время он создает первый конный монумент эпохи Ренессанса, изображающий кондотьера Эразмо Нарни, прозванного Гаттамелата (перевод этого слова – «пестрая кошка»). Кондотьер – предводитель наемного военного отряда в Италии XIV–XVI веков, находившийся на службе у какого-либо правителя или римского папы.

Памятник, стоящий на пересечении площади и улицы и находящийся рядом с боковым фасадом Базилики дель Санто (св. Антония), обращен лицом к городу. Донателло создал реалистический портрет человека, для которого участие в войне является профессией. Опытный полководец облачен в доспехи, его голова непокрыта, в руках – маршальский жезл. Лицо военачальника, состарившегося в битвах и спокойно воспринимающего любые опасности и людские страдания, - сурово. Гаттамелата уверенно сидит на грузном, неторопливо выступающем коне. Своим спокойствием и величием эта работа напоминает античный конный монумент Марка Аврелия. Донателло как истинный творец эпохи гуманизма сумел выразить чувства и мысли человека своего времени. Его работы реалистичны и полны жизни.

Давид одет в элегантный наряд. Его лицо красиво обрамляют ровные кудри. Жест руки, держащий клинок, пугающе небрежен. Давид доволен совершенным поступком – у его ног голова поверженного врага с выражением страдания на лице. Все выше сказанное, включая внимание Верроккьо к деталям, делает работу менее монументальной, чем у Донателло.

На венецианской площади Сан Джованни стоит другая работа Андреа Верроккьо – «Кондотьер Коллеони» (1479-1488). Герой этого произведения - жестокий и властный человек, стремящийся к победе любой ценой. Он уверенно и в тоже время напряженно сидит в седле, спокойно удерживая гарцующего коня. Его тело скрывают массивные доспехи. Взгляд Коллеони грозен.

Кроме произведений на темы героического плана Верроккьо создавал работы иного характера, как, например, «Мальчик с дельфином». Это творение было предназначено для фонтана. Когда зритель смотрит на него, то создается впечатление, что через мгновение веселый малыш повернется к нему, как только обратят на него внимание, а дельфин постарается выбраться на волю.

В скульптурных работах Верроккьо, раскрывающих беспокойство и внутреннее напряжение, отразились изменения в обществе второй половины XV века, когда на искусство стали оказывать влияния вкусы аристократии.

Верроккьо прославил себя не только как ваятель, ему было поручено, следуя указаниям Брунеллески, увенчать фонарь купола собора Санта Мария дель Фьоре медным шаром (1468-1471).

Как многие деятели ренессансной культуры Андреа Веррокьо обладал множеством талантов. Он достиг успехов в живописи, был замечательным педагогом.

Среди его учеников - Боттичелли,

Перуджино, Леонардо да Винчи.

Живопись

Первым живописцем эпохи Раннего Возрождения стал художник Томмазо ди Джованни ди Симоне Гвиди, прозванный за свою рассеянность Мазаччо (1401–1428). Он родился недалеко от города Флоренции, в местечке Сан Джованни ди Вальдарно, в семье нотариуса.

Мазаччо прожил короткую жизнь, но его творчество стало не только новым словом в живописи, но и оказало значительное влияние на его последующее развитие. Главную ценность жизни для Мазаччо составляло искусство, все остальное было вне его интересов. Творчество художника формировалось под воздействием работ Джотто, а также в контакте с величайшими его современниками – Донателло и Брунеллески.

В начале XV в. архитектура и скульптура уже достигли значительных успехов. В отличие от них в живописи еще были сильны средневековые традиции, но им на смену пришло новое, реалистическое направление, которое возглавил во флорентийском искусстве Возрождения Мазаччо.

Одной из самых значительных работ этого мастера является фреска «Троица с Богоматерью, святым Иоанном и двумя донаторами» церкви Санта Мария Новелла во Флоренции, где Мазаччо применил метод линейной перспективы, разработанный Филиппо Брунеллески, а также с помощью света и тени передал объемность.

Действие происходит в помещении, имеющем цилиндрический свод. Перед зрителем не просто ниша, а углубленное, не зависимое от действующих лиц пространство, в котором фигуры при желании могут свободно перемещаться. Композиция фрески делится на две части. В верхней части изображены Бог-отец, святой дух в виде голубя и распятый Спаситель, справа от которого находится дева Мария, а слева - Иоанн. Ниже, по обеим сторонам арки помещены коленопреклоненные донаторы (донатор – человек, по заказу которого выполнено произведение искусства) - это первые портретные изображения, введенные в религиозную композицию.

В нижней части фрески изображен саркофаг, на крышке которого – лежащий скелет. Надпись над ним гласит: «Я был некогда таким, как вы, и вы будете такими, как я».

Герои работы Мазаччо трактуются автором как реальные, исторические лица. Если в работах Джотто тела фигур и их одежда составляли единое целое, то у зрителя, смотрящего на работу Мазаччо, создается впечатление, что одежды действующих лиц выполнены из настоящей ткани.

Фреска полна молчаливого покоя и торжественности, только жест Богоматери, указывающий на распятого Христа, акцентирует наше внимание, напоминая об искупительной жертве Спасителя.

В период с 1425 по 1428 гг. Мазаччо работает над росписями капеллы Бранкаччи церкви Санта Мария дель Кармине во Флоренции. Фрески «Изгнание из рая» и «Чудо со статиром» - наиболее знаменитые работы этого художника.

В «Изгнании из рая» Мазаччо сумел справиться с труднейшей для своего времени задачей – изобразить на основе законов анатомии обнаженное человеческое тело и поместить его в пространство. В это время многие живописцы согласно средневековой традиции показывали людей так, будто бы они ходят на цыпочках. Мазаччо же сумел придать телам не только устойчивость, но и естественность движений.

Фреска полна драматизма. Ева рыдает, в отчаянии запрокинув голову. Адам закрыл свое лицо руками, но вся его фигура выражает безысходность. Герои бредут, спотыкаясь, покоряясь решению Бога. Их преследует ангел с мечом в руке. Его фигура, изображенная на заднем плане, показана в сложном ракурсе: ангел, летящий из глубины, по направлению к зрителю, усиливает иллюзию глубины пространства.

Работа «Чудо со статиром» включает три повременных эпизода, передающих легенду о том, как сборщик податей остановил Христа и его учеников и потребовал уплаты подати. Иисус послал апостола Петра к озеру, где он должен был поймать рыбу, извлечь из нее статир (статир – монета), а затем отдать его сборщику. В центре композиции – Спаситель и апостолы, которым

преграждает путь сборщик податей; слева на заднем плане – Петр, вынимающийиз рыбы статир, справа – апостол Петр платит пошлину сборщику.

Включение разновременных эпизодов в единую композицию характерно для средневекового искусства, но в отличие от своих предшественников Мазаччо не нагромождает фигуры рядами, он их группирует в соответствии с замыслом, свободно размещая в пространстве.

Применение метода линейной перспективы (точка схода находится за головой Христа) обеспечивает пространственную глубину, а благодаря использованию метода воздушной перспективы в работе присутствует тончайшая градация тонов. Кроме того, между фигурой Христа и его учениками создается как бы воздушная среда.

Герои фрески – мужественные люди. Многие из них имеют портретное сходство с современниками Мазаччо, например, апостолу Фоме приданы черты заказчика Феличе Бранкаччи.

Работы Мазаччо открыли новую эпоху в живописи. Капелла Бранкаччи стала своеобразной школой для многих последующих поколений художников Италии.

В 1428 г. молодой, но уже опытный мастер отправился в Рим. Вскоре оттуда пришло известие о его смерти. Мазаччо только исполнилось 27 лет.
Среди флорентийских художников второй половины XV в. наиболее яркой личностью был Сандро Боттичелли (1444/1445-1510), его настоящее имя - Алессандро ди Мариано Филипепи. Он был сыном зажиточного горожанина и получил довольно хорошее для того времени образование. Изучать живопись Боттичелли начал в 15 лет в мастерской фра Филиппо Липпи, любимого художника фактического правителя Флорентийской республики Козимо Медичи. Какое-то время молодой живописец работал в мастерской Андреа Верроккио, а в 1470 г. он смог открыть собственную мастерскую.

Уже в ранних работах, среди которых «Юдифь» (1470-1471), присутствуют черты, характерны для стиля Боттичелли – эмоциональность, тяготение к символике, некоторая архаичность манеры и в то же время богатство фантазии.

Боттичелли. Весна.
В 1469 г. властителем города стал внук Козимо Медичи - Лоренцо, прозванный Великолепным. Новый правитель Флоренции стремился к тому, чтобы его двор не уступал лучшим европейским дворам, поэтому здесь часто проводились турниры и карнавалы. Хорошо образованный и любящий искусство Лоренцо сделал свой двор центром флорентийской культуры, где встречались и делись своими мнениями поэты, художники, музыканты. Постепенно искусство демократической Флоренции приобрело утонченно-аристократический характер.

Сандро Боттичелли – любимый художник семейства Медичи. В этот период он много работает, пишет картины по заказу членов фамилии Медичи. Произведения этого времени отличаются поэтичностью, одухотворенностью и мечтательной грустью. К этому периоду относятся работы «Весна» («Примавера», 1478 г.), «Рождение Венеры» (ок.1485 г.), «Марс и Венера» (1485 г.), «Магнификат» («Величание мадонны», ок.1485 г.) и др.

В картине «Весна» изображен праздник богини Венеры. Ее царство – это мир любви, красоты и радости. Однако в работе присутствует настроение поэтической грусти. Венера изображена под сенью апельсиновых и миртовых деревьев. Своим обликом она больше напоминает готическую мадонну, а не языческую богиню. Слева от нее - группа из трех танцующих граций, которые едва касаются ногами земли. Они символизируют Целомудрие, Красоту и Любовь. Рядом с ними стоит Меркурий, он смотрит в небо и отгоняет жезлом облако.

Справа от Венеры изображена в узорчатом наряде Весна. Она легко скользит по земле и рассыпает горстями цветы. У Весны просит защиты убегающая от легкого ветра Зефира лесная нимфа. В верхней части картины, над головой богини находится Амур с завязанными глазами, в его руках – натянутый лук.

Персонажи не связаны между собой развитием действия, они молчаливы и задумчивы, погружены в себя. Композиция состоит из ритмического чередования покоя и грациозного движения.
В представлении гуманистов эпохи Ренессанса легенда о рождении Венеры символизировала таинство пришествия в мир красоты, ниспосланной божественной любовью. В картине «Рождение Венеры» богиня, только что появившаяся из пены морской, плывет на раковине, которую гонят к берегу летящие среди цветов боги ветров. На берегу Венеру поджидает нимфа Ора. Она приготовилась накинуть на юную богиню расшитый пурпурный плащ.

Образ Венеры – один из самых пленительных женских образов, созданных Боттичелли. В облике богини присутствуют черты Симонетты Веспуччи – возлюбленной Джулиано Медичи. Ее одухотворенное лицо с задумчивым взглядом, устремленным вдаль, удлиненные пропорции фигуры воплощают красоту и грацию. Впервые со времен античности богиня изображена обнаженной.

К
Боттичелли. Оплакивание Христа.
омпозиция картины совершенна в своей гармонии. Ее центром является находящаяся в состоянии покоя Венера, которой обращены остальные действующие лица. Однако надо заметить, фигуры теряют свою телесную плотность. Светлые локальные (несмешанные) краски определили не только праздничность колорита, но и эмоциональный строй всей работы.
Второй период творчества Боттичелли связан с именем доминиканского монаха Савонаролы, проповеди которого имели огромное влияние на жителей Флоренции, по его приказам даже сжигались произведения искусства и книги, если Савонарола называл их греховными. В это время меняется отношение художника к миру. Он тоже бросил свои работы с изображением обнаженных фигур в костер, разожженный по приказу этого фанатика.

В последнее десятилетие XV в. Боттичелли иллюстрирует «Божественную комедию» Данте. Будучи превосходным рисовальщиком, он первым из художников обратился к произведению великого поэта.

Поздние работы Боттичелли наполнены драматизмом и трагической обреченностью. Наиболее ярко чувство безнадежности выражено в картине «Покинутая» (1490 г.). На каменных ступенях, рядом с закрытой дверью изображена одинокая женская фигура. Опущенные плечи, закрытое руками лицо, обессиленное тело выражают отчаянное горе. На переднем плане – разбросанные одежды.

Невыразимое горе и состояние отчаяния присутствуют и в двух работах на тему «Оплакивание Христа», созданных в этот же период.

В последние годы жизни Боттичелли ничего не писал. Умер он в возрасте 64 лет, почти забытый.

В XV веке в Италии существовала не только художественная школа Флоренции. Своими живописцами так же славились Умбрия, Падуя, Сиена, Венеция. Их мастера наиболее ярко заявили о себе во второй половине XV столетия.

Произведения умбрийской школы отличались рыцарственным, придворным характером. Крупнейшими мастерами этой школы времени кватроченто были Перуджино, Пинтуриккио, Мелоццо да Форли и Пьеро делла Франческа.

Пьеро делла Франческа (1410/20-1492) продолжая и развивая традиции Джотто и Мазаччо, создал немало творений в области монументальной живописи. Наиболее значительной его работой является цикл фресок в церкви Сан Франческо в Ареццо, которые посвящены истории животворящего Креста. Цикл включает 12 фресок, наиболее известные из них – «Прибытие царицы Савской к царю Соломону», «Сон императора Константина», «Битва Константина с Максенцием», «Благовещение», «Нахождение и испытание креста». Здесь художник показал себя не только знатоком линейной перспективы, но величайшим колористом (мастером цвета).

Пьеро делла Франческа сумел создать поразительные по красоте и восхитительные по своей прозрачности голубые, серые, белые, бархатисто-зеленые, розовые, фиолетовые, светло-коричневые тона. Все это позволило мастеру искусно передать световоздушную среду. Обладая необычайным колористическим даром, а также чувством линейного и пластического ритма, живописцу удалось создать в каждой из фресок различную атмосферу. Так, значительность события во фреске «Прибытие царицы Савской к царю Соломону» подчеркивается размеренностью движений всех изображаемых фигур в парадных одеждах, которые ниспадают тяжелыми складками, а радостные, праздничные краски создают приподнятое настроение.

Торжество победы императора Константина в росписи «Битва Константина с Максенцием» передается с помощью серебристо-величавого света дня и ясного голубого неба. Как художник-монументалист Пьеро делла Франческа сумел создать величественный и прекрасный мир.

Пожалуй, самой знаменитой работой этого художника можно назвать произведение «Бичевание Христа». Произведение, рассказывающее о страданиях Христа, автор, вероятно, связывает с современными ему событиями. Недаром он изображает людей, в одетых в костюмы 15 века, на первом плане правой части картины. Возможно, это было связано с разногласиями между католической и православной церковью накануне захвата Константинополя.

Сцена же истязания Иисуса показана в глубине помещения в левой части композиции. Спаситель привязан к колонне, на вершине которой установлена языческая статуя. Рядом находятся трое людей, стоящих полукругом. Один из них – палач, бичующий Христа. Слева мы видим сидящего Понтия Пилата, наблюдающего за наказанием.

Произведение поражает точной математической выверенностью композиции, эффектностью цветовых решений, и является ярчайшим образцом применения линейной перспективы.

В эпоху Раннего Возрождения велико внимание к человеческой личности. В живописи это выразилось в обращении к жанру портрета. Наиболее типичной композицией станкового портрета является профильное изображение модели, помещение ее на первом плане, вплотную к раме, пейзажный фон, как правило, написанный с высоты птичьего полета. Такая композиция, где человеческая фигура доминирует над пейзажем, воплощала идеал сильной и свободной личности, властвующей над миром.

Придерживаясь этих традиций, Пьеро делла Франческа создал парный портрет герцога урбинского Федериго да Монтефельтро и его жены Баттисты Сфорца (1465г.). Мастерски используя пейзаж, окутанный дымкой, живописец сумел смягчить властные и умные лица правителей и придать им спокойный характер размышления.

Будучи теоретиком искусства, Пьеро делла Франческа написал трактаты «О живописной перспективе» и «О правильных телах».
Представителем живописного искусства Северной Италии второй половины XV в. был Андреа Мантенья (1431 – 1506). Получив художественное воспитание в Падуе, в мастерской своего приемного отца Франческо Скварчоне, молодой художник мечтал о создании таких произведений, которые смогли бы повторить величие творений античного искусства. В его живописи чувствуется влияние искусства ваяния, что нашло свое отражение в четкости рисунка и рельефности форм. Колорит его работ – ясный и холодный – словно передает атмосферу падуанской природы.

Прежде всего, Мантенья сложился как мастер монументальной живописи, передающий в своих работах героическую атмосферу своей эпохи. Довольно часто в его произведениях присутствует архитектурный пейзаж. Росписи художника отличаются естественной глубиной пространства, пластичностью, необычной смелостью ракурсов. Таковы, например, фрески капеллы Овертари церкви Эремитани в Падуе, где действия некоторых сцен, перенесенных в Древний Рим, воссоздают жизнь великой империи прошлого.

Некоторые работы Мантеньи принадлежат к станковой живописи, но при этом они сохраняют монументальность и суровость, характерную для манеры этого художника.

Одной из наиболее известных работ мастера является картина “Мертвый Христос”, в которой Мантенья использовал необычный ракурс – зритель словно стоит в ногах лежащего Христа. Безжизненное тело покоится на простом ложе. Внимание привлекает склоненная набок голова Спасителя с разметанными на подушке волосами. Его заросшее лицо с закрытыми глазами и полуоткрытым ртом выражает беспредельную усталость. Раны на руках и ногах отражают бессилье.

Автор изобразил Христа простолюдином, у которого широкая грудь, впалый живот, тяжелые натруженные руки. Особенно выразительны босые ноги Спасителя, исходившие много трудных дорог, когда Иисус нес людям слово божье.

Рядом с Христом только две старушки, которые оплакивают Спасителя. Картина потрясает трагизмом. Впервые смерть Сына божьего была показана столь реалистично.

Мантенья был и прекрасным графиком. Его гравюры на меди развиваются в русле живописных принципов Возрождения, с течением времени они обретают статус самостоятельного вида искусства. Искусство этого мастера стало связующим звеном между Ранним и Высоким Возрождением Италии.
К североитальянской школе относятся и мастера Венеции, среди которых выделяются Якопо Беллини и его сыновья Джентиле и Джованни. Работы главы художественной династии отличаются лиризмом, созерцательностью и стремлением к реальной достоверности изображаемого. Его старший сын Джентиле (ок.1429–1507) был официальным художником Венецианской республики и прославился как искусный портретист, а также как создатель венецианской жанрово-исторической картины, рассказывающей о праздниках и многолюдных шествиях этого веселого города.

Младший сын Якопо Беллини - Джованни (1430–1516) в своем раннем творчестве был ориентирован на суровый стиль мастеров Падуи. Позднее он заинтересовался работами Пьеро делла Франчески и Антонелло да Мессины. В результате живопись Джованни Беллини приобрела мягкость, теплоту, изменился колорит, большую эмоциональную выразительность приобрело пространство.

В своих работах этот художник неоднократно воплощал образ Мадонны («Мадонна с младенцем – Мадонна Фриццони», «Мадонна в лугах», «Озерная Мадонна», «Мадонна со святыми» и др.). Его Мадонны светлы и прекрасны, и в то же время они серьезны и задумчивы. Работы мастера отличают чистый и тонкий колорит, мягкий свет и глубокий покой.

Произведение «Мадонна в лугах» выделяется среди других своей горизонтальной композицией. В то время традиционной была иная композиция – вертикальная. Младенец Христос спит на коленях Богоматери. Она задумчиво и с любовью смотрит на него, молитвенно сложив руки. Действие происходит в яркий солнечный, но холодный день. Вероятно, это начало весны, когда природа только начинает просыпаться. На заднем плане - замок, за которым виднеются окутанные голубой дымкой горы.

Джованни Беллини создал ряд ярких портретов. Хотя их количество невелико, именно с них начинается расцвет венецианской портретной живописи. Художник создал правдивые образы современников, поражающие сложностью ракурсов, красочностью цветовых решений и тщательной проработкой деталей.

Многие художники старались раскрыть секрет Джованни Беллини, но он так и остался неразгаданным.

1. 
   Как в истории культуры называют искусство Италии XVв.? Каковы характерные его черты?
   
2. 
   Почему можно утверждать, что Филиппо Брунеллески заложил основы нового архитектурного стиля? Приведите примеры.
   
3. 
   В чем заключается значение творчества Леона Батисты Альберти?
   
4. 
   Каково значение слова «перспектива»? Кто стал ее создателем? Назовите виды перспективы.
   
5. 
   Какая дата считается временем рождения ренессансного пластического искусства? Почему?
   
6. 
   Какое произведение прославило в веках имя Лоренцо Гиберти? Какой метод применял автор при создании этого произведения?
   
7. 
   Почему можно утверждать, что Донателло сделал в XV веке для развития скульптуры больше, чем другие мастера? Аргументируйте свой ответ.
   
8. 
   Некоторые из произведений Верроккьо созданы на те же темы, что и работы Донателло. В чем заключается их отличие?
   
9. 
   В чем заключается новаторство живописи Мазаччо? Аргументируйте свой ответ.
   
10. 
    Какие темы воплощал в начале своего творчества Боттичелли? Приведите примеры работ.
    
11. 
    Как изменился стиль Боттичелли в поздний период и почему? Приведите примеры произведений этого времени.
    
12. 
    Расскажите о монументальных работах Пьеро дела Франческа.
    
13. 
    Какой тип портрета был распространен в период Раннего Возрождения? Приведите примеры произведений.
    
14. 
    Что характерно для монументальной живописи Андреа Мантенья? Приведите примеры работ.
    
15. 
    Каким показан Спаситель в картине Мантенья «Мертвый Христос»? В чем необычность этой работы?
    
16. 
    Расскажите об особенностях венецианской живописи периода Раннего Возрождения.