Xix – начала XX

Особенно трудными для Родена были годы учебы и начало самостоятельного творческого пути: здесь и трехкратные не­удачные попытки поступить в Школу изящных искусств, и ду­шевные потрясения, в результате которых молодой Роден даже ушел на некоторое время в монастырь, и, наконец, долгие годы работы ради заработка у скульпторов-декораторов. Все это было преодолено благодаря исключительной силе воли и целеустрем­ленности молодого Родена, стремившегося к подлинному, боль­шому искусству. Упорная, почти титаническая по напряженнос­ти работа над изучением натуры, поиски новых форм и нового содержания в скульптуре начали приносить свои плоды.

Первым произведением молодого Родена, обратившим на себя внимание публики, явилась его ставшая впоследствии широко известной статуя «Бронзовый век» (1876). Она была выстав­лена в 1877 году и первоначально называлась «Побежденный»: в этом названии нашло отражение настроение разочарования, господствовавшее среди французской молодежи после пора­жения в войне. Представители официального академического искусства, шокированные необычайной жизненной правдой этого произведения, раздули целую историю, обвиняя Родена в слепом копировании натуры, в том, что он сделал слепок с натурщика – настолько реально, почти натуралистично было изображение.

Роден принял вызов академиков, заявив, что в присутствии всех желающих в те­чение всего нескольких часов вылепит фигуру человека. Он сдержал слово: так, на глазах у заинтригованных и по­раженных зрителей появился на свет «Идущий человек» («Шагающий», 1877), гениальная имп­ровизация, впоследствии легшая в основу второй его крупной скульп­туры - «Иоанн Креститель» (1878). Все эти три скульптуры, а также стилистически примыкающий к ним «Человек со сломанным носом» (1864), составляют группу работ, бросивших смелый вызов академической рутине. В работе «Человек со сломанным носом» лицо асиммет­рично, ничто не повторяется, в нем нет ни одного пустого, невырази­тельного места. Жизнь не только наложила свой отпечаток на это лицо, она буквально избороздила его.

Скульптор проявлял интерес и к лирическим, интимным сюжетам. Его скульптура «Вечная весна» (1898) - одно из самых проникновенных произведений в мировом искусстве. Мастер не раз обращался к теме вечной весны, ускользающей любви, поцелуя. Движение для Родена было основной формой выражения жизни в скульптуре.

Влияние Родена на современников было велико. Отчасти под влиянием Родена сложилось творчество крупнейших мастеров французской скульптуры XX в. – Эмиля Антуана Бурделя и Аристида Майоля.

Французский скульптор Антуан Бурдель (1861-1929) ро­дился в семье резчика по дереву. Учился в Художественной школе Монтобана. Дальнейшее образование получает в Тулузе, в Школе изящных искусств (1876-84), затем в Школе изящных искусств Парижа. Бурдель сам считал, что его истинными учителями были Лувр, Нотр-Дам, где он изучал про­изведения искусства великих масте­ров.

Произведения Бурделя отмечены дробностью ритмов, объёмов, усложнённостью общего построения. В дальнейшем, стремясь к героизации и монументализации образов, Б. творчески претворяет традиции греческой архаики и ранней классики, европейского средневекового искусства; произведения Б. отличаются единством конструктивности и динамики, контрастностью света и тени, грубовато-энергичной обработкой утрированно-крупных, плотных форм, активностью пространственного построения.

Ясная логика конструкции, лапидарность объемов, четкий, ясный силуэт отличает «Пенелопу» (1912, бронза, там же). Ощущение устойчивости усиливает звучание основной идеи: ни стихиям, ни бурям не сломить верности и воли этой женщины. Бурдель становится признанным мастером монументальной пластики, ему поручаются важные государственные заказы не только во Франции, но и в других странах. В 1910-13 он выполняет мраморные рельефы для Театра Елисейских полей в Париже (архитектор О. Перре), добиваясь единства скульптуры и архитектуры. Тема центрального фриза — «Размышления Аполлона и музы», в трактовке муз заметно влияние греческой архаики. Кроме огромного фриза (14 м х 2,48 м), скульптор выполнил пять отдельных рельефов между окнами на боковых фасадах.

В 1912-23 гг. Бурдель работает над памятником генералу Альвеару для Буэнос-Айреса — вероятно, одним из самых благородных и возвышенных произведений монументальной скульптуры 20 столетия. На высоком постаменте помещена конная статуя генерала, по углам постамента четыре аллегории: Сила, Победа, Свобода, Красноречие. В 1909-29 Бурдель работает над памятником польскому поэту А. Мицкевичу (бронза, Париж), которого он представляет в образе странствующего пророка. Статуя «Франция» (1925) была поставлена в память павшим в войне 1914-1918. Бурдель иногда в своих работах прибегал к казавшимся уже устаревшими формам и идеям (например, статуя Эльзасской Мадонны (1922) выполнена им в псевдоготическом стиле) или нарочитому искажению пропор­ций с целью усиления образного эффекта, как в «Умирающем кентавре» (бронза, Монтобан, Франция, 1914). Монументальностью замысла отмечена также работа Бурделя «Сафо» (1925, бронза, Музей Бурделя) — воплощение трагизма судьбы поэта и творца.

Значительностью образов отмечены портреты Бурделя. При остроте индивидуальной характеристики в них запечатлена мощь духовной энергии их создателя; по его словам, «любой портрет является одновременно изображением и модели, и автора». Бурдель говорил: «Чтобы сделать портрет гения, надо сначала четко представить себе форму его сущности». Портреты Бетховена с их словно пульсирующей фактурой, динамичностью объемов, контуров всех деталей должны были, по мысли Бурделя, воплотить душу музыки (начиная с 1888 он выполнил около 50-ти вариантов портрета композитора, последний, «Бетховен на кресте», делался в 1929). Творческая мощь запечатлена в бюсте Энгра (2 варианта, 1908, бронза, Монтобан, Музей Энгра); могучий «Роден» подобен скале, утесу (1909, бронза, Музей Родена в Париже); «Анатоль Франс» — олицетворение высокой, благородной мысли (1919, бронза, Оттава, Национальная галерея Канады).

Творчество Б., одного из крупнейших монументалистов своего времени, заняло видное место в прогрессивном французском искусстве 1-й трети 20 в.

Аристид Майоль (1861—1944) родился 8 декабря 1861 года в приморском городке Баньюльс-сюр-Мер, расположенном на крайнем юго-западе Франции. Отец его был виноградарем, а дед рыбаком. Его каталонское происхождение впоследствии скажется на характере образов, где галльская нежность и гармоничность будут неотделимы от испанской суровой и сдержанной силы.

В 1882 году Майоль отправился в Париж с намерением посвятить себя искусству — живописи. Но в 1899 году Майоль временно теряет зрение. Выздоровев, он вынужден навсегда оставить любимое ремесло. Его увлекает новый вид искусства — скульптура. Первые маленькие фигурки Майоля навеяны мотивами пастелей Эдгара Дега, где он изображал причёсывающихся, умывающихся, одевающихся женщин. И вот эту камерную, интимную по своему звучанию тематику подхватил Майоль. В 1901 году Майоль начинает работу над первой своей большой скульптурной композицией — сидящей женской фигурой, погруженной в задумчивость. Скульптура имеет два названия — «Мысль» или «Средиземноморье» - и воплощает некое общечеловеческое начало, являя собой совершенство форм, созданных природой, разумную красоту мироздания. В 1905 году в осеннем Салоне Парижа скульптура предстала перед публикой. После выставки «Средиземноморье» купил немецкий любитель искусства граф Г. Кесслер. Он сыграет благотворную роль в дальнейшей судьбе мастера, став страстным почитателем таланта Майоля и пропагандистом его творчества в Германии. Именно благодаря его заказам скульптор смог выбиться наконец из нищеты и обрести возможность для дальнейшего творчества.

Его работы отличает удивительная пластичность, безупречная композиция, скульптуры выполнены в классических традициях, в них заключена поэтичность, музыкальность, особое майолевское видение мира. Майоль никогда не увлекался формалистическими поис­ками. Он стремился к тому, чтобы его скульптуры можно было наблюдать со всех сторон и любоваться красотой естественного, прекрасного и сильного тела. Излюбленная модель Майоля — об­наженное женское тело, полнокровное и здоровое. Женщины Майоля — само олицетворение Матери-Природы. Как правило, женский образ приобретает в творчестве скульптора аллегори­ческий смысл, но при этом всегда сохраняет естественность и красоту натуры. В своей знаменитой серии скульптур, изобража­ющих природные стихии, Майоль представил Землю, Воздух и Воду в виде трех женских фигур. Одна из них, «Река» (1939-1943), удивительно точно передает стихию воды, подвижной и вечно изменчивой. Скульптуры Майоля, как правило статичны, в них домини­рует большая форма, почти не нарушаемая никакими деталями. Его произведения являются полной противоположностью эмоциональным и экспрессивным скульптурам Родена.

Прозвучавшая в «Средиземноморье» тема покоя и погружённости в себя вскоре почти исчерпывается в статуе «Ночь» (1902–1909). А вот в «Памятнике Бланки» («Скованная свобода») (1905–1906) — первом мемориальном произведении мастера — воплощён другой мотив. Скульптор создаёт пластически выразительную аллегорию, где мощная женская фигура олицетворяет революционный порыв, противоборство человека трагической судьбе, одухотворённую силу, преодолевающую внешнее сопротивление.

В 1907 году, по заказу русского мецената И.А. Морозова, Майоль начал работать над статуей Помоны (1910) — она должна была представлять аллегорическую фигуру осени и плодородия. Знаменитая статуя появляется сразу после поездки в Грецию в 1910 году. Там на Майоля наибольшее впечатление произвела архаика и ранняя классика. С той поры излюбленным мотивом скульптора становится изображение стоящей женской фигуры.

«Помона» стоит и держит в каждой руке по яблоку, — пишет К. Богемская. — Идея яблока — округлая шаровидная форма — прочитывается во всей пластике её тела: и в выпуклом лбе, и в полусферах груди, и в лепке живота. Классическая стройность и симметрия, ясность образа могут напомнить о музейных прототипах. Но Майоль действительно является мастером XX века. Изображая обнажённую фигуру, он не стремится передать реальную красоту женственности, он мыслит объёмами, достигает их архитектонического сочетания, величавой строгости целого.

В уравновешенности пластики, в том, как рационалистически чётко видел скульптор свою задачу, с какой глубокой художественной культурой он подходил к своему материалу, можно усмотреть его родство с Бурделем, несмотря на все различия.

В начале 1910-х годов Майоль начинает работу над новыми масштабными произведениями, законченными из-за войны только в двадцатые годы: «Памятник Сезанну» (1912-1925), «Иль-де-Франс» (1920-1925) и «Венера с ожерельем» (1918-1928).

Одно из высших достижений всего майолевского творчества — «Иль-де-Франс». Ещё в 1910-х годах скульптор выполнил с натуры торс «девушки, выходящей из воды», который лёг в основу композиции статуи. Этот изогнутый, как лук, торс, плавная поступь, суровое лицо статуи — всё это создаёт впечатление неудержимого, но при этом внутренне уравновешенного порыва. Как всегда, отправляясь от сюжетного немотивированного движения человеческого тела, Майоль сумел наполнить своё произведение глубиной и одухотворённой энергией. В этой статуе достигает кульминации тема «устремлённости», разработанная ещё в статуэтках 1900-х годов, а по своей энергии данное произведение сопоставимо с «Памятником Бланки». Но если в последнем выражено сопротивление внешнему давлению, то «Иль-де-Франс» — само воплощение свободы и победы.

На всём протяжении двадцатых годов скульптор работал над «Венерой с ожерельем». Это самая лиричная и женственная из его богинь. Статуя впечатляет непринуждённой грацией жеста, лишённого манерности и продиктованного внутренним чувством.

В то же время Майоль работает над памятниками жертвам Первой мировой войны. Наиболее удачный — «Памятник павшим» в Баньюльсе, решённый в виде каменной стелы с двумя выступами. Простыми средствами Майоль передал здесь чувство глубокой скорби и стоящее за ней ощущение вечности.

В тридцатые годы мастер создаёт ряд статуй, олицетворяющих природные стихии, или своеобразные «первоначала» природы: землю, воду, воздух. Подобный замысел нашёл воплощение в статуе «Гора» (1933–1937).

В тридцатые годы мастер работал также над единственной в его творчестве круглой групповой композицией, позже названной «Три грации» («Три нимфы») (1930–1937). Она состоит из трёх обнажённых женских фигур, головы которых увенчаны венками из полевых цветов.

Последняя монументальная статуя Майоля — «Гармония» (1940–1944), создавалась в тяжёлые годы фашистской оккупации. Скульптор практически не выезжал из Баньюльса и, несмотря на почтенный возраст, по-прежнему работал по десять часов в сутки, создавая жизнеутверждающие произведения. Свою задачу Майоль, как и прежде, видел в том, чтобы творить «вечно человеческое» и «волновать сердца людей».

27 сентября 1944 года скульптор скончался после автомобильной катастрофы. Его похоронили в Баньюльсе в окружении кипарисов и сосен. На могиле его надгробие в виде статуи «Средиземноморье».

Полное бурной патетики творчество французского скульптора Э.А. Бурделя и гармоническое величественное искусство А. Майоля оказали большое влияние на развитие европейской скульптуры.